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sábado, 27 de noviembre de 2010

PARALELAS, ÁNGULOS RECTOS Y TANGENTES: LOS CAMINOS DE ANDY TILLISON

Andy Tillison es uno de esos personajes que no dejan indiferente con lo que hacen. Sus proyectos han revestido genuino interés y sus caminos de búsqueda han explorado espacios musicales atrayentes. Quien sigue su evolución desde sus creaciones con Parallel Or 90 Degrees (PO90) hasta lo que ha hecho con The Tangent, puede apreciar allí a una serie de músicos que, a la vez que hacen música, investigan sobre ella, sin necesidad de volverse tediosos o demasado herméticos.

Son proyectos que, aún estando conectados, implican caminos específicos y diferentes. 

Parallel Or 90 Degrees se inserta más dentro de la música oscura y densa, con influencias prog, psicodélica y space, con toques de Peter Hamill, Van der Graaf Generator y The Nice.

Su primer disco, The Corner Of My Room, 1996, contó únicamente con dos músicos: Samanta Baine en teclados y guitarra y Andy Tillison en voz, guitarra, teclados y batería eléctrica. Para su segundo disco, Afterlifecycle, 1997, la formación se agranda agregándose Graham Young en guitarra, Jonathan Barrett en bajo y Lee Duncan en percusión. Este disco inició una serie de discos que resultarían altamente conceptuados. Le sigue The Time Capsule, 1998, en el que cambian de guitarrista, al entrar Gareth Harwood en lugar de Young, pero también incorporan como invitado a un viejo conocido de Tillison, el talentoso multiinstrumentista inglés Guy Manning, con quien Tillison ya había estado asociado previamente y con quien también contaría para la formación de The Tangent. 

Tan será así que el siguiente álbum, No More Travelling Chess, 1999, será realizado exclusivamente por Tillison y Manning. Ya para el 2000, la banda vuelve a reformarse. Manning funda su propia banda [homónima] y Tillison vuelve a traer a Samanta Baine y Gareth Harwood, junto a Alex King en bajo y Ken Senior en percusión para el álbum Unbranded.

En 2002 vuelven a producir un pico alto de su trayectoria y el último por un tiempo.  More Exotic Ways To Die marca otra obra altamente estimada por la crítica con el único cambio en la guitarra al entrar Dan Waits. Aquí comienza un hiato en la producción de PO90, al volcarse Tillison a su nuevo proyecto, el grupo de integración multinacional The Tangent. Recién en 2009 vuelve a saberse algo de PO90, con la aparición de un recopilatorio, A Can Of Worms y un nuevo disco de estudio, en el que Tillison, Waits y King, se unen a Matt Clark en el bajo.

Una actuación de 1999 en que PO90 hizo de teloneros de The Flower Kings, generó una relación a partir de la que ambas bandas podrían encarar proyectos conjuntos. Hacia 2003 se concreta en The Tangent. 

Entre 2003 y 2009, Tillison trabaja de lleno en esta propuesta musical más ecléctica, que recogerá la ya citada influencia de Van der Graaf Generator, junto a Yes, King Crimson, y aportes más actuales como The Flower Kings o Beardfish, entre otros. El resultado es una música más abierta que la de PO90, con muchos elementos del Prog, del Sinfónico, con ambientaciones de influencia jazzística y con una multiinstrumentalidad marcada y gran vistuosismo.


Cinco han sido, hasta el momento, los discos de estudio de The Tangent: The Music That Died Alone, 2003, The World That We Drive Through, 2004, A Place In The Queue, 2006, Not As Good As The Book [doble], 2008 y Down And Out In paris And London, 2009. Hay que citar al menos una toma en vivo, de gran excelencia como ha sido Going Off On One, 2007, que también dio lugar a un excelente DVD, donde se aprovechan numerosas filmaciones de la audiencia en una presentación casi privada.


En The Tangent han intervenido y participado numerosos y talentosos músicos. Además de Tillison, Manning y Baine, podemos oir a Roine Stolt, Jonas Reingold, Jaime Salazar y Zoltan Czorz, de The Flower Kings, al saxofonista y flautista David Jackson, de Van der Graaf Generator, el saxofonista y flautista Theo Travis, quien trabajó junto a infinidad de grupos y músicos [Karmakanic, Robert Fripp, No - Man, Bass Communion, Steven Wilson, Porcupine Tree, y muchos más],  el guitarrista sueco Krister Jonsson, el guitarrista Jakko M. Jakszyk, de la 21st. Century Schizoid Band y otros.


Ambas son propuestas sumamente interesantes y aparecen como punto de confluencia de muchas líneas que se cruzan, se hacen paralelas o salen por la tangente de la propuesta musical de la escena progresiva actual.


Aquí va algo para escuchar de PO90 y The Tangent
Requiere atención ...


Más información sobre The Tangent en Progarchives
Más información sobre Parallel Or 90 Degrees en Progarchives 
Más información sobre Guy Manning en Progarchives 
Más información sobre The Flower Kings en Progarchives 
Más información sobre Andy Tillison en Wikipedia

viernes, 26 de noviembre de 2010

ROCK PROGRESIVO, ARTE Y TRANSTEXTUALIDAD


Al considerar al Rock Progresivo como hecho artístico, queda inmediatamente de manifiesto la importancia que tiene en su esencia artística la transtextualidad.
 
Partiendo del supuesto de que podemos asimilar la obra musical al concepto de texto y si seguimos a Gerard Genette en cuanto define el texto como una cinta de Möebius, en la cual su doble cara de significante y significado, de escritura y lectura se alternan sin interrupción y en la que la escritura no deja de leerse o la lectura no deja de escribirse, veremos que podemos extender esta idea a la forma musical, tanto en su aspecto sinfónico como en el lírico. 

Partimos de la base de la existencia de un texto musical, que se expresa por medio del lenguaje musical. Posee una ortografía, una sintaxis, una prosodia, una forma de escritura, una forma de lectura, tanto silenciosa como en voz alta. Si a esto agregamos que muchas veces posee otro ámbito de contenido, que se presenta por medio del lenguaje que hablamos y escribimos, en el formato canción, o en cualquier otro que sea cantable, donde además de los elementos generales del lenguaje entran otros como, por ejemplo, la métrica de la poesía, tendremos ya dos textos y dos formas de lenguaje puestos en relación. Tanto que prevalezca únicamente el lenguaje musical como que convivan música y letra, podremos hallar allí ciertos fenómenos de la textualidad.

En el Rock Progresivo encontramos la presencia de todas las formas de transtextualidad. Siguiendo a Genette, esta es la trascendencia del texto, o todo aquello que lo pone en relación manifiesta o secreta con otros textos. La primera y evidente transtextualidad parte de la relación entre música y letra que hay en toda canción, con diversos grados de logro. Cuando una de ellas o ambas remiten a otros textos, estaremos en presencia de alguna de las formas de relaciones transtextuales que suelen reconocerse.

No es una cualidad excluyente del Rock Progresivo. Al igual que en otras artes de la contemporaneidad, la remisión a otras formas de arte o a otros registros del propio arte, es una nota constante, lo cual inserta al Rock Progresivo dentro de una matriz artística característica del siglo XX y de lo que va de este siglo naciente. 

Si, como se ha señalado, el rock and roll inicial se orientó hacia una cultura cerrada en unos límites que tendían a la formación de grupos unidos por pautas culturales secretas, esta primera metamorfosis del rock que implicó la aparición del Progresivo, permeó esa membrana de cobertura que lo hacía exclusivo de ese grupo. Salió del ámbito de un grupo definido socialmente, como segmento etario, como portador de pautas culturales propias, como sector económicamente definido y perteneciente al mercado y como sustento de valores propios, para conectarse con otros ámbitos de la realidad, a la vez que se lanzó a una apropiación de la cultura, no para rendirle un culto devocional, sino para decir acerca de su relación con el mundo culto sacralizado, precisamente desacralizándolo. Por ello, el Rock Progresivo protagonizó una ampliación del ámbito del rock y una inserción en el mundo cultural general, llamando la atención a otras generaciones, penetrando en otras culturas, fortaleciendo la estética del rock y haciendo que hasta los propios músicos cultos se detuvieran a tenerlo en consideración.

No es un mero hecho comercial que el niño terrible de la cinematografía de los ’70, Ken Russell, confiara la música de la banda sonora de Lisztomania (1975) a Rick Wakeman como tampoco es coincidencia ni un dato anecdótico que el músico argentino Alberto Ginastera elogiara efusivamente el arreglo en clave de rock de Keith Emerson para el 4º movimiento de su 1er. Concierto para piano, la  Toccata, de Brain Salad Surgery, 1973. Tampoco es casualidad que la tapa de ese mismo disco haya sido diseñada por el reconocido artista suizo R. H. Giger (1940). Esto muestra cruces entre diversas artes [cine, música, pintura] como también entre diversos niveles de lo artístico socialmente reconocidos [lo culto, lo popular, lo tradicional, lo vanguardista, lo experimental, etc]

Del mismo modo, la intervención de orquestas sinfónicas en obras de músicos del Rock Progresivo es elocuente de esta inserción y apropiación simultáneas. Algunos ejemplos los aportan: Jon Lord de Deep Purple con sus Concierto para grupo [de rock] y orquesta (1969) y Gemini Suite (1970); Rick Wakeman con Journey To The Centre Of The Earth (1974) y Return To The Centre Of The Earth (1999); The Moody Blues con Days Of Future Passed (1967); Yes con Symphonic Music Of Yes (1994), Magnification (2001) o Symphonic Live (2002); Jethro Tull con A Classic Case (1985), o Ian Anderson con Ian Anderson Plays The Orchestral Jethro Tull (2005), con orquestas locales de los escenarios donde se presentó en una gira mundial, incluida la Filarmónica de Montevideo en el 2005; o Pink Floyd  con Us And Them: Symphonic Pink Floyd (1995).

Es precisamente esa tendencia a la transtextualidad lo que hace al género progresivo tan apto para su proyección cultural. En futuros posts nos encargaremos de indagar en las diversas modalidades de la transtextualidad.

[Estos son fragmentos de artículos publicados en la Revista Relaciones en el año 2008, bajo el título Palimpsesto Rock] Se agradece citar la fuente

lunes, 22 de noviembre de 2010

EL RETORNO DEL GIGANTE

Todos los lunes a las 22:00 hs. [a las 23:00 hs. de Uruguay mientras dure el horario de verano en nuestro país y Argentina no cambie el suyo] se puede escuchar a través de FM 95.5 Radio Patricios, de Buenos Aires, un programa que vale la pena conocer. Se trata de El Retorno Del Gigante, una creación de Gustavo Bolasini, Carlos Salatino, Daniel Sperlungo y Alex Nakakoji que en setiembre pasado cumplió 10 años en el aire. Es un programa dedicado a todo ese espectro musical que se denomina Rock Progresivo, tanto a nivel internacional como en Argentina, donde esta amplia vertiente musical tiene una enorme penetración, a diferencia de lo que ocurre en Uruguay.
El Retorno Del Gigante tiene una página web en la que se puede explorar su historia - y su archivo - y de la cual se puede bajar los distintos programas semanales (si te perdiste alguno o si querés conocer lo anterior) entre los cuales hay algunos especiales antológicos.
En cada programa hay invitados, entrevistas, novedades, carteleras de conciertos y festivales, especialmente en Argentina, y se puede escuchar mucha música y conocer muchos grupos de los 40 años que tiene de edad el Progresivo.
La web de El retorno se puede acceder en EL RETORNO DEL GIGANTE pero si querés escuchar en directo el programa, lo podés hacer siguiendo el link que tiene la propia página o por FM 95.5 RADIO PATRICIOS
Es una experiencia recomendable.
Que lo disfrutes!!

PARADIGMAS ARTÍSTICOS Y ARTE DE TAPA

Dentro de las carátulas de discos encontramos variedad de modalidades artísticas: obras artísticas tomadas en préstamo para ilustrar la tapa (los Fusilamientos del 3 de mayo de Goya en Bang! Bang! Estás Liquidado, de los Redondos, por ejemplo) obras artísticas especialmente diseñadas por artistas reconocidos (Warhol para Lennon, Los Stones, la Velvet y otros, o Giger para ELP), tapas diseñadas por los propios músicos (Dylan, Lennon, Joni Mitchell), diseños especialmente hechos para los discos por diseñadores específicos (Hipgnosis, Roger Dean, Ed Unitsky, Storm Thorgerson, Paul Whitehead, Derek Riggs, Mike Wilkinson, y muchísimos otros) y también diseños que citan, aludiéndolas sin reproducirlas, pero sí resignificándolas, obras artísticas reconocidas.

Esto ocurre con dos tapas de discos y otras tantas pinturas que, sin embargo, no pueden dejar de relacionarse todas entre sí.




El disco Renegades de Rage Against The Machine, 2000, es prácticamente el último de la banda antes del abandono de la misma por Zach de la Rocha y presenta la palabra más importante del nombre de la banda: la ira en contra de la máquina (el sistema, el establishment, el capitalismo, la globalización, etc). Apoyando a diversos movimientos reivindicativos o revolucionarios - de los cuales el más notorio fue el ELZN de Chiapas - el clima que parece trasuntar es el de finales del siglo: un ambiente crispado, tenso, agrio, de ira y de confrontación.


El single de Oasis Little By Little / She Is Love, 2002, remeda el mismo diseño pero se aleja notoriamente del significado combativo de RATM. La propuesta es alusiva pero más descontextualizada y sí más decorativista, tendiente a una liviandad mayor, más afín al parentesco pop de la música de los Gallagher.
No obstante, ambas carátulas remiten inequívocamente a la obra paradigmática de Robert Indiana Love, 1964, creada inicialmente para una tarjeta postal navideña del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), pero luego realizada en infinidad de versiones por el autor, transitando por las diversas técnicas pictóricas y gráficas y la escultura. Hasta existe una versión en escultura con la palabra LOVE en caracteres hebreos. Sin duda respondiendo a las tendencias del naciente Pop Art, Indiana echa mano del caracter icónico de la letra, tratada artísticamente, como tipografía, como imagen plástica, además del mensaje implícito en la palabra que, vale la pena señalarlo, la leemos como tal únicamente porque responde a nuestra costumbre de leer de arriba abajo y de izquierda a derecha. Esto hace más interesante la versión en hebreo (que debe leerse al revés). Asimismo, la coloración psicodélica que varía según las versiones, contrasta valores cromáticos que no dejan descansar los sentidos. Pero, por el contrario del caso de RAGE, el mensaje proviene de la cultura dominante del underground, la psicodelia y el Pop Art, basada en el All You need Is Love que alumbra los finales de los '60 (la década dorada).



Las carátula de RATM y Oasis, además de aludir a Indiana, remiten aunque sea involuntariamente a otra obra plástica, esta del grupo creativo canadiense General Idea, un trío de artistas que desarrollaron las temáticas que preocupaban a la sociedad en los '80. Al sustituir el LOVE por AIDS, están indicando el cambio conceptual en torno al amor, de la lírica psicodélica del amor libre de la cultura hippie y del Make love not war, a la visión más cruda y peligrosa del amor en los tiempos del SIDA. El grupo, integrado por los artistas Felix Partz, Jorge Zontal y AA Bronson, desarrolló su activismo entre 1986 y 1993, atacando diversos aspectos sociales, y en el caso de la serie AIDS, haciendo un llamado de atención sobre la discriminación implícita en el tratamiento de la enfermedad, la desigualdad en el acceso al AZT como posible droga de tratamiento, la especulación de la investigación y la industria farmacéutica, etc. En 1994 Partz y Zontal murieron de Sida.

Este trasfondo cultural también puede percibirse por debajo de la apariencia que captamos en la sola percepción visual y muestran hasta qué punto la portada, tapa, carátula o como la llamemos, es un territorio del arte en serio y para ser tenido en cuenta.

AGREGADO A ESTE POST EN ABRIL 2011

Tomamos contacto ahora con otra variante que resulta interesante. Independientemente de que LOVE dejó más secuelas que las aquí mencionadas, el propio Indiana ha vuelto sobre el formato en 2008. Con motivo de la Convención Demócrata de Denver, durante la campaña de Barack Obama, dio a conocer una nueva obra en la misma línea conceptual de LOVE, solo que ahora con la palabra HOPE, consistente con el Yes We Can de la campaña política demócrata en las últimas elecciones estadounidenses, dentro del clima de crisis económica global. Los colores también juegan hacia la identificación nacional de la propuesta de Obama.


Como verán, esto siempre sigue abierto a que aparezcan novedades.
Hasta pronto.

ARTE DE TAPA / ARTE EN LA TAPA

Aprovechando que los amigos de HISTORIA DEL ROCK plantearon el tema de las tapas de los vinilos como más gratificantes que las de los CD actuales, por el desarrollo artístico que poseen y otras ventajas para su apreciación, publicaremos consideraciones sobre algunos diseños de tapas, especialmente de Prog Rock. En un artículo que publicáramos en 2008 en la Revista Relaciones, sobre este tema, planteábamos la diferencia entre las portadas que aportan un complemento a la función informativa sobre el producto comercial disco y las otras que se integran a la propuesta artística, como parte de la obra, y que establecen un diálogo plástico - musical.
Buen ejemplo de esta forma de compartir sentido entre la portada y la obra musical es la del primer disco de KING CRIMSON, In The Court Of The Crimson King, 1969, considerado también por muchos como el primer disco de Rock Progresivo.
El diseño de carátula corresponde a Barry Godber un joven dibujante que, lamentablemente falleció prematuramente a los 23 años. El alto sentido expresivo, la estética de confrontación con la belleza lírica de la psicodelia, la crudeza de la imagen, llevan a que sea la perfecta referencia visual para el tema que abre el disco, 21st. Century Schizoid Man.
La letra del tema no deja dudas de que ese personaje que grita desmesuradamente es el hombre esquizoide, ¡caramba!, de nuestro presente. Salvo algún detalle de época, la letra aparece bastante profética.

21st Century Schizoid Man
(Fripp/Sinfield/McDonald/Lake/Giles)

Cat's foot iron claw
Neuro-surgeons scream for more
At paranoia's poison door.
Twenty first century schizoid man.

Blood rack barbed wire
Polititians' funeral pyre
Innocents raped with napalm fire
Twenty first century schizoid man.

Death seed blind man's greed
Poets' starving children bleed
Nothing he's got he really needs
Twenty first century schizoid man 

Pero esta tapa no solo refiere a la obra en sí, sino que también remite a algunos antecedentes plásticos que ilustran sobre la angustia existencial del hombre frente al mundo.


La obra de Barry Godber es comparable con la famosa pintura del noruego Edvard Munch, El Grito, 1893.


Agreguemos que ambas obras aparecen, cada cual en sus secciones correspondientes en la Historia de la fealdad de Umberto Eco, de relativamente reciente publicación, no porque las obras sean en sí feas, sino porque la estética de la fealdad está trabajada en ellas de modo deliberado. Eco señala que la fealdad ha sido asociada en mucha épocas a lo deficiente y lo carente. Este hombre esquizoide del siglo XXI aparece con trazas de una fealdad que lo espanta a sí mismo, como el grito a quien lo emite, porque proviene de su fealdad interior. La garra de acero, la puerta venenosa de la paranoia, la pira funeraria de los políticos, el fuego del napalm, la semilla de la muerte, la avaricia ciega, el hambre de los poetas y la sangre de los niños, son suficientes señas para el paisaje de fealdad que habita ese hombre.

Como cierre confrontemos la tapa con la poesía de Sinfield y la música de Fripp en algunas de las múltiples versiones del tema.

martes, 16 de noviembre de 2010

ENORMES TRIBUTOS AL REY CARMESÍ

Lo que les proponemos en este post es conocer dos tributos de alta calidad a King Crimson, realizados por grupos integrados por músicos que pasaron por la banda de Fripp en las primeras etapas, desde 1969 hasta 1974. Una de ellas es 21ST CENTURY SCHIZOID BAND, integrada por Michael Giles en percusión, Peter Giles en el bajo, Mel Collins en saxo, flauta y teclados, Ian Mc Donald en saxo, flauta y teclados y Jakko Jakszyk en guitarra y voz. Excepto este último, más joven, los demás son veteranos de la primera formación de King Crimson a los cuales se unió después el baterista Ian Wallace, hasta su muerte en 2007. Los temas que realizan son nuevas versiones de los temas de los primeros discos de King Crimson, In The Court Of The Crimson King, In The Wake Of Poseidon, Islands, y alguno posterior como Red. La peculiaridad de los discos de esta 21ST CENTURY SCHIZOID BAND, es que todos sus discos provienen de tomas en vivo y no de grabaciones en estudio, con lo cual logran un clima muy especial con la apoyatura, a modo de comentario, de la reacción de públicos tan diversos como el neoyorkino, el italiano o el japonés, estos últimos de los más afectos a la música crimsoniana.
La otra banda, que no es de rock, no obstante es tributo de King Crimson y contó como su líder al antes mencionado Ian Wallace - quien también participó en numerosísimos discos de otros artistas y generó el excelente álbum solista Happiness With No Side Effects - junto a reconocidos músicos de jazz, como Jody Nardone al piano y Tim Landers en el bajo. Son el CRIMSON JAZZ TRIO (CJ3). Solo editaron dos placas, King Crimson Songbook Volume One, en 2005 y King Crimson Songbook Volume Two, en 2009, este último como edición póstuma de Wallace. En este caso es jazz tradicional, arrreglos de jazz para la música a la que se atribuye haber inaugurado el Prog Rock en 1969 con In The Court Of The Crimson King.
Son dos bandas para escuchar atentamente y lamentar que ya no estén activas por diversas circunstancias, entre ellas las edades a que van llegando estos talentosísimos músicos.

Más información sobre 21st Century Schizoid Band en Wikipedia 
Más información sobre Crimson Jazz Trio (CJ3) en Progarchives

KARMAKANIC, OTRA ENCARNACIÓN DE FLOWER KINGS

El Prog sueco tiene y ha tenido grandes nombres en la escena internacional, como Kaipa o The Flower Kings. Recientemente, figuras de ambas como Jonas Reingold y Roine Stolt han encarado proyectos paralelos que han obtenido un gran destaque. Uno de ellos es el grupo KARMAKANIC, al cual quiero presentarles hoy. Comenzaron a trabajar en 2002, paralelamente a tocar con The Flower Kings. Ese año editaron su primera placa, Entering The Spectra, que ya se perfiló con grandes condiciones. En ese disco la alineación fue muy numerosa y talentosa: Tomas Bodin, teclados; Zoltan Czörz, percusión; Göran Edman, voz; Robert Engstrand, teclados;  Johann Glössner, guitarra;  Jonas Reingold,  bajo, guitarra y voz;  Jaime Salazar, percusión; Roine Stolt, guitarra y voz. Para su segundo disco, Wheel Of Life, de 2004, la formación se redujo pero no su calidad musical. En este disco mezclan los elementos progresivos con algunos toques pop. Finalmente, su más reciente trabajo de estudio fue el monumental Who's The Boss In The Factory?, de 2008, donde aparece también el celebrado tecladista sueco Lalle Larsson. En 2009 participaron con su banda espejo, donde también algunos de ellos han incursionado, junto con Roine Stolt, la banda llamada Agents Of Mercy. De las actuaciones en vivo conjuntas, surgió en 2010 la placa The Power Of Two.
Les presentamos algunos temas de Karmakanic, prediciendo que no les defraudarán.

Más información sobre Karmakanic en Progarchives

PUERCOESPINES

Hoy presentamos otra banda de las grandes. 
Los británicos PORCUPINE TREE son una de las propuestas progresivas más interesantes y creativas de los últimos 20 años. Su primer disco de estudio, On The Sunday Of Life, se editó en 1991, pero sus primeras grabaciones datan de fines de los '80. El proyecto se inició a partir de uno de los músicos más versátiles y múltiples de la actualidad, Steven Wilson. A partir de la edición de Up The Downstair, de 1993 y especialmente de The Sky Moves Sideways, de 1995, la formación del grupo se estabiliza con el concurso de otros grandes músicos: Richard Barbieri, teclados, Colin Edwin, bajo y Gavin Harrison, percusión. Desde hace años, invitan a John Wesley en la guitarra para las actuaciones en vivo. 
Sus momentos más altos creativamente han estado repartidos a partir de entonces, pero la seguidilla de sus últimos cuatro discos de estudio no ha hecho más que reforzar permanentemente la  calidad de sus creaciones: In Absentia (2002), Deadwing (2005), Fear Of A Blank Planet (2007) y The Incident (2009) contienen piezas dignas de las mejores antologías del grupo y del progresivo. 
A este respecto, la música de Porcupine Tree no se puede encasillar, pero contiene altas dosis de Psicodelia, Space Rock, Metal Progresivo, Heavy Prog y aspectos de lo que se denomina Crossover y Eclectic Prog. Otro elemento característico de Porcupine Tree es que en sus actuaciones en vivo suena tan bien como en estudio, por lo que sus registros en vivo también son altamente recomendables. Aquí destacamos las grabaciones hechas en dos oportunidades para XM Radio Satelital en 2003 y 2005, el registro tomado en Colonia, Alemania en 2005 para el Rockpalast y el muy reciente en Atlanta (2010).
Por si eso fuera poco, cada uno de los músicos ha realizado sus experiencias laterales a Porcupine Tree. Se destaca la conjunción de Wilson con el músico israelí Aviv Geffen en el grupo Blackfield, del cual han quedado dos discos de estudio y uno en vivo, entre 2001 y 2004. Pero asimismo, Wilson trabajó con No - Man y con Incredible Expanding Mindfuck (IEM) y Bass Community. Asimismo Wilson ha sido productor de innumerables proyectos de tantísimos músicos. 
Una banda de músicos en serio, virtuosos, creadores de increíbles atmósferas, cambios bruscos de tempo, saltos desde la melodía a la base rítmica, desde el sonido más compacto y sólido hasta el más etéreo. Toda una experiencia sonora. Acá van, pues, algunos temas enormes. A afinar los oídos ...

Más información sobre Porcupine Tree en Progarchives

viernes, 12 de noviembre de 2010

LA BARBA DE SPOCK

No es una entrada sobre Star Trek, es el nombre de uno de los mejores grupos progresivos del presente. Formado en el área de Los Ángeles, California, por los hermanos Neal y Alan Morse, vienen creando desde 1995. Neal Morse, voz, guitarra, teclado, Alan Morse, guitarra, Dave Meros, bajo y Nick D'Virgilio, voz y percusión, fue la primera formación de SPOCK'S BEARD. Para su segundo álbum se incorporó Ryo Okumoto en teclados. En 2002, Neal Morse grabó su último disco con el grupo y siguió como solista. Desde entonces, y contra los pronósticos de que no durarían, siguieron los cuatro restantes grabando discos de tan buen nivel como los de la época con Neal Morse. Para sus actuaciones en vivo, incorporan otro baterista, de excepcionales cualidades, Jimmy Keegan. En 2010 publicaron su décimo trabajo de estudio, titulado "X".

Una rápida visita a su discografía de estudio:
1995 - The Light - Gran disco debut
1996 - Beware Of Darkness - Contiene destacado cover del tema de George     Harrison 
1997 - The Kindness Of Strangers - Su primer clásico. Gran álbum. Grandes temas [The Good Don't Last, In The Mouth Of Madness, June, Harm's Way] de los que ninguno tiene desperdicio.
1999 - Day For Night - Refuerza la línea
2000 - V - Segundo clásico y un salto arriba. Obra mayor.
2002 - Snow - Larga obra conceptual que se apoya en los logros de V.
2003 - Feel Euphoria - Primer disco sin Neal Morse. Prueba de fuego aprobada. Queda claro que sobreviven sin su ex frontman.
2005 - Octane - Mantiene la altura del listón, pero todavía falta para crear un nuevo clásico.
2006 - Spock's Beard - Llegó el clásico sin Neal Morse. Redondo por donde se lo mire. Se destacan temas logradísimos como On A Perfect Day y Skeletons At The Feast y la suite As Far As A Mind Can See.
2010 - X - Lo más reciente y muestra una tendencia de cambio que no se puede aún apreciar qué camino tomará. De todos modos, valió la pena esperar los 4 años que lo separan del disco anterior.

De los varios discos en vivo que han editado, sin ningún lugar a dudas el que mejor quedó es el último, Live, 2008, que reúne mucho de lo último y clásicos de
lo primero. Existe también un DVD de esta última actuación que es absolutamente fabuloso e imprescindible.

Poseedores de un sonido muy especial, los invito a conocer una pequeñísima parte de su enorme obra. Maestros del Rock Progresivo.


Más información sobre Spock's Beard en Progarchives

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