A SPARK IN THE AETHER YA ESTÁ ENTRE NOSOTROS Y PIDE CANCHA PARA THE TANGENT

The new album is a Rock Album. 

It's a Prog album. It's a Funky album. 

It's a Pop album. It's the Eighth Tangent album.

Largamente esperado desde que se anunció su aparición allá por diciembre, y puntualmente salido hoy 20 de abril, tenemos ya con nosotros este nuevo opus de la banda transnacional liderada por Andy Tillison y conformada en esta oportunidad por Luke Machin, Jonas Reingold, Theo Travis y Morgan Agren, titulado A Spark In The Aether: The Music That Died Alone Volume Two.

Portada de Ed Unitsky, magnífica, por cierto.

Compuesto por temas totalmente nuevos, denota también un refresh en la actitud de la banda que había transitado por caminos de protesta y puesta de relieve de las fallas de la sociedad contemporánea de diversos modos, a lo largo de su discografía. Tillison ha declarado: "Using protest, sadness and negative images in music is a part of an artist's job, and it's something we have often done. But every so often I think we need to turn to the music itself and remember why it is we get so much from it. On this album I just wanted us to play - have fun, make music and mischief that can be enjoyed just for the sake of it".

El presente álbum es una celebración musical que remite también al primer álbum de la banda, que se suponía sería el único del proyecto que Tillison había encarado como alternativa a Parallel Or 90 Degrees [PO90], la banda en que estaba trabajando anteriormente. Pero aquel disco que intentó navegar por aguas musicales no tan transitadas por muchos músicos no fue el único y luego vinieron seis álbumes más previos al que hoy nos ocupa: The World That We Drive Through, A Place In The Queue, Not As Good As The Book, Down And Out In Paris And London, COMM y Le Sacré du Travail. 

Edición especial con dos vinilos azules y CD.

De cualquier forma, estos discos dedicaron sus miradas a temas críticos como distopías, crisis generacionales, alienación, desamparo y comunicaciones. Tillison va en este caso, como en el primer álbum, hacia la música en sí misma y hacia el reconocimiento de raíces, influencias y valoraciones. Un sesgo muy especial tiene el reconocimiento hacia el Prog de USA, sobre el cual dice: 

"I've always really liked what the Americans did with Prog Rock. They do it slightly differently from us Europeans, putting as much emphasis on the ROCK bit as the "Prog". Looking at bands like Spock’s Beard, Mars Hollow, Heliopolis, Kansas, Boston and further into stuff like Steely Dan has been a major change from the ultra-English Tangent precedent. If you'll pardon the pun, we wanted it to sound quite literally "Trans-Atlantic".

Así que Tillison emprende una especie de investigación musical que tiene un fuerte punto de apoyo en el estilo del Prog de USA, pero también en otras vertienetes propiamente americanas, a la vez que dejar presentes también las raíces británicas y europeas de la banda.

Tendremos oportunidad de apreciar pasajes típicamente Prog, otros con evidencias del Canterbury, siempre influyente sobre Tillison, otros pasajes más jazzy, con protagonismo de los vientos de Travis, la esencia rock, pero asimismo, alusiones directamente groovies y funkies, así como ritmos y fusiones latinas. Y no faltan tampoco aires clásicos en breves tramos.

El setlist del álbum se compone de seis títulos, de los cuales dos son suites con varios movimientos, propio del Prog más clásico, con duraciones de 12 y 21 minutos. La lista de temas queda del siguiente modo:

01. A Spark In The Aether
02. Codpieces And Capes

1. We’ve Got The Music!
2. Geronimo – The Sharp End Of A Legacy
3. Trucks & Rugs & Prog & Roll
4. A Night At Newcastle City Hall, 1971
5. We’ve Got The Music! (reprise)

03. Clearing The Attic
04. Aftereugene
05. The Celluloid Road

1. The American Watchworld
2. Cops And Boxes
3. On The Road Again
4. The Inner Heart
5. San Francisco
6. The American Watchworld (reprise)

06. A Spark In The Aether (part two) 

The Tangent en escena en mayo 2014, Holanda.

El caso de la suite más larga, The Celluloid Road, es una visión de USA a través de la música y de los lugares. Tillison quiso expresar la posibilidad de viajar de oeste a este por USA a través de lo que se ve en las series. La ambientación de las mismas en ciudades como Nueva York o San Francisco es usual, pero a la vez, con escalas provistas por famosas series o films, radicados en otras ciudades de USA. Este camino de celuloide se extiende desde Nueva York hasta San Francisco, aludiendo en su trayecto a otras películas o series. Según lo que declara el propio Tillison, "The idea came to me while watching "Breaking Bad". This remarkable TV series is set in the area around Albuquerque in New Mexico an area not too often visited by American TV in the past. But at the same time "True Detective" went for Louisiana, Fargo for Dakota and it just occurred to me that you could just about travel through America using your TV. So we decided to put the idea into music....."

Imagen que aparece en la web de The Tangent, ilustrativa de la suite The Celluloid Road, en ese viaje musical/fílmico/imaginario desde Nueva York a San Francisco, a través de series y películas y 'música cinematográfica'. Si se mira en detalle, se encuentran las referencias [Kojak, Thelma & Louise, Easy Rider, Breaking Bad, etc.]

Así se aludirá a clásicos de las series de los '70 como Kojak o Las Calles de San Francisco y a films como Shaft y Bullit, de los cuales se tomará también el sabor funky de sus bandas sonoras, homenajeando allí a otros músicos no siempre considerados dentro del mundo Prog como Lalo Schiffrin, Isaac Hayes o Quincy Jones y a bandas muy funky como Steely Dan, Tower Of Power, Funkadelic, The Blackbirds o Earth Wind & Fire. Pero también remite, por su esencia itinerante por rutas siguiendo la "eternal yellow line" a famosas road movies como Easy Rider o Thelma & Louise.

El proceso creativo que describe Tillison es concordante con la móvil integración de la banda. Respecto al álbum anterior, Le Sacré du Travail, hay varios cambios en el line up: salieron David Longdon [Big Big Train], Jakko Jakszyk [King Crimson] y Gavin Harrison [King Crimson] y entraron Luke Machin [Maschine] y Morgan Agren [Zappa, Kaipa]. Tillison tiene eso muy en cuenta a la hora de desarrollar los proyectos de The Tangent. En ese sentido, ha declarado:

Agren, Reingold, Tillison, Machin y Travis

"I don't just hire people because they are good. I hire them because I like who they are as well as what they can do. I want them to have ideas, bring stuff to the table that I hadn't put there. They get a pretty free run at interpreting my music. I provide them with working demos of the songs. They don't have to play what I played. My normal instructions are very few, the main one being "Keep The Flavour". That's a very open to interpretation instruction, and I've been very happy, delighted, surprised, astonished and sometimes aghast at the results that this has produced. On the new album everyone played what THEY wanted to play. Sometimes they followed my leads, sometimes they went right off on - er.. a Tangent. Luke Machin wrote ALL of his own guitar parts for this album. He listened to mine, decided which bits he was going to include and which bits he was going to change. He changed most of it. He added loads of stuff, new chords, melodies, sounds, riffs, leads. But he kept the flavour. Every single thing he submitted, every last note is on the album. There was no cutting room floor for this album. For anyone."

Eso es lo que ocurre, The Tangent mantiene el sabor. Es un álbum de The Tangent, con el sabor de los anteriores. Pero es un disco singular, igual que cada uno de los anteriores. Y es, a nuestro juicio, de los mejor logrados. Quizás esa intención de volver a disfrutar la música en una dimensión más propiamente musical que conceptual seala clave para encontrar una obra que, sin perder complejidad ni profundidad, resulta muy fresca, interesante, emocionante, excitante, plena y gratificante.

Edición en doble vinilo.

Un pequeño apartado más: Ya hemos insistido en otras oportunidades en cómo el Prog ha estado últimamente saliéndose de sus límites habituales y estableciendo nuevas fusiones, antes no muy pensables. En este álbum hay una incursión más que evidente por el Funk y el Groove, pero también pisa terrenos del Pop. Eso no lo convierte en un disco de Pop, sino que demuestra una vez más que el Prog puede establecer nuevas relaciones con otros territorios musicales sin desnaturalizarse y, por el contrario, aportando jerarquización a los otros géneros. Siempre ha habido muchos grandes músicos que hacen Pop. Ahora también hay grandes músicos progresivos que recogen los mejores frutos del Pop y los fusionan con las viejas cepas del Prog, con resultados auspiciosos para todos.

Por ahora, lo encontrás acá, acá y acá.

Esperamos que lo disfruten mucho.

Otro álbum candidato a estar entre los mejores de 2015.

ABBEY ROAD dice:

4.95 / 5 YELLOW SUBMARINES 

[Para establecer solo una levísima diferencia con los álbumes de Steven Wilson y Steve Hackett]

Nos encontramos pronto

ADRIAN BELEW POWER TRIO, LA TRASTIENDA, MONTEVIDEO, URUGUAY, 04/12/2013

Anoche, en La Trastienda Club Montevideo, se presentó Adrian Belew junto a Julie Slick en bajo y Tobias Ralph en batería, como The Adrian Belew Power Trio. Fue una pena que la sala no estuviera colmada. Gente de La Trastienda me comentó que se habían vendido una 500 entradas [casi el aforo total de la pequeña sala], pero según mi cálculo visual no superábamos las 300. Y fue una pena sobre todo porque el espectáculo fue notable y generó un enorme entusiasmo en el público por poco número que fuera.

El Adrian Belew Power Trio en acción en el escenario de La Trastienda Club Montevideo.

El concierto se basó en numerosos temas de la época de King Crimson con Belew a la guitarra y voz y otros tantos de su carrera solista. Dos días antes, se había presentado en el Teatro Nescafé de las Artes, de Santiago de Chile donde realizó un setlist casi igual.

Adrian Belew, anoche con gorrito y de negro, pero con la maestría de siempre.

Julie Slick, con su bajo, descalza y la contundencia que ya no es descubrimiento, sino confirmación de calidad

Tobias Ralph, a quien sí vimos anoche por primera vez en vivo y a quien Belew califica de una versión nueva y fresca de Bill Bruford.

Aquí en Montevideo, arrancó con un tema clásico de la trilogía crimsoniana de los '80. El comienzo del show fue con Matte Kudasai, del álbum de King Crimson Discipline, de 1981.

Allí hizo un salto brusco hacia su más reciente álbum solista [para ser más exactos, del Adrian Belew Power Trio], e, de 2009 con el tema b.

De vuelta a los '80, a King Crimson y Discipline, de 1981, con el tema  Frame By Frame.

Y otra vez hacia los '00. Aquí hizo un combo entre el tema b3, del álbum e, de 2009 y el tema Writing On The Wall, proveniente de su álbum solista Side One, de 2005

Allí emprendió un viaje hacia atrás en su propia carrera solista, al hacer Young Lions, de su álbum solista homónimo, de 1990.

Se quedó en los '90, pero pasó a King Crimson, encarando Dinosaur, proveniente del álbum THRAK, de 1995.

Siguió con King Crimson, pero volvió a los '80, con dos temas del álbum Beat, de 1982, Beat y Neurotica.

Y allí reemprendió un progresivo regreso al presente:

Futurevision, un tema de su álbum solista Here, de 1994, Ampersand, de su álbum solista Side One, de 2005 y finalizó con e, el tema que da nombre a su último álbum, consu Power Trio, grabado en 2009.

Como era de esperarse, hubo encores, dos para ser precisos y ambos con temas de King Crimson.

El primer encore fue para Three Of A Perfect Pair, del álbum del mismo nombre, de 1984.

Y cerró con el segundo encore, con el tema que tuvo a toda la sala de pie y agitando, Thela Gun Ginjeet, proveniente de Discipline, de 1981.

El setlist utilizado por Belew, con las correcciones y supresiones de puño y letra.

Parte del setlist donde están los encores previstos. Gracias a la amiga desconocida que estaba sentada a mi lado y que se hizo con la hoja original, por permitirme las fotografías!!!

ABBEY ROAD dice:

5/5 YELLOW SUBMARINES

Coincidencias: Adrian Belew fue prácticamente descubierto como guitarrista por el gran Frank Zappa, quien lo incorporó a su banda, ya muy avanzados los '70. Belew tiene un reconocimiento especial explícito hacia Zappa, no solamente por la estatura artística sino porque en lo personal fue su primer maestro y, como ha dicho, le contó muchas cosas que la gente del ambiente no cuenta. Precisamente ayer 4 de diciembre se cumplieron 20 años de la muerte del incomparable Frank Zappa.

Hasta pronto

NO DEJES QUE TE LO CUENTEN: QUÉ OCURRIÓ EN EL SHOW DE AL DI MEOLA

¡Qué escándalo se armó con el show de Al di Meola en el Auditorio Nacional Adela Reta! Convengamos que no fue una noche común y corriente, pero la excepcionalidad que significaron los inconvenientes perdura mucho más que lo que fue un excelente espectáculo musical con un despliegue artístico de primer nivel. Sin embargo, lo negativo siempre tiene mejor prensa que lo positivo.

22:15 - Ya estaba amainando la tormenta y los músicos se aprestaban a dejar atrás los incidentes y brindar lo que la gente había ido a buscar y lo que ellos traían para ofrecer: la música.

Esto no sería tan sustancial sin no interviniera otro ingrediente: la magnificación que tuerce la explicación de la realidad. Quienes estuvimos allí vimos lo que pasó y dista bastante de las crónicas que salieron en la prensa al día siguiente y levantaron y repitieron hasta el hartazgo otros medios a través de Internet. La palabra principal fue BOCHORNO. Nosotros también la empleamos en nuestra reseña del show, pero atendamos bien a si es empleada para referirse a la situación o si se dirige hacia alguien en particular.

Las versiones levantadas por la prensa, en general, apuntan hacia el músico y el no haberse presentado a la prueba de sonido. Desde las autoridades de la Sala, pasando por la producción y los cronistas, mencionan el hecho. Ninguno dice explícitamente que las fallas se debieron a no haberse realizado la prueba de sonido, pero sí que, de haberse llevado a cabo la misma, muchos problemas se habrían ahorrado. Es una opinión razonable, pero en realidad no es razón suficiente para haber tenido problemas con la mesa de monitores, como se le dijo al público en la sala.

Que los problemas técnicos existieron es innegable y que no respondieron a un control de los niveles de sonido, también. De lo contrario no habrían tenido que estar rastreando cables y conexiones, retirando baffles o, como dice una crónica de prensa [la más dura contra el músico en ese aspecto] "primero no sonaba la guitarra, después la batería, más tarde fallaron todos los micrófonos al unísono, y al final Al Di Meola pidió por favor a los técnicos que subieran al escenario". 

Que el malhumor del músico haya ido en aumento también es lógico, ya que lo que podría disimularse si los desperfectos se solucionaran enseguida, con el paso de los minutos y sucesivos intentos fallidos, se vuelve indisimulable y se convierte en bochornoso para todos.

Que di Meola pudo estar excedido en alguna de sus expresiones, tampoco se puede dudar, aunque esas expresiones las captó el público más por gesticulación que por haber salido a través del micrófono, especialmente el Mother fuckers! En lo que estuvo realmente infeliz fue en la mención a Bolivia, que además de ofensiva, resulta gratuita, manejando un estereotipo muy poco correcto políticamente y discriminatorio. No sería muy lógico para un descendiente de latinos nacido en Estados Unidos, pero a veces las condiciones artísticas no van de la mano con la prudencia y la reflexión que esos temas merecen. Es curioso, además, como se contradice con la fuerte vinculación de di Meola con la música latina y sudamericana que recorre vastos tramos de su obra. En este sentido, algunas reacciones tildaron a di Meola no solo de malhumorado sino también de insolente y atrevido.

Más insólito resulta algún comentario largado por allí de que la crónica y crítica de lo ocurrido implica un ataque político al SODRE, como organismo estatal. Nos parece que la sensación de desagrado no proviene de una motivación política sino del simple hecho de haber concurrido al mejor y más moderno escenario de Uruguay, y el más apto para todo tipo de visitas internacionales, y haber tenido que presenciar una serie de hechos sumamente desafortunados. Lo que sí es bastante nuestro [y en estos días que se celebró el fin de semana del Patrimonio, parte de ese patrimonio] es la dificultad para hacerse cargo de los problemas y aprovechar para cargar sobre di Meola el peso de la responsabilidad. Una vez más lo decimos, lo que ocurrió no se solucionaba con una prueba de sonido media hora antes. Basta ver el tiempo que les tomó solucionar los inconvenientes.

La primera a la que mandaron al frente fue a una traductora que de lo técnico, obviamente, poco y nada podía decir.

Finalmente, al contrario de lo que se señaló en las crónicas, ni nosotros ni muchos de los que estuvimos allí presentes vimos que nadie se retirara ni que hubiera abucheos. En los cortes que se hicieron para solucionar los problemas mucha gente se levantó de sus asientos, caminó un poco, charló con conocidos que estaban en otras localidades, pero cuando se volvió al espectáculo, los lugares estaban rigurosamente ocupados. En cuanto a los abucheos, apenas si alguno gritó algo como: ¡Pónganse las pilas, che! Prueba de la actitud del público fue el agradecimiento de di Meola al término del show. Y prueba de la permanencia del público fue la salida del espectáculo, la multitud agolpada para comprar el disco que se vendía en el vestíbulo y los discos que di Meola firmó en contacto con el público. Finalmente, los problemas técnicos no duraron todo el concierto, sino que se vio a los músicos acompañantes hacer alguna indicación a los controles durante el primer tema. 

Di Meola retornó al escenario y finalmente se dispuso a comenzar el show para deleite de los presentes.

Gracias al amigo vamogoes, también presente en el espectáculo y sus oportunas filmaciones, a pesar de la ridícula prohibición de la sala de tomar fotos o videos, los amigos de ABBEY ROAD podrán ver lo que ocurrió, sin necesidad de que la prensa se lo cuente.

Primeras palabras de Al di Meola, presentando el show, cuando ni siquiera había una suposición de los problemas que se avecinaban.

Primera salida de di Meola del escenario, al dar cinco minutos para solucionar los inconvenientes técnicos.

Segunda salida del escenario, ya con el anuncio de suspender el concierto si no se arreglaba el sonido.

Explicaciones al público acerca de lo sucedido y comienzo del concierto, para bien de todos y del espectáculo.

Esperamos que las imágenes sean más esclarecedoras que las palabras escritas y que los amigos de ABBEY ROAD se hayn podido hacer una composición de lugar más ajustada a lo que fue la realidad.

Nos encontramos pronto.

PRESENTAMOS UN VISITANTE ILUSTRE: AL DI MEOLA

En tanto vamos esperando la llegada de Al Di Meola al Uruguay para su concierto el 1º de octubre próximo, en el Auditorio Nacional Adela Reta, perteneciente al SODRE [el sistema de radio y televisión oficial en Uruguay], hacemos una breve presentación, en forma de reseña de su discografía principal: es decir, su participación en la extraordinaria banda de Jazz Rock Fusion, Return To Forever, su trayectoria como solista, con muy variados proyectos y su participación en el trío de guitarras que conformó junto a Paco De Lucía y John McLaughlin.

Al Di meola en su último cruce, su más reciente travesía, su periplo más próximo: se dio el gusto de tributar a The Beatles grabando en los estudios de EMI en Abbey Road.

La trayectoria de Di Meola comenzó siendo muy joven y con 19 años se incorporá a una banda que ya tenía renombre. Allí supo forjarse un prestigio de eximio guitarrista, lo que le permitió abrirse una carrera solista en la que fue alternando con innumerables músicos de altísimo nivel, hasta la actualidad, como se verá al pasar revista a sus discos.

Cabe destacar que el elemento permanente en Di Meola ha sido la Fusion, pero los elementos con los que fusiona han sido variadísimos y enriquecedroes unos de los otros. También señalemos la particular relación que desarrolló con el músico argentino Astor Piazzolla, con quien, sin embargo, nunca llegó a tocar, pero al cual homenajeó en variadas oportunidades, al menos en tres discos de su discografía.

Los formatos que fue desarrollando lo hicieron tomar contacto con muy diversas músicas del mundo, lo cual lo acercó a la llamada World Music. Más recientemente, se dio el tiwempo y la oportunidad para un proyecto largamente pensado y postergado: sus propias versiones en guitarra acerca de los temas de The Beatles, lo cual dio como resultado su último disco, All Your Life.   

Veamos pues, la brillante carrera de este fuera de serie, a quien recibiremos como una verdadera visita ilustre a nuestro país.

 

EL PERÍODO RETURN TO FOREVER

1974 - Where Have I Known You Before. 
Di Meola se incorpora a la banda de Chick Corea en sustitución de Bill Connors, en este, que es el cuarto de la discografía de Return To Forever.

1975 - No Mystery

1976 - Romantic Warrior. 
Quizás el disco más clásico y emblemático de Return To Forever con Di Meola en la guitarra.

2009 - Returns. 
Único registro con Di Meola en este regreso de la banda. Lo incluimos a pesar de ser grabado en vivo.

EL PERÍODO SOLISTA

1976 - Land Of The Midnight Sun. 
El debut de Di Meola como solista. Acompañan Alphonse Mouzon, Jaco Pastorius, Mingo Lewis y Barry Miles.

1977 - Elegant Gypsy. 
Uno de los clásicos de esa época, con la participación de Paco de Lucía en memorable dúo y contrapunto. También participan Jan Hammer, Lenny White, Anthony Jackson, Barry Miles y Mingo Lewis.

1978 - Casino. 
Otro clásico de la época, con Steve Gadd en la batería, Anthony Jackson, Barry Miles, Mingo Lewis y Eddie Colon.

1980 - Splendido Hotel. 
Di Meola con orquesta de cámara, coro y varios colosos: Chick Corea, Steve Gadd, Eddie Colon, Jan Hammer, Anthony Jackson y Les Paul (!)

1982 - Electric Rendezvous. 
Di Meola con viejos conocidos: Paco de Lucía, Anthony Jackson, Steve Gadd, Jan Hammer, Mingo Lewis y Phillippe Saisse.

1983 - Scenario. 
Menuda compañía para Di Meola: Bill Bruford, Phil Collins y Jan Hammer.

1985 - Cielo E Terra. 
Lo acompañan Phil Makowitz, Airto Moreira, Danny Gottlieb y Chip Jackson.

1985 - Soaring Through A Dream, 
en compañía de Charles Jackson, Airto Moreira, Danny Gottlieb, Chip Jackson y Phil Markowitz.

1987 - Tirami Su, 
con Danny Gottlieb, Anthony Jackson, Chip Jackson, Phil Markowitz, Harvie Swartz y cuerda de percusión.

1988 - Kiss My Axe. 
Di Meola Project con mezcla cultural de músicos e instrumentos.

1990 - World Sinfonia. 
Comienzo de este proyecto multicultural en el que lo acompañan Chris Carrington, Arto Tuncboyaciyan, Gumbi Ortiz y Dino Saluzzi. La influencia de la World Music y de Piazzolla se hacen sentir.

1993 - Heart Of The Immigrants. 
Parte del Proyecto World Sinfonia con multiplicidad de instrumentos y géneros musical del mundo.

1994 - Orange And Blue. 
Di Meola con un largo número de músicos de diversas procedencias, dentro de la línea de fusión con la World Music. Mezcla de vientos, cuerdas, percusiones varias y electrónica se hacen aquí presentes.

1996 - Di Meola Plays Piazzolla.    La música de Astor Piazzolla en los dedos y las cuerdas de Di Meola. Acompañado por varios músicos, Chris Carrington, Hernán Romero, Arto Tuncboyaciyan, Gumbi Otriz y el bandoneón de Dino Saluzzi, con los arreglos de cuerdas de Vince Mendoza. Un proyecto de Di Meola que él hubiera querido realizar junto al gran músico argentino, pero la muerte de Piazzolla en 1992 no lo hizo posible.

1998 - The Infinite Desire. Nuevo line up multiinstrumental, dentro del cual se destacan sobremanera Herbie Hancock, Gumbi Ortiz, John Patitucci y Steve Vai.

1999 - Winter Nights. Música navideña con toques folks, para grupo reducido de músicos: junto a Di Meola, Hernan Romero y Roman Hrynkiv.

2000 - The Grande Passion. Nuevo proyecto dentro del formato World Sinfonia. Otro line up de grandes proporciones, con múltiples instrumentos de cámara (violín, viola, oboe, trompeta, saxo, cello y más) y con instrumentación acústica y eléctrica. Di Meola toca hasta el bandoneón. Otra vez, la música de Piazzolla presente, más música de Latinoamérica.

2002 - Flesh On Flesh. Nuevamente la presencia de la fusión del jazz con otros ritmos del mundo.

2005 - Cosmopolitan Life. Proyecto de Di Meola conjuntamente con el exitoso cantante pop ruso Leonid Agutin, acompañados de músicos occidentales y rusos. Entre los occidentales sobresalen Anthony Jackson, Gumbi Ortiz y Vinnie Colaiuta.

2006 - Vocal Rendezvous. Un disco en el que Di Meola desarrolla cada tema con un invitado diferente, algunos de los cuales ya habían trabajado antes con él. Matizado con algunos temas instrumentales, más característicos de Al.

2006 - Consequence Of Chaos. Vuelta a formatos más habituales, con la presencia de grandes músicos como Chick Corea, Steve Gadd, Barry Miles, Gumbi Ortiz y John Patitucci, entre otros.

2006 - Diabolic Inventions And Seduction For Solo Guitar. Volume I. Music Of Astor Piazzolla. Retorno de Di Meola a su pasión por Piazzolla. Di Meola solo con Hernán Romero.

2011 - Pursuit Of Radical Rhapsody. Di Meola con un grupo más convencional de músicos más algunos invitados.

2013 - All Your Life.  El proyecto más reciente y quizás el más postergado de Di Meola. Su homenaje a The Beatles, grabado en los estudios de Abbey Road y el único disco en formato absolutamente solista: él y su guitarra acústica, haciendo 14 temas de The Beatles hasta donde se pueden hacer con una guitarra acústica ... pero en las manos de Di Meola. 

EL TRÍO DI MEOLA / DE LUCÍA / MC LAUGHLIN

1983 - Passion, Grace & Fire. Primer álbum de este trío fantástico de guitarristas.

1996 - The Guitar Trio. Reencuentro de esta formación extraordinaria. [Existe otro registro de este trío, pero es de una actuación en vivo y no grabación de estudio.

A estos discos, debemos sumar las innumerables colaboraciones y apariciones especiales en tantísimos discos de otros artistas, lo cual sería imposible de incorporar aquí.

En compensación, para quienes no lo conocen, para quienes lo han escuchado parcialmente, para quienes lo conocen muy bien pero algún disco les falta y para aquellos que conociendo la discografía completa, quizás haya alguno que todavía no habían encontrado, les dejo los dos links siguientes.

Discografía casi completa
Otra discografía casi completa

Bien, amigos, por hoy, descansamos.

Nos volvemos a encontrar en breve