CRUZAN ABBEY ROAD

ACROSS THE BEATLE UNIVERSE

VOTANOS AQUÍ PARA QUE ABBEY ROAD ESTÉ ENTRE LOS 100 MEJORES BEATLES SITES

sábado, 29 de septiembre de 2012

250.000 VISITAS!!! SALUDOS A NUESTROS AMIGOS DEL MUNDO (V)

Finaliza otro mes y queremos saludar a nuestros amigos seguidores. Esta vez, con un agregado especial: hemos llegado a 250.000 visitas a este blog que se ha propuesto ser un puente de comunicación y de intercambio y opinión sobre la música, el arte y la cultura a escala global, superando los prejuicios chauvinistas y los localismos restrictivos del verdadero valor de lo humano: su universalidad.

Que tengamos visitantes todos los días en esta modesta casa es un placer y un regalo de los amigos que están diseminados por el mundo.



Por ello, vaya nuestro saludo a los amigos de Estados Unidos, quienes seguidos de argentinos, japoneses, españoles y chilenos son quienes nos visitan en más número en este momento, sábado 29 de setiembre a las 18:18.

También a quienes más han entrado en ABBEY ROAD en lo que va del día, encabezados por los amigos argentinos, a quienes secundan estadounidenses, mexicanos, españoles y chilenos.

No olvidamos a quienes más nos visitaron en la semana: los amigos mexicanos a la cabeza, seguidos de estadounidenses, argentinos, españoles y colombianos.

Durante el último mes, las visitas más frecuentes provinieron de los amigos de Estados Unidos, secundados por los argentinos, mexicanos, españoles y chilenos.

Y en cualquier momento, esto es, desde el comienzo de este blog hasta ahora, los registros siguen inamovibles: los amigos mexicanos primeros lejos, seguidos por estadounidenses y argentinos bastante próximos entre sí y luego, seguidos de españoles y chilenos.

Y a todos los amigos de múltiples puntos del planeta que aunque sea con menor cuantía habitualmente nos visitan, también nuestro caluroso saludo y el más sincero agradecimiento. 

Que todos ustedes estén ahí y nos lean, hace que ABBEY ROAD siga teniendo algo para decir y compartir y que se refuercen las energías, los deseos y el placer de hacerlo.

A todos, gracias sinceramente.

Un abrazo desde Uruguay.



Pronto volveremos con más.
Hasta entonces.

NEAL MORSE, STEVEN WILSON Y LA COSA SE PONE BUENA

Se termina setiembre, pero podemos decir que trajo buenas novedades. 

                                                   


1. NEAL MORSE - MOMENTUM




Casi al comienzo del mes, como ya anunciáramos, Neal Morse se despachó con un discazo que vuelve a llevarlo a las alturas de su excelente Question Mark ?, de 2005. No exagero al decir que es un importantísimo hito en su carrera, una nueva cota alta en la calidad global [composición, ejecución, arreglos, grabación], una obra mayor de este inagotable músico. Un set list muy variado, compuesto de cinco temas de mediana duración y una suite de poco más de media hora, recorre diferentes variedades de lo que Morse es capaz de hacer. Hay temas que evocan su más pura cepa Spock's Beard y otros que se convierten en pequeñas piezas especiales donde se destacan los arreglos vocales o los tratamientos acústicos o los arreglos propios de música de cámara. Todo esto, relacionado con la característica energía de Morse, la rítmica impecable de Portnoy, el soporte firme y constante del bajo de George. 

Además de Morse, Portnoy y George, el disco cuenta con la participación de varios artistas invitados, a saber: Paul Gilbert en guitarra solista en el tema que da nombre al disco, Adson Sodré como guitarrista solista en la suite final, Bill Hubauer en clarinete, flauta, guitarra y teclado adicional en un movimiento de la suite final, Eric Gillette y Wil Morse como voces adicionales en los tremendos arreglos vocales de Thoughts Pt. 5, Chris Carmichael en cuerdas y Rick Altizer en voces adicionales en Weathering Sky y Smoke And Mirrors.

Cinco temas bastante diversos entre sí y una suite impecable donde el prog, el sinfónico, algo del hard, aires de prog folk de inspiración celta y más se dan cita para completar una enorme performance.

El resultado es un disco vibrante y pleno, un nuevo destello de este músico que ya tiene un excelentemente ganado lugar entre los grandes del Prog de todos los tiempos. Imperdonable perdérselo, inexcusable su audición, imprescindible incorporarlo al acervo de la mejor música prog y de la música a secas.

ABBEY ROAD dice:




5/5 YELLOW SUBMARINES



2. STEVEN WILSON - GET ALL YOU DESERVE









A esta altura mucha gente se lamenta del largo intervalo que viene teniendo Porcupine Tree. Desde 2009, con The Incident, no aparece ninguna obra nueva de la banda y sus músicos han ido incursionando por caminos solistas. Steven Wilson ha diversificado febrilmente su actividad. Editó novedades con Blackfield, realizó junto al líder de Opeth el lanzamiento de su nuevo side project Storm Corrosion, participó de las remasterizaciones de King Crimson y Jethro Tull y editó el que a nuestro juicio fue el mejor álbum de 2011, Grace For Drowning. Todo hace suponer que no volverá Porcupine Tree por bastante más tiempo. Wilson ha seguido adelante y, producto del Grace For Drowning Tour, salió al mercado hace pocos días, el registro de la presentación de Wilson en el Teatro Metropolitan de México DF en abril de este año. Se llama Get All You Deserve y viene presentado en forma de doble CD, un DVD y un Blue-Ray, en su edición Deluxe. Aún no hemos visto del DVD, aunque sí algunos adelantos en YouTube. Sí hemos accedido al audio. 

En esa presentación, Wilson trae temas, casi por igual, de su primer álbum solista Insurgentes, como del siguiente Grace For Drowning, más un tema estreno, Luminol, que sería parte anticipada de un tercer álbum solista en preparación.

Para esta oportunidad, Wilson cuenta con los siguientes asociados:

En primer lugar, Lasse Hoile, quien le diseñara muchas carátulas y colaborara en muchas filmaciones. Para este caso es el director de todo el registro visual que viene en el DVD y el Blue-Ray.

Luego, los músicos: Niko Tsonev, reconocido guitarrista de sesiones búlgaro; Adam Holzman, tecladista estadounidense de trayectoria en el prog pero también de corte jazzístico; Nick Beggs, bajista británico que participó en bandas como Iona, pero también como soporte de solistas de la tallas de Steve Hackett en 2009 y a partir de este año, con Wilson; Theo Travis, saxofonista y flautista británico que deambuló por bandas de la talla de Gong, Porcupine Tree, The Tangent, Bass Communion, No-Man o Soft Machine Legacy, o con músicos tales como David Sylvian o Robert Fripp; finalmente, Marco Minnemann, ese baterista alemán que ha transitado por el mundo prog al lado de los más grandes, como Adrian Belew, Trey Gunn, Eddie Jobson, UK, Alex Machacek, Paul Gilbert entre muchos otros y que fuera de los 7 bateristas que calificaron como candidatos a suceder a Mike Portnoy cuando se fue de Dream Thater.

De los temas no podemos decir mucho más que son excelentes performances en vivo de los temas de estudio aparecidos en los dos álbumes de Wilson y que están grabados con tal grado de fidelidad y calidad sonora que no se nota ninguna de las imperfecciones habituales de las tomas en vivo. Tampoco aparece ninguna de las fallas de ejecución que siempre son posibles en las tomas en directo, por lo cual, este concierto de México DF merece - y seguramente así ocurrirá - recordarse como meorable y pasar a engrosar la lista de notables registros Live.

La línea de Wilson en este receso de Porcupine Tree oscila entre la oscuridad y la luminosidad. Los sonidos que logra y las texturas sonoras que entreteje, la recurrencia a fuentes que inspiran su talento y que parecen ser el ADN de su creatividad, dan a este disco un valor muy singular de muestra compacta y contundente de la estatura de quien es, sin duda, en el presente uno de los protagonistas más sustanciales de la evolución musical actual, una de las personalidades más interesantes que ha dado la inagotable cantera del Prog [abarcando todas sus vertientes]. Y sin duda, la figura más polifacética de la generación progresiva que nació biológicamente de forma paralela al surgimiento del Prog, pero que pudo apropiárselo y darle nueva vitalidad recién a fines de los '80, cuando parecía que el Prog era solo polvo en el viento.

Merece especial atención la presencia del tema nuevo, Luminol, porque allí se puede hacer el ejercicio de intentar detectar qué rumbo seguirá este artífice múltiple.


ABBEY ROAD dice:


5/5 YELLOW SUBMARINES
Lamentablemente, se me termina la escala!!!




Hasta pronto

viernes, 14 de septiembre de 2012

BEATLES POST - BEATLES

Ha de haber sido una carga especialmente grande el haber sido un Beatle y tener que responder a ese pasado, especialmente con la perspectiva de muchos años por delante. Nadie suponía que en algún caso no fueran muchos los años que le quedaban de vida a partir de la separación de la banda en 1969 (fecha real) - 1970 (fecha oficial).


Los últimos Beatles

De cualquier modo, los cuatro Beatles continuaron caminos que nos permiten ir imaginando cómo habría sido la música de la banda si hubieran decidido seguir juntos y qué caminos habrían tomado por su cuenta si hubieran compartido una continuidad del grupo paralelamente a una actividad solista. Es visible en ciertas composiciones la veta Beatle o no Beatle de las mismas. Hay temas que podemos identificar como beatlescos y otros que seguramente no hubieran prosperado dentro de la banda.

Es interesante ver el paralelismo de algunas de las obras post Beatle de cada uno. Ciertamente esa tendencia post Beatle ya se ve en los primeros álbumes solistas de Harrison y Lennon, aún cuando fueron hechos cuando la banda aún permanecía activa, en 1968 o 1969. Pero ese es un claro indicio de que ya existían caminos individuales que se iban delineando y que ya estaban empezando a transitarlos. Para 1970 ya los cuatro habían editado álbumes solistas.


                        

 HARRISON   |   LENNON   |   MC CARTNEY   |   STARR


Este pequeño cuadro permite ver el desarrollo diacrónico de cada uno y el paralelismo sincrónico de los cuatro.


Cuadro diacrónico - sincrónico de las ediciones de estudio y en vivo de los ex Beatles en sus trayectorias solistas [1968 - 2012] 
[Click con botón derecho para abrir ampliado en otra pestaña]

Como puede apreciarse, hemos excluído todas las ediciones recopilatorias, boxsets, conmemorativas, aniversarios, etc., así como todas las ediciones posteriores de la época Beatle, como los recopilatorios [Álbum Rojo, Álbum Azul], los temáticos [Beatles Love Songs, Ballads, Rarities, etc.] como la aparición de materiales de archivo [los Anthologies], incluso los nuevos singles [Free As A Bird, Real Love] y, desde luego, el torrente de bootlegs de estudio y de actuaciones en vivo que Purple Chick o Yellow Dog y otros sellos por el estilo han editado. También hemos excluído todos los singles y EP y nos hemos quedado solamente con álbumes.

Hemos dejado las ediciones de estudio originales, los discos en vivo oficiales editados dentro de la discografía y no como memorabilia, los discos experimentales [Los Unfinished Music de Lennon, por ejemplo], las experiencias bajo seudónimo o con otras bandas que se editaron oficialmente y hasta experiencias musicales fuera del ámbito del rock [la música clásica de McCartney, por ejemplo].

En una primera mirada es interesante ver cómo fueron pocos los años en los cuales ninguno editó ningún álbum. Recién en 1985 encontramos un vacío total en cuanto a álbumes se refiere. Recién casi una década después se repite la situación, esta vez durante tres años seguidos: 1994, 1995 y 1996. Posteriormente a eso, y a pesar de que desde 1980 solamente eran tres y desde 2001 solo quedaron dos, no se repitió más esa ausencia de producción nueva. Al llegar al presente, vemos que tanto Paul como Ringo han editado material nuevo en 2012: Kisses On The Bottom, de McCartney y Ringo 2012 de Starr.

Puede resultar evidente que, a medida que transcurrieron los años, las líneas individuales se fueron separando más nítidamente.

Los tiempos de Dark Horse

La línea Harrison comienza con un experimentalismo - no tanto con la música india, como hubiera sido esperable - orientado sobre todo a lo electrónico. Recién hacia 1970 veremos la eclosión compositiva y creativa de George, con la edición de All Things Must Pass, un magnífico álbum triple [en vinilo] que contiene toda la producción de Harrison contemporánea a la ruptura de la banda. Ese hubiera sido el aporte de George a una hipotética continuidad de The Beatles. Esta tendencia, creemos nosotros, se extiende hasta mediado de los '70. Para finales de la década, Harrison ya incursiona en una línea más pop, y sobre fines de los '80, su experiencia con The Travelling Wilburys lo lleva más a una línea blues - rock - folk, compartiendo el cartel con artistas de la talla de Roy Orbison, Bob Dylan, Tom Petty o Jeff Lynne. Durante los '90 entra en un largo hiato que se estaba terminando con el advenimiento del nuevo siglo. Lamentablemente, la muerte le ganó la partida antes de que pudiera terminar el álbum Brainwashed, que fue literalmente completado por Dahni, su hijo, también músico. De todos modos, sea cual sea el momento de su trayectoria post Beatle, George aludió en muchas oportunidades a ese pasado que le permitió estar en la banda más creativa e influyente del mundo, aunque bastante constreñido desde el punto de vista de su desarrollo musical personal.


El salto a Nueva York

En la línea Lennon, apreciamos también un comienzo experimentalista. Los Unfinished Music 1 y 2 y el Wedding Album parecen exhabruptos incomprensibles para quienes pretenden ver una continuidad con respecto al Lennon Beatle. En realidad son obras de Yoko amparadas por John. De modo que cuesta asimilarlas a la obra de John. Pero son el espacio que se dio para buscar dentro de líneas conceptuales y vanguardistas influído y alentado netamente por Yoko. Pero ya en el propio 1969 y 1970 aparece el verdadero Lennon de entonces, el de Mother, el de God, el de Working Class Hero, por mecionar algunos temas paradigmáticos del momento. Se vuelve a una composición más en crudo, sin tanto trabajo de estudio, pocos overdubs, nada de efectos especiales, solo la música y la letra en diálogo abierto y desnudo. Otros discos como Imagine o Mind Games continúan esa línea y es ese el Lennon que se hubiera manifestado en unos hipotéticos Beatles posteriores a 1970. Creemos que hubiera sido esa la línea que hubiera prevalecido en John. El camino de John tras la historia Beatle es hasta cierto punto regresivo, no por calidad ni creatividad, sino por una vuelta a la simpleza y la comunicación emocional por encima de la depuración estilística o la exquisitez artística. Poco tiempo tuvo John para seguir creciendo. Su período de amo de casa y padre, coincidente con la crianza de Sean, lo aparta varios años de los escenarios y los estudios. Precisamente, cuando estaba volviendo, con una nueva obra en conjunto con Yoko en la que se alternan uno a uno temas de John y temas de Yoko, el álbum Double Fantasy, sobrevino el asesinato del músico a manos de Marc Chapman. Esa modalidad de álbum alternado continuó póstumamente con el disco Milk And Honey, que recoge materiales que se habían grabado en las sesiones del Double Fantasy y habían sido archivadas al producirse el asesinato. De modo que en este caso, más que en el de Harrison, encontramos una línea verdaderamente trunca, una rama que estaba brotando y fue cortada abruptamente. En esta etapa la música de John se mantuvo dentro de la sencillez que había alcanzado hasta mediados de los '70, pero logró no ser tan crudo como en el Rock'n'Roll de 1975 y permitió que prevaleciera mejor que nunca su veta poética en temas tan paradigmáticos como (Just Like) Starting Over, Beautiful Boy o Woman. Y ahí ya no estoy tan seguro de que en unos hipotéticos Beatles Lennon se hubiera permitido desnudar su interior de esta manera.


La época de Ram

La línea McCartney es, por lejos, la más nutrida y constante. Por un lado, sigue vivo y activo hasta el presente y no tuvo recesos. Por otro lado, mantuvo el ritmo de creatividad y la atención a varios flancos simultáneamente. Fue el que más matices le imprimió a sus producciones: solista, con Wings, con música clásica, con el proyecto The Fireman, con seudónimo, por no mencionar bandas sonoras de películas y proyectos para niños. Además fue el que desplegó la mayor actividad escénica con giras mundiales reiteradas y sucesivas que han llegado hasta el presente [afortunadamente, porque de ese modo es que pudimos verlo este año en Montevideo] [breve comentario inevitablemente egoísta]. En 1970 McCartney logra un interesantísimo resultado con su disco McCartney. Totalmente compuesto y ejecutado por él, en todos los intrumentos, en todos los arreglos y en la producción y grabación, hace una primera demostración del potencial que podría desplegar de ahí hacia adelante. Y es totalmente consistente con lo que ocurrió después: una enorme capacidad para proyectar y realizar esos proyectos. En ese primer disco solista y en Ram está el McCartney post Beatle que hubiera prevalecido si la banda hubiera tenido continuidad. Su unión con Denny Laine y la formación de Wings lo desvió hacia otro derrotero y objetivos. Esa fue la vuelta de McCartney a un contacto masivo y, por tanto, su música se impregnó de tics propios del Pop. Esto no significó desmedro a su calidad compositiva, ya que una de las contribuciones más importantes de Paul a The Beatles fueron temas que estaban más adscriptos al Pop que al Rock. Sin embargo, nunca dejó de ser rockero, pero le anexó otras páginas a su currículum. Toda su evolución posterior da la impresión de que logró sacudirse el peso de haber sido Beatle ya que incursiona en variadas direcciones por múltiples caminos, lo que lo lleva a mostrarse como un músico versátil que puede moverse cómodamente en una pluralidad de géneros. Pero asimismo deja permanente constancia de su capacidad como compositor de canciones muy sólidas, bien terminadas, productos de alta factura. Y cada tanto puede volver sobre sus pasos y recrear su pasado Beatle sin temor a quedar enganchado únicamente a él y cuando lo quiere hace pie en ese su pasado para mostrar y decir: "hasta aquí podríamos haber llegado".


Entre la pantalla y la pista grabada

Finalmente, la línea Starr comienza tan tempranamente como las de los demás. Ya en 1970 Ringo edita dos álbumes solistas. En este caso, su preferencia por una música nostálgica, vinculada más con sus padres que con su generación, lo alejan de las líneas de trabajo que venían siguiendo en la banda. Pero será en los años subsiguientes cuando encontraremos desarrollos de Ringo como compositor o como intérprete que habrían congeniado bien con los hipotéticos post Beatles que estamos tratando de imaginar. Es la época del álbum Ringo, y se extiende hacia mediados de los '70. La trayectoria de Ringo se alternó mucho con sus incursiones cinematográficas, por cierto más celebradas que su música. Posteriormente, después de casi una década sin discos, Ringo volvió con un formato que ha sido exitoso y que le permitió matizar su música con otros músicos destacados, bajo la forma de la All-Starr Band. Allí aparecen músicos invitados que hacen sus temas, acompañados por la banda, y también aparecen los principales éxitos de Ringo. Este formato ha tenido 12 variantes desde 1989 al presente, habiendo pasado por allí músicos de la talla de Joe Walsh [de The Eagles], Billy Preston, Levon Helm [de The Band], Todd Rundgren [de Utopia], Randy Bachman [de Bachman-Turner Overdrive], John Entwistle [de The Who], Peter Frampton, Gary Brooker [de Procol Harum], Jack Bruce [de Cream], Roger Hodgson [de Supertramp], Greg Lake [de ELP], Edgar Winter, Rod Argent [de Argent], Greg Rolie [de Santana] y el hijo de Ringo,  Zak Starkey [Oasis, The Who], entre muchos otros. En esta etapa la música resulta más ecléctica, aunque el set de Ringo ha sido bastante estable a lo largo de los años. Por otro lado, esta modalidad hizo que Ringo pasara de ser el furgón de cola de The Beatles en liderazgo, a ser el dueño del circo para el cual trabaja el resto de sus All-Starrs.

Otro aspecto interesante a tener en cuenta son las certificaciones obtenidas por separado cada uno de ellos.

George Harrison obtuvo 8 Discos de Oro, Dos Discos de Platino, 1 Triple Platino y un Séxtuple Platino.

John Lennon obtuvo 11 Discos de Oro, 1 Disco de Platino, 1 Doble Platino y 2 Triple Platinos.

Paul McCartney también fue el que más certificaciones obtuvo: 2 Discos de Plata, 26 Discos de Oro, 16 Discos de Platino, 4 Doble Platinos y 2 Triple Platinos.

En tanto, Ringo recibió 1 Disco de Plata, 2 Discos de Oro y 1 Disco de Platino.

Pero si comparamos esto con las certificaciones de The Beatles, recibidas en muy diversos países, las cifras trepan sensiblemente: 1 Disco de Plata, 51 Discos de Oro, 28 Discos de Platino, 18 Doble Platinos, 8 Triple Platinos, 9 Cuádruple Platinos, 3 Quíntuple Platinos, 2 Séxtuple Platinos, 5 Óctuple Platinos, 2 Nónuple Platinos, 2 Undécuple Platinos (11), 1 Dodécuple Platino (12), 1 Quindécuple Platino (15), 1 Septidécuple Platino (17) y 1 Nonudécuple Platino (19).

Si bien las cifras de ventas por las que se otorgan estas certificaciones difieren de un país a otro, de acuerdo al tamaño de los mercados, si consideramos los principales países donde obtuvieron esas distinciones, tendríamos que:

Un disco de plata equivale a 60.000 ejemplares de álbumes vendidos en el Reino Unido. En otros países, no se otorga esa distinción.

Un disco de oro equivale a 100.000 álbumes vendidos en Alemania, a 40.000 en Canadá, a 500.000 en Estados Unidos y a 100.000 en el Reino Unido.

Un disco de platino equivale a 200.000 ejemplares de álbumes vendidos en Alemania, a 80.000 en Canadá, a 1.000.000 en Estados Unidos y a 300.000 en el Reino Unido.

Así que los múltiplos de los platinos se pueden averiguar con facilidad según del país en que sea. Por ejemplo, para el nonudécuple platino, hay que multiplicar la cifra del platino por 19. Allí estaría oscilando entre 1.520.000 ejemplares para Canadá y 19.000.000 para Estados Unidos. Ese caso, de acuerdo a los registros,  se verificó en los Estados Unidos, por lo cual corresponde a 19.000.000 de ejemplares vendidos solamente en ese país. El disco es el Álbum Blanco. Si tenemos en cuenta que es doble, significa 38.000.000 de placas.

Es interesante ver cómo ni siquiera los propios Beatles, individualmente, lograron superar el éxito comercial de ventas de sus discos como banda. Claro está que esos discos se han seguido vendiendo sin interrupciones a lo largo de los años y rindiendo royalties, desde luego. 

De resultas de todo esto, se nos ocurre que los siguientes Beatles si es que la banda hubiera continuado, hubiera podido lograr un sonido que entremezclara lo que podemos escuchar en All Things Must Pass y Living In The Material World + John Lennon/Plastic Ono Band, Imagine y Mind Games + McCartney y Ram + Ringo.


Tómense temas como My Sweet Lord, Isn't It A Pity?, Beware Of Darkness, Apple Scrufs y All Things Must Pass


Agréguense temas como Imagine, Jealous Guy y Gimme Some Truth

De aquí, tómese God, Mother, Well, Well, Well y Working Class Hero

Otro poco de Give Me Love (Peace On Earth) y Living In The Material World

Incorpórense Every Night, Junk y Maybe I'm Amazed

Mézclese con Mind Games

Revuélvase con Too Many People

Aderécese con Photograph y You're Sixteen


Una vez listo, sírvase:

¿Qué nuevo sonido Beatle hubiera sido posible? Quizás repasando estos álbumes en secuencia o alternados, podamos hacernos una idea o disfrutar tratando de imaginar ese sonido. Se nos ocurre que puede ser una buena perspectiva para dedicarle tiempo este fin de semana.

Hasta pronto

--------------------------------------------
AGREGADO EL 07/03/15

Aportemos una pequeña actualización a estas fechas.
Paul McCartney pasó una vez más por Montevideo el 19 de abril de 2014 [otro comentario inevitablemente egoísta] y ha publicado un nuevo álbum de estrepitoso éxito, NEW, en el que pueden encontrarse no pocas novedades compositivas y/o sonoras, amén de la participación de 4 productores jóvenes pero de gran fuste. Acá lo comentamos en su momento.
Ringo Starr también pasó por Uruguay a fines del 2012, pero para un concierto por invitación en Punta del Este. Actuamente se halla en proceso de salida al público su más reciente álbum, Postcards From Paradise.
--------------------------------------------



miércoles, 12 de septiembre de 2012

JON ANDERSON ESTUVO EN MONTEVIDEO

Fue una lástima que el Auditorio Nacional Adela Reta no estuviera repleto. La platea estaba casi completa, pero los palcos y la tertulia mostraban muchos blancos. Quizás conspiraron contra el espectáculo circunstancias como la simultaneidad de otros eventos, como el partido de fútbol por las Eliminatorias al Mundial de Brasil 2014 que se jugaba en el Estadio Centenario y que se seguía en cada bar de las esquinas de Montevideo por televisión o como otra presentación que se daba al mismo tiempo en el Teatro de Verano, la de la banda de trash metal Megadeth. Sospecho que, de todos modos, poco influyeron estas circunstancias, presumo que son públicos suficientemente distintos. 

Sí me parece más influyente y determinante el formato de espectáculo, que debe haber desalentado a algunos y estimulado poco a otros. En general, el recuerdo y concepto que se tiene de la obra de Jon Anderson, solista o con Yes, es de un sonido más envolvente, más potente y más sinfónico. El formato acústico con un solo instrumento, algo así como la versión más minimalista del unplugged, no parece hacer mucha justicia a muchos de los temas de Anderson, aún aquellos en los cuales la voz igualmente se lleva el mayor protagonismo. Por ello, sospecho que hubo mucha gente que no se entusiasmó con la propuesta en lo previo.

En mi caso, ya sabía lo que iba a encontrar, porque he venido siguiendo lo que ha hecho Anderson post-Yes, solo, con Wakeman o con alguna orquesta como la Youth Contemporary Orchestra de Cleveland. Precisamente, conversando con algunos conocidos en la previa al concierto, pude constatar qué poca información circula persona a persona sobre la evolución de estas bandas y artistas. Y la información que se aportó en la difusión previa del concierto no ayudó prácticamente nada. En realidad, se repitió la misma gacetilla de prensa. Y salvo el reportaje que reprodujéramos del diario El País de Montevideo, no he visto otras repercusiones de prensa que fueran significativas. Esa es otra lástima.

Y lo es porque el espectáculo, a pesar de que uno lleva consigo las canciones "como eran antes", tiene muchos puntos positivos y porque Anderson supo sacar de lo que puede haber sido una debilidad - especialmente la instrumentación - una fortaleza del mismo.

Y digo que la instrumentación era una debilidad, no solamente porque haya sido magra, sino porque además Anderson no es un gran instrumentista. En realidad no es un virtuoso ni de la guitarra, lo que más tocó, ni del ukelele, ni del dulcimer y mucho menos de los teclados. Todos esos instrumentos, uno a uno, fue utilizando para acompañarse.

Anderson con el set instrumental de que suele acompañarse

¿Y cómo pudo, entonces, convertir eso en una fortaleza de su espectáculo? Precisamente porque esos instrumentos no rayaron a significativa altura, lo que quedó siempre de manifiesto fue su principal instrumento: la voz. Y ahí sí pudimos comprobar que a pesar de los 68 años que lo acompañan por la vida y de las afecciones que sufrió hace algún tiempo, que comprometieron su sistema respiratorio - fundamental para el canto - la voz de Jon Anderson sigue intacta. Ciertamente, la voz de una persona de más de 60 años no es la voz de un joven de 25, que era la edad que contaba cuando empezó Yes, pero el estado actual de la voz de Anderson es inobjetable. Ahí radicó la principal fortaleza. La voz se comió a la instrumentación, a veces tratada un poco abusivamente en la persistencia de un solo tono, acaso dos. No pasó de ser un apoyo a la voz, pero simplemente como la presencia de otro timbre sonoro por encima del cual se alzó una voz que alcanzó los agudos necesarios sin ningún esfuerzo, que trasmitió la energía y la tensión que merecían ciertos temas y que trinó en las modulaciones que debían hacerse en otros. A diferencia de otros grandes músicos de larga trayectoria, Anderson no muestra signos de deterioro vocal.

Tocando el dulcimer

Y Anderson, consciente de que era su voz con escaso respaldo instrumental, presentó variantes a los temas originales, versiones diferentes, adaptaciones y combinaciones, explotando siempre la posibilidad de la voz por encima de cualquier otra cosa. Hizo un largo recorrido desde sus comienzos hasta el presente. De Yes no faltaron los temas como Sweet Dreams, Yours Is No Disgrace, Close To The Edge, Heart Of The Sunrise, Long Distance Runaround, Roundabout, And You And I, Starship Trooper, Soon, fragmentos del primer y cuarto movimiento de Tales From Topographic Oceans y más, y algunos temas de su carrera solista como The Flight Of The Moorglade, del disco Olias Of Sunhillow, o State Of Independence.

También conversó, bromeó, hizo más de una alusión a The Beatles - fragmento de A Day In The Life incluido -, dedicó a su esposa Jane el espectáculo, se congració con el público que, a fuerza de ser sincero, aplaudió mucho pero participó poco. Recién sobre el final, se soltó  - nos soltamos - un poco más.


Tocando el ukelele

Mención aparte merece la inexplicable disposición de las autoridades del Auditorio Adela Reta de no permitir tomar fotografías o filmaciones. Aunque hicimos varios intentos de obtener alguna imagen coherente, fracasamos en el intento, por lo cual no podemos ilustrar este post con ningún video original. Quizás algún otro asistente haya podido tomar algo y lo suba a YouTube. Las imágenes que aquí presentamos son de archivo, no del espectáculo de anoche en Montevideo.

De cualquier modo, no era una oportunidad para dejar pasar. Estos músicos pasan muy de vez en cuando por nuestro país.

En consecuencia, un agradable espectáculo que, de todos modos, contribuyó más a querer ver a ese pequeño gigante en una puesta escénica de mayor porte.

ABBEY ROAD dice:

http://1.bp.blogspot.com/-TsX3ujsB240/UBdX9-jZ26I/AAAAAAAAEYs/a9t4BoK9p_U/s1600/yellowsub.gif


4 / 5 YELLOW SUBMARINES

Hasta pronto


NO SE HIZO ESPERAR MUCHO: MOMENTUM YA ESTÁ DISPONIBLE

Nos reservaremos los comentarios para después de oir bien el disco. Lo merece. Y aunque en una primer oída la impresión es excelente, quiero que, como pasa con las buenas comidas o bebidas que se catan, darle tiempo a que decante y se asiente. Porque también lo merece. 




Hoy solo diremos a los amigos que Momentum está ya disponible en algunos blogs amigos y que es una experiencia muy recomendable escuchar este nuevo opus de Neal Morse. La publicación Dangerdog Music Review ya lo ha catalogado como disco de la semana.

Además de Morse, Portnoy y George, el disco cuenta con la participación de varios artistas invitados, a saber: Paul Gilbert en guitarra solista en el tema que da nombre al disco, Adson Sodré como guitarrista solista en la suite final, Bill Hubauer en clarinete, flauta, guitarra y teclado adicional en un movimiento de la suite final, Eric Gillette y Wil Morse como voces adicionales en los tremendos arreglos vocales de Thoughts Pt. 5, Chris Carmichael en cuerdas y Rick Altizer en voces adicionales en Weathering Sky y Smoke And Mirrors.

¿Dónde lo podés oir?

Aquí tenés una opción

Aquí tenés otra

Ahora también aquí



En un post venidero, los comentarios.

Hasta pronto

lunes, 10 de septiembre de 2012

NUEVO ADELANTO DE NEAL MORSE A POQUITO DE EDITARSE "MOMENTUM"

De acuerdo a lo anunciado, el nuevo disco de Neal Morse estaría apareciendo hoy para el mercado europeo y mañana para el mercedo estadounidense. Hoy, para crear más expectativa, se libró a la red un tercer video oficial de uno de los temas del álbum, editado por InsdeOut. Su nombre es Weathering Sky, y en él intervienen Mike Portnoy y Randy George, como en todo el disco. Ciertamente ya se aprecian novedades con respecto a los últimos álbumes. Un Morse más rockero, con más puntos de contacto con sus tiempos de Spock's Beard, sin perder ni el toque poético ni la energía y la potencia.


Neal Morse [¡Qué lugar parecido al de la tapa de Insurgentes de Steven Wilson!]

Mike Portnoy [Con una batería extrañamente pequeña para él, aunque igual suena como los dioses]

Randy George [Cada vez suena mejor ese bajo]

Y ahora veamos el video:




No sé a ustedes, pero a mí se me hace agua la boca y quiero escuchar completo este álbum que promete mucho, habiendo ya conocido tres temas del set list y todos han resultado muy convincentes. Lo de Momentum parace aludir a un gran momento creativo de Morse y a unos niveles excepcionales de ejecución de estos tres gigantes.

Sigamos esperando ... falta menos.

Hasta pronto

JON ANDERSON EN MONTEVIDEO: ENTREVISTA PARA "EL PAÍS" DE MONTEVIDEO

Queda un día para la presentación de Jon Anderson en Montevideo. Mañana a las 20:30, Uruguay podrá disfrutar de una visita poco frecuente. Si bien ha sido más conocido por su música en grupo [Yes, ABWH] o en proyectos solistas con banda o asociado con otros músicos [Vangelis, Wakeman], esta actuación de Montevideo sera puramente solista, acompañándose de variados instrumentos [guitarra, dulcimer, piano, ukelele], en un formato que ha desarrollado ya en actuaciones anteriores de este período post Yes.




Quizás uno se quede con las ganas de un sonido más sinfónico para temas épicos, pero habrá que adaptarse a un formato más acústico e intimista. De cualquier forma, la figura de Anderson es de tal magnitud que no hay que dejarlo pasar.

En el día de ayer, el diario urguayo El País publicó un buen reportaje a Jon Anderson, previo a su presentación. No habla solamente de música y reviste interés suficiente como para que los transcribamos textualmente. Este reportaje fue realizado por Alejandra Volpi, y dejamos expresa constancia de su autoría. 

Aquí va la nota:

.................................................................

"Soy más feliz solo, con mi esposa y mi guitarra" 

El exlíder de Yes ofrecerá un concierto intimista en el Auditorio Nacional Adela Reta, el próximo martes, dentro del ciclo Jazz Tour.

ALEJANDRA VOLPI 

Una de las voces más emblemáticas e influyentes del rock progresivo visitará Montevideo por primera vez y en plan solista. "En escena tocaré la guitarra, el dulcimer (un instrumento de cuerda), el ukelele, el piano y cantaré canciones de Yes y Jon & Vangelis, más algunas nuevas. Será divertido", adelantó a El País. Jon Anderson además habló de su pasado, de los distintos proyectos que lo mantienen activo y de su conclusión más importante: "la salud es todo".
-Cuando era muy joven se desempeñó como peón en una granja, fue camionero y lechero. Es difícil imaginarlo en esos roles. ¿El significado del éxito es diferente cuando se empieza desde abajo?
-Creo que trabajar duro en una granja me dio la fuerza necesaria para hacer cualquier cosa en la vida. Todavía trabajo duro y amo lo que hago, por lo tanto estoy muy agradecido por mi humilde comienzo.
-Quería ser jugador de fútbol. ¿Qué conoce del fútbol uruguayo y de qué equipo británico es hincha?
-Ahora sigo al Manchester United, Newcastle, Spurs… y con respecto al fútbol uruguayo siempre recuerdo los años `60, ¡cuando tenían un equipo muy fuerte!, muy físico y una energía increíble para el juego. Eran tiempos en los que Italia, Francia e Inglaterra no querían jugar con ustedes, porque tenían una forma diferente. Ahora parece que todos los equipos juegan igual.
-Los primeros dos discos de Yes tenían puntos de contacto con The Beatles. ¿Qué los motivó a tomar otra dirección después de The Yes Album de 1971?
-Siempre dije que la música de Yes es para tocar en vivo en el escenario, tiene una estructura interesante. Solía escuchar música clásica y me preguntaba "¿cómo hacen eso?". Luego me di cuenta: ¡se trata de la estructura! Entonces empecé a diseñar las canciones con la banda, como Starship trooper y Heart of the sunrise, y en lugar de largos solos que a veces no funcionan tan bien, creamos una forma de música que resultara inspiradora para nosotros y también para la audiencia.
-Después de tres años de retiro, regresó a Yes para 90125 y generó el gran hit mundial Owner of a lonely heart. Era un tiempo especial en el que MTV estaba revolucionando el modo en que la música pop era concebida, convirtiéndola en un producto más visual. ¿Usted esperaba ese éxito?
-Yo siempre pensé que 90125 era una gran producción y que iba a ser fantástica para tocar en escena, pero nunca podés predecir cuándo va a ser un hit. Ese fue un gran momento en mi vida.
-¿Cuál es el mejor recuerdo que conserva de esa etapa?
-Lo mejor para mí, seguro, fueron los conciertos. Nosotros tocábamos alrededor del mundo, para tanta gente… La energía de Love and light fue parte de mis días con Yes. Yo soy una persona muy positiva y creo que todos somos "uno" en esta vida. Y la música toca el alma constantemente. Me vienen a la mente momentos geniales en el estudio cuando grabábamos nuestro primer álbum y después cuando producíamos el disco Yes. También Close to the edge y Awaken… música eterna y no para la maquinaria pop.
-¿Cuál diría que es el principal legado de la banda?
-La aventura, nosotros nunca paramos de ser aventureros, de eso se trata la vida. ¡Yo no hago música por dinero!
-¿Cómo tomó que el grupo se reuniera sin usted?
-Me dio tristeza porque estaba enfermo desde hacía un tiempo y no podía continuar. Pero la vida sigue y en cierto aspecto eso me abrió una puerta. La salud es todo, por eso después de 35 años estando en gira con la banda ese fue el tiempo de cambiar. Soy más feliz y más saludable sólo conmigo, mi esposa Janee y mi par de guitarras. La vida es buena.
-Sus excompañeros dijeron en una entrevista que perdió el contacto con ellos. ¿Por qué?
-Creo que fue al revés, solo Alan (White, el baterista) se mantuvo cerca estos años y por supuesto yo seguí viendo a Rick (Wakeman) todo el tiempo, nosotros somos buenos amigos. Traté de reunir a la banda en 2009 cuando me sentí mejor, pero ellos dijeron que eran más felices como estaban, así que simplemente me fui y seguí adelante.
-¿Les guarda rencor?
-Lo hice por un tiempo, pero no hay razón para ello. Nosotros estamos aún conectados a través de una música maravillosa y yo estoy muy agradecido por haber tenido la oportunidad de trabajar con ellos durante tantos años.
-Estuvo en gira con Rick Wakeman en 2010 y 2011, ¿tiene más proyectos con él?
-Hablamos todos los meses, él es un amigo divertido. Ahora trabajamos en nuevas canciones para el próximo año. Así que todo está bien.
-¿Cómo vivió la transición hacia una carrera solista? ¿Qué tanto trasladó de la banda a esta etapa?
-Siempre tuve esa fuerza motriz para el estilo de la música de Yes. Me gusta sentarme en el medio de todos, conducir y sugerir muchas ideas. Cuando trabajo solo no trato de copiar a Yes, eso no sería justo, lo más cerca que llegué es al tipo de estructura de Open, el disco que publiqué el año pasado.
-Es interesante el modo en que realizó el álbum Survival & other stories con músicos que seleccionó a través de Internet. ¿Cómo se le ocurrió hacerlo así? ¿Está satisfecho con los resultados?
-Sí, estoy muy feliz con el álbum, yo siempre estoy en contacto con músicos y otras personas por esa vía. Esto comenzó hace cinco años cuando intenté que los miembros de Yes trabajaran vía Internet, simplemente me parece que es una buena forma de crear música, pero a ellos no les interesó, entonces puse un aviso en mi sitio web que decía: "se buscan músicos". Recibí muchos mensajes y la aventura musical continúa.
-¿Se lleva bien con las redes sociales?
-Sí, pero dejé de usar Facebook porque creo que es demasiado corporativa ¡y el dinero no es todo! Ellos siempre están cambiando algo.
-¿Cómo fue trabajar con Vangelis? ¿Qué tienen en común?
-Él es una persona maravillosa y divertida, un gran músico. Hicimos música espontánea, un estilo muy opuesto a Yes. ¡Llegamos escribir cuatro canciones en un mismo día! Es un maestro en la producción, lo que hicimos aún suena maravilloso hoy en día. Grabamos cuatro álbumes, estoy muy orgulloso de eso.
-¿Cómo está hoy su salud? ¿El sufrimiento es también un motor para la creación artística?
-Buena pregunta. Creo que todos atravesamos momentos difíciles y cantar sobre eso me ayudó en varios niveles.
-¿Tuvo miedo de morir?
-No. Yo amo el próximo mundo. Y el hecho de que somos seres infinitos en la luz de Dios.
-¿En qué Dios cree?
-En uno que es libre y no tiene religión. Todos tenemos el mismo poder de la luz Divina dentro de nuestras almas. 



En la actualidad prepara un disco nuevo con un exproductor de Yes

Anderson trabaja en la actualidad en un disco de material inédito junto a su amigo Jonathan Elías, un reconocido productor y compositor norteamericano que colaboró con Yes en 1991 para la grabación de Union.
"Estoy muy entusiasmado con la música que estamos creando, todo sucede en un momento muy especial de mi vida", señaló durante la entrevista, sin todavía poder precisar más detalles.
Entre las bandas jóvenes que enmarca dentro del rock progresivo, destaca especialmente dos: la neoyorkina Battles que hasta el momento publicó dos álbumes (Mirrored y Gloss drop) y Grizzly Bear, formada en Brooklyn.
El músico, que a menudo describe su voz como angelical, posee un registro de contratenor y ha compartido escenario con artistas de los más diversos estilos, incluso con grandes orquestas. Sin embargo, no pondera a los instrumentistas con formación clásica por encima de aquellos provenientes del rock. "Es diferente en varios niveles. Yo amo trabajar con todo tipo de músicos", subraya.
En sus canciones también critica aspectos políticos y sociales del mundo en el que le toca respirar. Y tiene una concepción idealista de lo que debería ser: "me gustaría que reinaran la paz, el amor y las ganas de compartir este increíble y abundante planeta". Su capacidad de cambio y experimentación, sumada al gran olfato que posee, dan cuenta de que el rock al igual que el jazz pueden nutrirse a lo largo de los años de diferentes subgéneros trascendiendo cualquier tipo de tendencias y modas. Anderson es una leyenda viviente.

.......................................................

Curiosamente, la entrevista salteó un dato que desde Uruguay debería haberse recordado. En el álbum Deseo de Jon Anderson, de 1994, el sexto disco de estudio como solista, el músico contó con la participación de una veintena de músicos de diversos orígenes, pero mayormente vinculados con las llamadas músicas étnicas y con la fusión. Al lado de nombres como Milton Nascimento, María Conchita Alonso, Cecil Tussaint y otros, se encuentra el de Ruben Rada en percusión en el tema Seasons.  


Si querés escucharlo


Rada es, hoy por hoy, uno de los dos máximos exponentes de la fusión uruguaya, junto a Jaime Roos. Formado en los '60, integró legendarias bandas como Totem, recorrió un largo periplo extranjero en Europa, Estados Unidos y Argentina, entre otros países, donde formó parte, junto a los hermanos Fattoruso de la no menos legendaria banda Opa. De regreso al Uruguay, ha realizado innumerables proyectos propios que han recorrido variados formatos, desde el Rada para Niños, hasta el Richie Silver que remeda el doo woop y el primitivo rock, desde los sonidos más emparentados con el área caribeña hasta la música más enraizada en la matriz del candombe y la música urbana vernácula, siempre apelando a una fuerte presencia de la fusión con aires de rock, de jazz, de blues, etc.

Ruben Rada hace tiempo




Ruben Rada hace poco


Después del concierto de Anderson, traeremos una reseña y, esperamos poder aportar alguna imagen.

Hasta entonces


sábado, 8 de septiembre de 2012

BEATLES Y VANGUARDIA EN LOS '60

Eran jóvenes de 20 años o poco más, eran creativos y buscaban novedades, eran inteligentes y buscaban trascender. Se encontraron con otros jóvenes como ellos y algunos algo mayores que ellos y otros bastante mayores, que estaban aportando novedades y búsqueda de trascender lo tradicional y lo que hasta entonces se llamó moderno y que había sido vanguardista, novedoso y trascendente 30, 40 o 50 años antes. No en vano habían ocurrido dos guerras en medio siglo de dimensiones nunca vistas hasta entonces. A partir de eso, las cosas cambiaron y las búsquedas de novedades y trascendencia adoptaron otros rumbos y fueron otras las vanguardias.

La generación anterior, en los '50 aportó la Generación Beat. La cultura popular empezó a colarse en la cultura "seria". Y los artistas nuevos empezaron a nutrirse de las culturas populares. Si ya el mundo no tenía prácticamente fronteras, oriente y occidente se aproximaron en un encuentro no exento de traumas. Ya ninguna de las áreas culturales fue lo mismo.

En un post anterior reseñábamos los síntomas culturales que rodearon la generación de Woodstock. En ese contexto, queremos aplicar nuestra mirada sobre una relación particular entre The Beatles y la vanguardia de los '60.


Richard Hamilton - Just What Is It That Makes Today's Homes So Different, So Appealing? [1956]


Caja de Whisky Macallan diseñada por Peter Blake con sus motivos artísticos, incluidos The Beatles

Es esta una relación no demasiado explicitada, aunque sí ha sido estudiada. La vanguardia influyó indudablemente sobre la banda, especialmente de mediados de los '60 hasta su separación, así como The Beatles representaron un agente de transformación de la realidad, de convenciones sociales, de cultura de jóvenes y también en el plano artístico general, como la vanguardia no estaba en condiciones de ser.

Por lo común se adjudica a John Lennon la actitud más vanguardista, especialmente después de relacionarse con Yoko Ono, quien ya traía consigo una carrera artística dentro de la vanguardia plástica.

Performance de Yoko Ono Cut Piece, 1964

Toda la tendencia al happening, a la música fluxus, al arte corporal y del comportamiento [body y behavior art], a la gestualidad y el accionismo, se tradujo en Lennon en actitudes de militancia por la paz que adquirieron formas artísticas. Los bed - in, el bagismo [de bag, bolsa], los filmes que realizaron en conjunto y discos experimentales [los Unifinished Music] son el área de aplicación de premisas de vanguardia. Como registro de todo esto, dentro de la música de The Beatles, queda el Revolution 9, esa pista algo extemporánea que trae el White Album, pero que no desentona con el conjunto, ya que es un conjunto de temas que navegan por todas las aguas, desde la tradición del Music Hall [Honey Pie] hasta precisamente el experimentalismo vanguardista del fluxus con sus collages sonoros como Revolution 9.

Pero aunque sea cierto que Lennon exhibió un actitud de vanguardia más acusada, no fue quien se relacionó más con ese mundo de la vanguardia. En cierto modo, lo de Lennon se atuvo a una actividad personal, comprometida sí, pero sin que quedara muy de manifiesto si esa sería su línea de trabajo o si, por el contrario, el vanguardismo se convertía en un instrumento para expresar su protesta y su convocatoria a la lucha por la paz. Al fin y al cabo, Lennon sostuvo después que solamente eran una banda de Rock'n'Roll y que no se debía darle más trascendencia que eso y tampoco dramatizar la separación. Y de hecho, la música que siguió desarrollando John después de The Beatles no fue mayormente vanguardista, sino que tuvo una vuelta a las formas más primarias del Rock y a una expresión más directa y sin demasiados artilugios de estudio, ni búsquedas sonoras especiales.

Al contrario, entonces, de lo que suele pensarse, no fue John quien entró más en contacto con el mundo de vanguardia. Fue Paul McCartney quien más se sumió en el mundillo artístico que iba desarrollándose y que contribuyó de diversos modos al desarrollo de experiencias más que interesantes tanto en la creación artística de vanguardia como en la difusión de la misma.

La relación de Paul con el mundo avant garde se remonta a 1965 aproximadamente. Paul tenía una relación de pareja con Jane Asher, una ascendente actriz "seria", cuyo hermano era Peter Asher, del dúo pop Peter & Gordon, de suficiente éxito por quel entonces.


Jane Asher y Paul McCartney

Peter Asher y Gordon Waller [Peter & Gordon]

Es a través de Peter Asher, precisamente, que Paul toma conocimiento con John Dunbar, quien sería su nexo con la vanguardia. Paul vivía en casa de los Asher y allí conoció a Dunbar y, a través de este, a muchos personajes del nuevo arte que visitaban la casa Asher. Asimismo, Paul pudo conocer a muchos de estos personajes también en la galería artística de Robert Fraser, mayor que todos ellos, marchand de arte muy reconocido entonces y altamente exigente y selectivo, y al cual Paul se allegó por medio de Dunbar.


John Dunbar

Robert Fraser y Keith Richards

Dunbar cultivaba un especial gusto por la Beat Generation que USA había producido en los años '50, así como también por las más novedosas variantes artísticas del momento, como el movimiento del Nouveau Réalisme francés y la Escuela de Niza, con artistas como Yves Klein [con sus antropometrías], Fernández Arman [con sus acumulaciones], Cesar Baldaccini [con sus compresiones y expansiones] o Christo [con sus empaquetages], una suerte de Pop Art europeo continental.


Yves Klein dirigiendo una sesión de antropometría

Antropometría

Fernández Arman

Acumulación de relojes

Cesar Baldaccini

Compresión

Christo y Jeanne Claude
Empaquetage

A través de John Dunbar, McCartney conoció también a Mason Hoffenberg, un humorista hipster [en el sentido de joven afecto al jazz moderno en los '40 con todos los caracteres de estilo de vida de costumbres bohemias, consumo de drogas, sexualidad de amplio espectro, etc]  que realizó, en coautoría con Terry Southern el guión de la película Candy.


Mason Hoffenberg

Terry Southern con pintura de Roy Litchenstein al fondo

Affiche francés de Candy

Al respecto de este último y de la película, diremos que el retrato de Southern es uno de los que aparece en el collage que Peter Blake realizó para la portada de Sgt. Pepper y que Ringo Starr hizo una de sus primeras incursiones en cine precisamente en la película Candy.

En la casa de John Dunbar, quien estaba por ese entonces en pareja con una principiante Marianne Faithfull [posteriormente pareja de Mick Jagger], fue que McCartney realizó múltiples experimentos con cintas invertidas y cintas de repetición contínua (loops). De esos experimentos salió la mayoría del material que se empleó para los loops del tema de John Lennon Tomorrow Never Knows. Asimismo experimentó con copas con distinta cantidad de contenido que al ser frotadas con el dedo mojado en su borde, con movimiento circular, producen sonidos de variadas frecuencias y tonalidades, algo que emplearía en su primer álbum solista McCartney.

Al tiempo que experimentaba, se nutría también de música experimental de la primera línea del momento, por ejemplo con la música y experimentos de Karlheinz Stockhausen [otro de los retratos del Sgt. Pepper]. En ese plano de la música experimental, llegó a conocer a Luciano Berio y a John Cage.


Karlheinz Stockhausen
 
Luciano Berio

John Cage [al centro]

A Berio lo conoció en una conferencia de éste en el Instituto Cultural Italiano de Londres. Si bien no trabaron una relación más allá del encuentro, Berio arregló música de The Beatles para su esposa y cantante Cathy Berberian y para el grupo vocal francés The Swingle Singers. Además de conocer a Cage, tomó contacto con su discípulo Cornelius Cardew y el grupo AMM, participando de experiencias de creación colectiva donde la instrumentación solía ser totalmente no convencional.


Cornelius Cardew

En este mismo plano experimental, desarrolló un proyecto de estudio de demos para búsqueda de nuevos sonidos o para grabaciones no habiturales. Lo montó en un apartamento que le subalquiló a Ringo. Aquí se vinculó con el escritor William S. Burroughs, modelo para la Beat generation y otro de los retratos aparecidos en Sgt. Pepper. Este fue el antecedente - efímero ya que debieron abandonarlo por protestas de los vecinos, no tanto por lo sonoro como por la estridente diferencia entre ellos y los personajes que frecuentaban el apartamento - de lo que sobre el final de la trayectoria Beatle sería Zapple, una filial de Apple Corps.

Zapple también tuvo vida efímera, en este caso porque se encaminó hacia el desastre empresarial. Pero en su corta vida, Zapple fue un sello para grabaciones experimentales y habladas, un lugar que pudiera mantener el contacto con la vanguardia londinense y mundial. Si bien participaron los cuatro Beatles, fueron Lennon y, sobre todo, McCartney, los más involucrados con el proyecto. Sus intencioones se dirigían a hacer discos hablados con personajes como Allen Ginsberg, Lawrence Ferlinghetti, Henry Miller, Charles Bukowski, William S. Burroughs, Ken Kesey o Anaïs Nin.

Allen Ginsberg

Lawrence Ferlinghetti

Charles Bukowski

William S. Burroughs





Ken Kesey

Asimismo pretendían incluir, aparte de la poesía y la narración, música electrónica, performances avant garde, conferencias, entrevistas, etc. Dentro de los proyectos que se realizaron o al menos se empezaron, se cuentan las grabaciones de Charles Olson, Ken Weaver, Charles Bukowski, Lawrence Ferlinghetti, Michael McClure y Richard Brantigan.

Asimismo, ellos mismos grabaron algunas cosas, como el Unfinished Music 2: Living With The Lions, de John y Yoko y el Electronic Music, en el que George incursiona y experimenta con teclados Moog. Antes de que Allen Klein cerrara Zapple, como administrador de Apple y para controlar la sangría económica en estaban inmersas muchas de las ramas de Apple Corps., Zapple había visto frustrado un proyecto de grabación con Ken Kesey & The Merry Pranksters, acompañados por The Hell's Angels y estaba a medio camino un proyecto con Allen Ginsberg.

McCartney también se vinculó fuertemente al mundo de la plástica, hasta que también terminaría dedicándose a pintar, aunque marginalmente en relación a su actividad musical. Uno de los primeros elementos que lo acercó al mundo de lo artístico plástico fue la creación de INDICA, una Librería - Galería de Arte, fundada por Peter Asher, John Dunbar y el librero y a la postre escritor de gran cantidad de material sobre aquellos tiempos y aquellas personas, Barry Miles.


Galería y Librería INDICA

Peter Asher, Barry Miles, John Dunbar, fundadores de INDICA
Inauguración de INDICA: Miles, Dunbar, Faithfull, Asher y McCartney

Paul apoyó desde el comienzo la formación de INDICA, tanto que ayudó hasta en tareas de carpintería a la preparación de ese lugar que se convertiría en referencial del Swinging London, por su carácter underground y vanguardista. Así formaron MAD Ltd. (Miles, Asher, Dunbar). INDICA albergó muestras de artistas que no eran extremadamente conocidos pero que resultarían de gran importancia en la vanguardia artística de los '60. Por ejemplo, fue de gran importancia la exposición realizada por el Group De Réchérche D'Art Visuel, una formación dentro del novedoso Op Art [Optical Art], basado en explotar todos los fenómenos de la percepción visual, dentro de una línea muy gestáltica y que venía levantando vuelo con fuerza. Allí se vieron obras de François Morellet, Julio Le Parc o Yvaral, por ejemplo.


Cartel del Group De Recherche d'Art Visuel

La relación de Paul con las artes visuales continuó también en la Galería de Robert Fraser, marchand, mayor que ellos, pero uno de los principales difusores de la vanguardia artística. En la Galería de Fraser, Paul toma contacto con muchos artistas que serían sustanciales al arte moderno, como Andy Warhol, Claes Oldenburg, Peter Blake [quien diseñaría la tapa de Sgt. Pepper], Richard Hamilton [el padre del Pop inglés, que diseñaría la tapa de The Beatles, más conocido como White Album], Eduardo Paolozzi y al cineasta Michelangelo Antonioni.

Andy Warhol

Claes Oldenburg
Peter Blake con John Lennon

Richard Hamilton
Eduardo Paolozzi

Michelangelo Antonioni

De allí salió el vínculo con el fotógrafo Michel Cooper [el que fotografió la obra de Balke para Sgt. Pepper y a los Stones para Their Satanic Majesties Request, ese mismo año de 1967]y a través de él con artistas más jóvenes.

Michael Cooper con Peter Blake

McCartney mismo se hizo coleccionista de arte, con especial predilección por el surrealista René Magritte. Precisamente, una de sus obras, Le Jeu De Mourre, que presenta una gran manzana, y que fuera adquirida por McCartney a Fraser, dio lugar al surgimiento del logo característico de Apple Corps. poco tiempo después.


Le Jeu De Mourre, de René Magritte

Su inclinación por el surrealismo también derivó hacia la literatura, dentro de la cual una de sus predilecciones era la obra de Alfred Jarry con su personaje Ubú [también pintado por surrealistas como Max Ernst]. De su conocimiento de Jarry se volcó a conocer sobre la patafísica, esa ciencia creada a partir de la obra de Jarry Gestas y opiniones del Doctor Faustroll, patafísico, que estudia las soluciones imaginarias y las leyes que regulan las excepciones. La palabra patafísica significa "lo que está alrededor de lo que está más allá de la física", o sea, lo que está alrededor de la metafísica. Lo ayudó el hecho de que Barry Miles perteneciera al Colegio Patafísico, al igual que los miembros de The Soft Machine. Esta singular ciencia reunió a muchos artistas y escritores, tanto surrealistas como de otras corrientes. Así, McCartney también se interesó por las obras de reconocidos patafísicos como Marcel Duchamp [era inevitable que apareciera este genial artista conceptual del siglo XX], Jean Dubuffett [artista plástico, cultor del art brut], Raymond Queneau [poeta, escritor], Boris Vian [escritor] o Eugene Ionesco [dramaturgo]. Un rastro de esto aparece en la letra de Maxwell's Silver Hammer, del Abbey Road, cuando dice: Joan was quizzical, studying pataphysical science in the home.

El entorno de INDICA también tuvo su importancia para John Lennon. Allí tomó contacto con la versión psicodélica del Libro Tibetano de los Muertos, hecha por Timothy Leary, el principal epígono del LSD y de las sustancia psicotrópicas, para la presunta expansión de la conciencia. De ese libro, John extrajo un verso que sería fundamental para realizar Tomorrow Never Knows, el que dice Turn off your mind, relax, and float downstream.



Timothy Leary

También fue en INDICA que John conoció a Yoko Ono en una muestra de esta artista japonesa, que formaba parte, ella misma, de la vanguardia artística del momento.

Por otra parte, Paul colaboró en la fundación de una publicación que sería fundamental dentro de contracultura generada en aquel momento: International Times, más conocida como IT. Era una publicación casi clandestina, de restringida circulación pública, pero de intensa penetración en la contracultura. McCartney y los otros Beatles se prestaron a ser entrvistados como medio de enganche con más cantidad de público para comprar la revista. Uno de los responsables fue Barry Miles, ya vinculado con Paul.



Dos números de IT

Esta revista fue lanzada al mercado dentro de los famosos acid tests, acompañados con los espectáculos de luz y sonido que tempranamente producía una novísima banda en 1966: The Pink Floyd.


Espectáculo de música y luz de Pink Floyd

La estrecha relación de McCartney con Miles lo adentró en el conocimiento de la Beat Generation, del jazz de vanguardia de John Coltrane, Albert Ayleru Ornette Coleman y de la música de vanguardia de Stockhausen, Berio, Cage y la musique concréte.

IT se publicó hasta 1972, luego reapareció de 1975 a 1982, otra vez reabre en 1986 hasta los '90. Publicaron un total de 209 ediciones. Desde 2011, se relanzó en formato digital en la web.

En cuanto a John Lennon, su vínculo con la vanguardia fue más específico, en tanto tuvo como pareja a una integrante de la misma. Yoko Ono, de origen aristocrático japonés, se vinculó a la vanguardia tempranamente y en especial al Fluxus, movimiento artístico plástico - literario - musical, con planteos conceptuales que desdeñan el concepto de la obra artística como mercancía.

Su encuentro con Lennon se produjo, como quedó dicho en su muestra en la galería INDICA y, si bien después de eso Lennon estuvo con los demás Beatles y parejas y amigos en la India, Yoko ya no dejaría de contactarlo.


Ceiling Painting, obra de Yoko que atrajo a John

La relación entre ambos comenzó de forma tormentosa y apasionada. Ya no pasarían un minuto el uno sin el otro. Lennon les decía a los otros Beatles que ellos comentaban con sus esposas lo ocurrido en el día al volver a su casa y que eso entre él y Yoko no era necesario porque lo habían vivido todo juntos. De esas primeras instancias salieron dos discos experimentales que se grabaron a través de Zapple: Unfinished Music: Two Virgins y Unfinished Music 2: Living With The Lions.

Unfinished Music: Two Virgins [Tapa original]

Unfinished Music: Two Virgins [Tapa censurada]

Unfinished Music 2: Living With The Lions

No se sabe qué escandalizó más, si la carátula - a la postre censurada - del Two Virgins, en que ambos aparecían desnudos completamente de modo frontal en la tapa y de espaldas en la contratapa, o el grado de experimentalismo a que llegaron las pistas grabadas originalmente de modo casero en casa de ambos. Esa huella llegó a los discos de The Beatles, especialmente al Álbum Blanco, en el tema Revolution 9, collage sonoro compuesto por John y Yoko, con exclusión de los otros tres.

Lennon protagonizó algunos otros actos vanguardistas, como la filmación de algunas películas con Yoko. Pero las acciones con más repercusiones fueron sus performances de bagism [en una traducción apresurada, sería bolsismo] en las que se envolvían en bolsas, se embolsaban a sí mismos, a fin de perder su fisonomía distintiva, en el supuesto de que esa uniformización de la apariencia que se generaría si la gente se encerrara en una bolsa, contribuiría a que se valorara al otro no por esa apariencia oculta, sino por lo esencial.


Performance de bagism

Las otras experiencias que sirvieron de impulso a la lucha pacifista de Lennon, y donde surgió el himno pacifista Give Peace A Chance, fueron los llamados Bed - In [algo así como encamadas] que realizaron en dos oportunidades: en el Amsterdam Hilton de Amsterdan, en marzo de 1969 y en el Queen Elizabeth Hotel de Montreal en mayo del mismo año. Amplia cobertura de prensa y presencia de amigos y personajes de la contracultura, caracterizaron estos eventos. Y si bien el planteo era pacifista en términos generales, en 1969 LA guerra era Vietnam.



Los Bed - In

En cuanto a los otros dos Beatles, George y Ringo, su inmersión en el mundo de la vanguardia se hizo algo tangencialmente, acompañando el movimiento que implicaba estar en The Beatles. Dentro de la propia música de la banda se participó de hechos vanguardistas. Citemos, por ejemplo, la grabación de A Day In The Life, la parte que interviene la orquesta. Una orquesta de 40 músicos, que sonó como de 80 porque duplicaron la pista grabada, compuesta de músicos "serios", debió improvisar esa sección musical del tema, sin partitura, contando solamente con unas pocas pautas. Tomando el registro de cada uno de sus instrumentos, debían hacer un crescendo que fuera desde la nota más baja del registro, ascendiendo gradualmente hasta la más alta posible dentro del tiempo estipulado. No tenían ninguna indicación de tempo, solamente debían subir, cada uno a su modo. Para hacerlo más bizarro, repartieron narices postizas, calvas con pelo a los costados, narices con lentes, y otros artilugios de cotillon que no todos los músicos aceptaron ponerse. A esto se sumó la presencia de enorme cantidad de público compuesto por otros músicos y amigos de la banda. Eric Clapton, Donovan, Mick Jagger, Mariann Faithfull, entre muchos otros acompañaron este evento que no fue otra cosa que un Happening, al mejor estilo de la vanguardia de entonces.

Pero veamos dos relaciones propias de Ringo y George. Ringo se vinculó al mundo del cine. Intervino en muchas películas, aparte de las de la banda y siempre se destacó sus cualidades de actor, independientemente de la calidad de la película. A ese mundo del cine llegó por medio de su amigo Peter Sellers, un actor que ascendía en el cine, pero que ya tenía trayectoria dentro del humor que se desplegaba en un grupo que marcó época en la BBC: The Goon Show. Los Goons, como se les decía, resultaron un prototipo humorístico renovador con respecto a la tradición y un modelo que otros también siguieron. Ya en los últimos años de The Beatles, participó en los filmes Candy [1968] y The Magic Christian [1969], en esta última con Peter Sellers. Posteriormente intervino en una treintena de filmes y documentales, interviniendo con personajes o haciendo cameos. Aparece como el Papa en Lisztomania, de Ken Russell, en la cual también intervienen Roger Daltrey y Rick Wakeman y en una versión para TV de Alice's Adventures In Wonderland, donde encarna a The Mock Turtle.

En cuanto a George Harrison, además de su música experimental con Moog en el sello Zapple, trabó una firme relación con el otro gran grupo humorístico británico, en cierta medida herederos de los Goons, The Monty Python, a quienes produjo alguno de sus películas, llegando a intervenir como extra en Brian's Life. Sobre este extraordinario grupo ya hemos publicado un post especial.

Sin duda que son muchas más las líneas que conectan la vanguardia artística con la cultura del Rock. Apenas nos hemos referido a la relación con The Beatles, aunque ya hayamos explicitado esa relación sobre todo a través de las carátulas de muchos álbumes de Rock, o a través de los vínculos musicales o literarios en muchos casos.

Como el tema sigue dando para más, volveremos en otro momento sobre el mismo.

Hasta entonces



Archivo del blog

Datos personales

Mi foto
Librepensador en todos los campos y en su mayor extensión imaginable