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jueves, 23 de diciembre de 2010

MAESTROS PROGRESIVOS EN 2010

Los viejos maestros del Progresivo de los '70 aún siguen editando, de una u otra manera. En 2010 hubo algunos nuevos discos de estudio, varias ediciones de performances en vivo, actuales y pasadas, y varias compilaciones o recopilaciones.

Discos de estudio:

Rick Wakeman - Always With You


Álbum completamente solista de Wakeman, con su Steinway y una docena de temas surtidos, desde clásicos como el Ave María, hasta clásicos del rock como Stairway To Heaven.

Jon Anderson - The Living Tree [con Wakeman]

No son raros estos álbumes en asociación en los cuales prima el lirismo de Anderson con el ensamble musical de Wakeman. Este prolonga la serie.

Peter Gabriel - Scratch My Back


Un disco inusual de Gabriel. Primero porque hace todos covers. Segundo porque es una selección de temas hechos por Gabriel pero en un estilo intimista y con instrumentación no convencional. Aborda temas de David Bowie, Paul Simon, Talking Heads, Lou Reed, Arcade Fire, Neil Young y Radiohead, entre otros.


Robert Plant - Band Of Joy



Robert Plant con nueva banda y lejos ya del Hard Rock, después de experiencias anteriores incursionando por el rhythm & blues y algo de folk.


Actuaciones en vivo:

King Crimson - The Collectable King Crimson. Vol. 5.



Quinto volumen de una serie de ediciones de conciertos de King Crimson. En este caso, de las míticas presentaciones en Japón en 1995, ante un público entusiasta como pocos con su música y con una formación antológica de doble trío: Fripp, Belew, Gunn, Levin, Mastelotto y Bruford. Del set de canciones ni hablemos: pocas de la primera era, pero muy selectas y representativas de la etapa que encarnan estos seis músicos.

Yes - Keys To Ascension Boxset


Reedición en una sola caja de los dos Keys To Ascension y el DVD correspondiente a las actuaciones en vivo en el Freemont Theater de San Luis Obispo, California, en 1996. Se incluyen también los temas de estudio nuevos para aquel entonces y que aparecieran luego por separado en un solo disco llamado Keystudio. Esta edición trae todo junto con la formación más clásica de Yes: Anderson, Squire, Howe, Wakeman y White.

Frank Zappa - Hammersmith Odeon



Edición del concierto de Zappa en el Hammersmith Odeon de Londres en 1978, con una formación de antología, en la que figuran, entre otros, Adrian Belew y Terry Bozzio. El concierto se presenta en 3 CD que recorren la trayectoria de Zappa desde sus inicios hasta fines de los '70.

Emerson, Lake & Palmer - Live At High Voltage 2010


Registro de la presentación de ELP en el High Voltage Festival realizado en el Victoria Park de Londres en julio de 2010, en el que participaron otras bandas de importancia como Foreigner, Asia, Focus, The Reasoning, UFO, Marillion o Transatlantic. En los dos discos que registran su actuación, pasan revista a los temas más significativos de su trayectoria, con los infaltables The Barbarian, Pictures At An Exhibition o Fanfare For The Common Man. Se les nota el paso del tiempo.


Emerson, Lake & Palmer - A Time And A Place


Recopilación de actuaciones en vivo en diversos lugares y años que recorren vastos tramos de su trayectoria. Desde su mítica presentación en Isle Of Wight en 1970 hasta el famoso Obras que hicieron en Buenos Aires en 1993, pasando por el Estadio nacional de Chile, 1993 o por Nassau Coliseum en USA, 1978, muchos otros times and places se desparraman a lo largo de 4 CD. Siempre es buena una antología de lives.

Uriah Heep - Live At Sweden Rock Festival 2009



Actuación en vivo con algunos temas clásicos por una formación que nada tiene de clásica.


Carl Palmer - Working Live Vol. 3



Tercero de una serie de discos con presentaciones en vivo, comenzada con el Nº 1 en  2002 y el segundo en 2004.  Palmer se presenta en forma de power trio, con guitarra, bajo y percusión. Y hace temas de Emerson, Lake & Palmer ... sin teclados. Las partes de teclado las hacen con la guitarra y el bajo. Para ello cuenta con dos jóvenes y muy talentosos músicos: Stuart Clayton en el bajo y Paul Bielatowicz en la guitarra. Este último acompañó a Neal Morse en su presentación de Sola Scriptura y es un nombre a tener muy en cuenta en los próximos años. Estas actuaciones de Palmer han resultado muy entusiasmantes para los públicos que visitó, incluido Buenos Aires en noviembre pasado.

Robert Fripp & Theo Travis - Live At Coventry Cathedral


Placa en vivo de la sociedad Fripp - Travis, que se viene desarrollando desde el año anterior, cuando editaron Thread. Básicamente son temas de Travis, excepto uno, de autoría de la primera line - up de King Crimson. Travis en flauta y saxo, Fripp en guitarra.

Steve Howe - Travelling [Steve Howe Trio]


Acompañado por Ross Stanley en teclado y Dylan Howe en percusión, Steve Howe se desapacho con otro álbum solista donde mezcla todos sus gustos y búsquedas y los sazona con un poco de Yes.

Steve Hackett - Live Rails




Son grabaciones en vivo tomadas en París, Londres y Nueva York, durante su gira mundial entre 2009 y 2010. Incluye casi todos los temas de su álbum de 2009 Out Of The Tunnel's Mouth más clásicos propios y de la era Genesis. Son 2 CD con la marca Hackett.


Boxsets y Compilaciones:


Frank Zappa - Greasy Love Songs




Emerson, Lake & Palmer - High Voltage


No obstante lo equívoco del nombre, no es otro registro del High Voltage Festival, sino una compilación más.

Rush - Icon



Rush - Time Stand Still: The Collection



Uriah Heep - On The Rebound


Antología celebratoria del 40º Aniversario de la banda, ahora sí con formaciones significativas.

Deep Purple - Singles & EP Anthology 1968 - 1980


Una de las bandas con más antología y compilaciones. Repite con lo de los simples o las caras A & B de las ediciones de simples en vinilo.

Puede que se nos haya escapado alguno. Si es de banda o artista de los grandes de los '70 y el disco es editado en 2010, bienvenida la contribución.

Hasta luego.

viernes, 17 de diciembre de 2010

DISCOS DEL 2010 (III)

Continuamos presentando y reseñando discos aparecidos este año, insistiendo que no estamos adjudicando ningún orden de prioridad, sino que hacemos énfasis en discos recientes que valen la pena.

Haken - Aquarius 



Auspicioso álbum debut de esta banda británica de Heavy Prog. Integrada por  Charlie Griffiths en guitarras, Ray Hearne en percusión, Hen en guitarras y teclados, Ross Jennings en vocales, Diego Tejeida en teclados y Tom Maclean en bajo, Haken nos presenta un set list de 7 temas que van desde los 6 hasta los 17 minutos. En ellos se despliegan variados elementos de influencia que darán carácter al álbum. La base es de Heavy Prog, pero se encontrarán también guiños de Sinfónico y de Jazz - Rock. Muy buenos arreglos vocales e instrumentales. Aquarius es un disco disfrutable que alienta a esperar más de esta banda muy respetada en la escena Prog actual. Agradabilísima sorpresa. Un disco que será apreciado para integrar una buena colección Prog.



Agents Of Mercy - DramaRama


Esta banda sueca nos deja este año su segundo disco, tras The Fading Ghosts Of Twilight, de 2008. Sin embargo, no hay que pensar en debutantes o novatos, ya que la banda es un side project de Roine Stolt y otros compañeros de The Flower Kings, como Lalle Larson y Jonas Reingold, a quienes se agrega también Nad Sylvain, de Unifaun. Asimismo, la banda aparece como banda espejo de Karmakanic, donde participan varios integrantes comunes. A tal punto que también este año publicaron un álbum en vivo conjunto titulado The Power Of Two. De modo que ya sabemos bastante qué encontrar en este álbum. No lo consideraría como fundamental, pero sí como una muestra rerpresentativa de su propuesta progresiva. Destaquemos sí la fuerte influencia Genesis que se percibe en muchos tramos.


Karmakanic & Agents Of Mercy - The Power Of Two





Y ya que mencionamos este disco en vivo de ambas bandas, que son casi una, presentemos esta placa que recoge actuaciones en vivo en USA en 2009, en el mismo escenario y colaborando los músicos de una banda en la otra. El set list está compuesto por temas de discos anteriores de ambos [The Fading Ghosts Of Twilight, de Agents Of Mercy, y Wheels Of Life y Who's The Boss In The Factory? de Karmakanic] Son versiones en vivo de temas ya conocidos pero que se enriquecen por la respuesta del público en la recepción que hacen de los mismos.


  

Continuará...

jueves, 16 de diciembre de 2010

ROCK PROGRESIVO, ARTE Y TRANSTEXTUALIDAD (IV) LOS METATEXTOS

Los aspectos metatextuales implican una relación de comentario que une el texto a otro texto del cual habla, lo cual es, por definición, la relación crítica (Genette). En este punto hay una variedad muy grande que va desde la crítica periodística musical hasta la elaboración crítica musicológica. En relación a la crítica periodística de rock, Frank Zappa ironizaba diciendo: “gente que no sabe escribir, entrevistando a gente que no sabe hablar, para gente que no sabe leer”. Más allá de la acidez del músico, pueden reconocerse excepciones notables a esa regla. Los casos de Greil Marcus y Cameron Crowe, salidos de las páginas de Rolling Stone son saludables ejemplos de crítica seriamente fundamentada.

Más allá de esto, los discos de Rock Progresivo suelen presentar metatextos, o algunos que ofician como tales. En algunos casos se incluyen reseñan críticas sobre la banda. Otros aportan imágenes que aluden al propio disco o al grupo desde un punto de vista crítico o de aporte de informaciones (reales o ficticias), muy comúnmente bajo la forma de recortes de diario reproducidos o simulando la propia carátula ser un diario.

Un caso interesante es el del álbum conceptual de Jethro Tull, Thick As A Brick, 1972, que se presenta, en su edición original en LP, bajo la forma de un periódico local, llamado St Cleve Chronicle, con su título diseñado en letra gótica. La tapa, de formato doble, al abrirse se despliega aún más, llevando la forma cuadrada de la tapa al tamaño de un tabloide.




En su interior tiene páginas que pueden leerse como un periódico común, con sus diversas secciones, donde se intercalan, bajo la forma de artículos columnados, los datos filiatorios necesarios del álbum. En la portada, como nota principal y titular, se presenta la noticia de un certamen poético que termina en escándalo al descalificarse la poesía de un niño, llamado Gerald Little Milton Bostock por sus relaciones oscuras con su niñera adolescente. La nota se acompaña con una fotografía del pequeño poeta, de porte intelectual, junto a su niñera, que revela una maliciosa relación entre ambos. La poesía en cuestión se titulaba Thick As A Brick y no es otra cosa que la letra del extenso tema que abarca todo el disco y que se reproduce en el interior del álbum / diario.




Es frecuente la inclusión de imágenes que unen la obra con otros referentes. Tal es el caso de Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1967), de The Beatles, cuya carátula paradigmática remite al arte pop inglés, al habérsela confiado a Peter Blake, quien monta un collage espacial de tamaño natural en el que dispuso maquetas de casi un centenar de personajes literarios, musicales, artísticos, políticos, etc., en una escenografía que incluye una multiplicidad de elementos con diversas alusiones, procedimiento característico de los artistas pop ingleses.

Entre los personajes se puede destacar a algunos como Aleister Crowley [el hombre "más malo del mundo"], Mae West, Lenny Bruce, Karlheinz Stockhausen, Carl Jung, Edagar Allan Poe, Fred astaire, Bob Dylan, Aubrey Beardsley, Aldous Huxley, Dylan Thomas, Tony Curtis, Marilyn Monroe, Stan Laurel, Oliver Hardy, Karl Marx, H. G. Wells, Marlon Brando, Tom Mix, Oscar Wilde, Tyrone Power, Johnny Weissmüller, George Bernad Shaw, Lewis Carroll, los 4 Beatles como muñecos de cera, Shirley Temple, Albert Einstein, Marlene Dietrich, Diana Dors, los 4 Beatles reales trasvestidos como la Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, entre muchos otros.

Estos personajes ponen en relación de comentario la obra con el universo beatle. Gustos y aversiones se manifiestan en una heteróclita reunión que incita a recorrer y reconocer esa multitud que rodea a los Beatles y a tratar de vincularla con el motivo por el cual se compró ese disco: su música. Se está afirmando que hay decenas de puntos de conexión de esa música con el mundo, definirlos es cuestión del oyente / espectador. Por si eso fuera poco, es prácticamente el primer disco de música popular que incluye el texto íntegro de las letras de las canciones (lyrics, una expresión elocuente), frecuente en la ópera, pero inusitado en la música popular. Es una afirmación de que hay que atender otras cosas: las letras no solo se oyen, sino que se leen. Este disco hay que oírlo y leerlo, parecen decir los Beatles, quizás aludiendo a sus sinsabores de la época de la beatlemanía, cuando la histeria impedía que nadie oyera o entendiera algo de lo que proponían.


[Estos son fragmentos de artículos publicados en la Revista Relaciones en el año 2008, bajo el título Palimpsesto Rock] Se agradece citar la fuente

martes, 14 de diciembre de 2010

ROCK PROGRESIVO, ARTE Y TRANSTEXTUALIDAD (III) LOS PARATEXTOS

Los paratextos, noción que Genette pone de sumo relieve, son todos aquellos elementos que están fuera del texto mismo pero que hacen a él de modo sustancial. En una obra literaria son los títulos, subtítulos, advertencias, notas, ilustraciones, etc., que dan al texto un entorno y hasta un comentario. En el caso de la música – grabada en estudio, grabada en estudios con público, en escenarios (en vivo) o la directamente presenciada en conciertos, o la vista a través de registros videográficos – hay además otros aspectos paratextuales.

Si consideramos el soporte usual de su difusión, el objeto – disco, los paratextos van desde el nombre de la banda, el logo identificatorio (en su doble aspecto de texto y diseño), el título del álbum, los de sus temas, los textos informativos (de autoría, de duración de cada tema, de intérpretes invitados, etc.), los textos  de los propios músicos, los agradecimientos, la historia de la creación del disco, de su motivación, etc., los textos tomados en préstamo de obras literarias, las fotografías, los librillos interiores o adjuntos y la transcripción de las letras de los temas, además de los copyrights de música y letra, el sello discográfico, y los diseños y arte de la etiqueta y de toda la carátula. Si consideramos las actuaciones en vivo o in concert, aparecen otros tantos paratextos más: entradas, programas, música de apertura y de cierre, escenografía, iluminación, puesta en escena, efectos especiales. A ello agreguemos los registros videográficos que tanto abarcan conciertos filmados, video clips o películas argumentales, documentales, biográficas, etc. En estos registros en vivo se incluye el sonido y la imagen del público, sus reacciones, la recepción que otorgan a la obra. Se pueden apreciar – y esto aporta nueva información y diferente forma de percibir la obra – el modo de expresión, el modo de ejecución de los instrumentos, el juego escénico, etc. Hay un matiz más, en relación a si esa toma en directo es oficial – mejorada en su calidad sonora en una etapa de posproducción – o si es no oficial o pirata (los bootlegs), en las cuales la calidad de sonido es inferior pero aporta más datos sobre la recepción de la obra por el público. Todo esto comenta, de un modo u otro al texto principal, la obra musical o lírico – musical, a la vez que pueden, algunos de esos paratextos, convertirse en nuevos textos en sí mismos.

Nos interesa aquí señalar algunos paratextos que implican referencia o alusión a fuentes literarias o musicales.

En primer lugar, los propios nombres de algunas bandas: Pendragon (inglesa), Taliesyn (alemana) o Galahad (inglesa), se refieren a la tradición artúrica y sus textos. La literatura fantástica, de anticipación o ciencia ficción también provee nombres. Así, la banda alemana Eloy debe su nombre a los Eloi, raza que aparece en The Time Machine, de Herbert George Wells, 1895. Marillion, banda inglesa, tiene como nombre un aféresis de Silmarillion, título de una de las obras de J.R.R. Tolkien, 1954. La banda francesa Yog – Sothoth toma su nombre del personaje mítico de la obra de Howard Phillip Lovecraft. La banda inglesa The Soft Machine debe su nombre a la novela homónima de William Seward Burroughs, 1961. Una interesante variante se da cuando Robert Wyatt se separa de The Soft Machine y forma otra banda con el nombre Matching Mole, que es una homofonía de la traducción francesa de Soft Machine, machine molle, con lo cual alude nuevamente a la novela de Burroughs y a la banda originaria. Otros ejemplos de nombres de bandas con alusiones precisas a lo literario, musical o cultural en general, son: Bram Stoker (ingleses), Avalon (alemanes), Ivanhoe (alemanes), Ulysses (holandeses), Finnegan’s Wake (belgas), Gargantúa (polacos), Maldoror (franceses), Shylock (franceses), J’Accuse ...! (italianos), Dunwich (italianos), Edgar Allan Poe (italianos), Odissea (italianos), Bauhaus (italianos), Brave New World (alemanes), Faust (alemanes), Nosferatu (alemanes), Peter Pan (polacos), Rivendel (españoles), entre muchos otros.


Los títulos de los ábumes y los temas también aportan ejemplos de paratextos que conectan con otras obras. Algunos ejemplos serían:

  • Tales From The Middle Earth, de Rick Wakeman, 1996, remite a la obra The Lord Of The Rings, de J.R.R. Tolkien, 1954.
  • The Fountain Of Salmacis, tema de Genesis, 1972, conduce a Las Metamorfosis de Ovidio, 8 a. C., y al mito de Salmacis y Hermafrodita y el lago en el cual se fusionan ambos.
  • Sysyphus, de Pink Floyd, 1969, que alude a la mitología griega, en particular al mito de Sísifo, ya presente en la Odisea, de Homero o en relatos como los de Pausanias.
  • The Miller’s Tale, de Camel, 2002, se basa en The miller’s prologue and tale, de Geoffrey Chaucer en The Canterbury Tales, 1478
  • Unquiet slumbers for the sleepers y ...in that quiet earth, temas intrumentales de Genesis, 1977, transcriben las palabras finales de Wuthering Heights, de Emily Jane Brontë, 1847
  • The Lamia, también de Genesis, 1974, aludiendo al poema Lamia de John Keats, 1820
  • The Sheltering Sky, tema de King Crimson que se inspira y alude a la novela existencialista del mismo nombre, de Paul Bowles, 1949.
  • This night wounds time, palabras en la contratapa del álbum Starless And Bible Black, de King Crimson, 1974. Estas palabras están tomadas de la peculiar obra plástico – literaria A Humument, de Tom Phillips, 1966, realizada sobre las 370 páginas del libro A human document, de William Mallock, 1892, cubriéndolas con pintura y dibujos que dejan ver palabras enteras o partes de ellas, formando una suerte de poema. [Véase http://www.rosacordis.com/humument/intro.html] [Véase también http://en.wikipedia.org/wiki/Starless_and_Bible_Black]
Página de A Humument, de Tom Phillips de la cual está extraída la frase



Starless And Bible Black, de King Crimson, donde aparece la frase de la obra de Phillips, basada en el libro de Mallock. Tapa y contratapa están diseñadas por el propio Phillips.
  • Starless And Bible Black, álbum de King Crimson y del tema incluido en Red, ambos de 1974, que surge de una línea de la poesía Under Milk Wood, de Dylan Thomas, 1954.
  • Neurotica, tema de King Crimson, 1982, alusivo a la revista literaria homónima, de los años ’50, donde publicaron escritores de la generación beat. El álbum en que está el tema se llama, precisamente, Beat.
  • Satori In Tangier, de King Crimson, cuyo título alude doblemente al libro existencialista de Paul Bowles, The Sheltering Sky, 1949, ambientado en Tánger y a Satori In Paris, de Jack Kerouac, 1966, prominente autor de la generación beat. La palabra satori proviene del vocabulario del zen y significa iluminación. También se halla incluido en el álbum Beat.
  • Del mismo álbum son Heartbeat, que alude al libro homónimo de Caroline Casady, 1976, en que relata memorias de su época junto a Jack Kerouac y Neal Casady, y The Howler, que remite a Howl and other poems, de Alan Grinsberg, 1956, otro prominente integrante de la generación beat.

Hay títulos que aluden a obras musicales aunque no reproduzcan su partitura.

  • Con el título Hall Of The Mountain King hay dos temas, uno de The Who, 1968 y otro de Rainbow, 1995, ambos alusivos a la Suite Peer Gynt, de Edvard Grieg, 1875.
  • 2112, de Rush, 1976, alusivo a la Obertura 1812, de Piotr Illich Tchaikovsky, 1880.
  • Epitah (Mars The Bringer Of War), de King Crimson, 1969, referente al movimiento Marte, portador de la guerra, de la Suite Los Planetas, de Gustav Holst, 1914 – 1918. Al mismo movimiento se refiere el tema Mars, de Emerson, Lake & Powell, 1986.
  • A la misma obra de Holst, pero a su movimiento Júpiter, portador de la alegría, se remite el tema Joybringer, de la banda Manfred Mann’s Earthband, 1973.
  • Los temas Abaddon’s Bolero, de Emerson, Lake & Palmer, 1972 y Bolero: The Peacock’s Tale, de King Crimson, 1970, se remiten a Bolero, de Maurice Ravel, 1928. En ambos casos se respeta la estructura general de un tema musical recurrente en crescendo, pero las líneas melódicas son completamente diferentes.

[Estos son fragmentos de artículos publicados en la Revista Relaciones en el año 2008, bajo el título Palimpsesto Rock] Se agradece citar la fuente

ROCK PROGRESIVO, ARTE Y TRANSTEXTUALIDAD (II) LOS INTERTEXTOS

La intertextualidad implica la presencia simultánea de dos o más textos o la presencia de un texto en otro, bajo la forma de cita, expresa o no, de la alusión, menos explícita o literal, o incluso del plagio, préstamo literal no declarado (Genette).

Esta modalidad aparece dentro del Rock Progresivo tanto por la presencia de textos literarios como de obras musicales. La cita, la alusión y la inclusión fragmentaria o la inspiración en esos textos son las formas frecuentes.

Algunos ejemplos significativos de intertextualidad en lo literario pueden ser, entre muchos otros:

  • Tales From Topographic Oceans, de Yes, 1974, basado en los escritos shástricos, a través de Autobiografía de un yogi, de Paramahansa Yogananda, 1950. Álbum doble estructurado en cuatro movimientos que aluden a las cuatro partes en que se dividen las shastras.
  • Close To The Edge, de Yes, 1972, inspirado en dos obras de Hermann Hesse: Die Morgenlandfahrt (El Viaje a Oriente), 1932 y Siddharta, 1919.
  • The Myths And Legends Of King Arthur And The Round Table Knights, de Rick Wakeman, 1975, que se apoya en la Historia Regum Britanniae, de Geoffrey de Monmouth, siglo XII y Le Roman de Brut, de Wace, también del siglo XII.
  • The Six Wives Of Henry VIII, del mismo Wakeman, 1973, basado en las novelas de Nancy Brisson Morrison, 1964, y Lajos Biro, 1934, ambas tituladas The Private Life Of Henry VIII.
  • A midsummer night’s dream, de Steve Hackett , 1997, interpretación instrumental para guitarra y orquesta, basada en Sueño de una noche de verano, de William Shakespeare, 1600.
  • La Leyenda de La Mancha, de la banda española Mägo de Oz, 1998, alusivo a Don Quijote, de Miguel de Cervantes, 1605.
  • El Profeta, del tecladista uruguayo Armando Tirelli (ex Sexteto Electrónico Moderno), 1978, durante su exilio en México, sobre el libro homónimo de Khalil Gibran, 1923. Uno de los pocos músicos uruguayos reconocidos en el ámbito del Progresivo.
  • Olias Of Sunhillow, de Jon Anderson, 1976, sobre la obra de Vera Stanley Adler The Initiation Of The World, 1937
  • Toltec, del mismo Anderson, 1996, que recoge fuentes varias: El conocimiento silencioso, de Carlos Castaneda, 1987, A Toltec Path: A User’s Guide To The Teachings Of Don Juan Matus, Carlos Castaneda And Other Toltec Seers, 1995, de Ken Eagle – Feather y Toltecas del nuevo milenio, de Víctor Sánchez, 1996.
  • 1984. Existen dos recreaciones de la obra homónima de George Orwell, 1948,: la de Rick Wakeman y la de Anthony Phillips (ex Genesis), ambas de 1981.
  • Animals, de Pink Floyd, 1977, sobre la novela Animal’s Farm, de George Orwell, 1949. Los temas del álbum refieren a cerdos, perros y ovejas, animales con gran protagonismo en la alegoría orwelliana sobre el surgimiento de una tiranía.
  • Tales Of Mistery And Imagination, de The Alan Parson’s Project, 1976, con temas basados en cuentos y poemas de Edgar Allan Poe, tales como El cuervo, El corazón revelador, El barril de amontillado, El sistema del Dr. Alquitrán y el Prof. Pluma y La caída de la casa Usher.
  • Drácula, de la banda italiana Premiata Forneria Marconi, 2005, sobre la obra homónima de Bram Stocker, 1897.
  • Journey To The Centre Of The Earth, 1974 y Return To The Centre Of The Earth, 1999, ambas de Rick Wakeman y sobre Viaje al centro de la Tierra, de Julio Verne, 1864.
  • I, Robot, de The Alan Parson’s Project, 1977, basado en la novela homónima de Isaac Asimov, 1950
  • The Snow Goose, de Camel, 1975, sobre la obra homónima de Paul Gallico, 1940.
  • Sola Scriptura, de Neal Morse, 2007, basado en los escritos del reformador alemán Martín Lutero. 
En lo musical, las alusiones y citas son también variadas. A título de ejemplo, mencionemos:

  • A Whiter Shade Of Pale, de Procol Harum, 1967, que recoge fragmentos de la Suite orquestal Nº 3 en Re mayor, 1717 y de la Cantata Nº 140, Wachet auf, ruft uns die Stimme , 1731, ambas de Johann Sebastian Bach.
  • Knife Edge, de Emerson, Lake & Palmer, 1970, que remite a la Allemande de la Suite Francesa Nº 1 en Re menor, de Johann Sebastian Bach, 1722 y al 1er. Movimiento de la Sinfonietta, de Leos Janaceck, 1926.
  • The Only Way, de Emerson, Lake & Palmer, 1971, que integra partes de la Toccata en Fa Mayor para órgano, 1708, y el Preludio en Re menor del Libro I de El clave bien temperado, 1722, de Johann Sebastian Bach.
  • Journey To The Centre Of The Earth, de Rick Wakeman, 1974, que incluye un fragmento de la Suite Peer Gynt, de Edvard Grieg, 1875
  • The Barbarian, de Emerson, Lake & Palmer, 1970, sobre el Allegro Barbaro, de Bela Bartok, 1911.
  • Beethoven’s Last Night, de Trans-Siberian Orchestra, 2000, que no solo narra un ficticio encuentro de Beethoven con el diablo, mientras escribía una supuesta décima sinfonía, sino que en sus temas se encuentran fragmentos de obras del músico alemán.
[Estos son fragmentos de artículos publicados en la Revista Relaciones en el año 2008, bajo el título Palimpsesto Rock] Se agradece citar la fuente

miércoles, 8 de diciembre de 2010

HASTA SIEMPRE, JOHN




Hace 30 años que el mundo es un poco menos feliz. 30 años en los que la voz de la paz es algo más débil. 30 años en los que el amor es algo más incompleto. Pocas veces rindo tributo a una persona. Pero esta es una de ellas. Porque lo dedico a quien acompañó poco tiempo nuestras vidas pero, hoy que hace casi tanto tiempo que murió como los años que vivió, demuestra cuán necesaria sigue siendo su voz. No solamente porque haya dicho y hecho cosas significativas, sino porque lo dicho y lo hecho siguen siendo esenciales, y como tales, se vuelven indestructibles. Y no es que haya querido ser un líder que enseñara a los demás cómo hay que vivir, que esa se pretende la tarea de los líderes políticos, sociales e intelectuales. Simplemente se dedicó a una tarea sencilla y sin pretensiones que no obstante se convirtió en una actividad trascendente y comprometida. ¿Con una ideología, con un grupo de intereses o de poder, con una liturgia determinada? No. Trascendente y comprometida con lo humano. Y sobre todo, libre de dogmas, de prejuicios y de ataduras. 30 años. Pero no son suficientes para morir realmente, cuando la presencia se siente más poderosa que la ausencia.


sábado, 27 de noviembre de 2010

PARALELAS, ÁNGULOS RECTOS Y TANGENTES: LOS CAMINOS DE ANDY TILLISON

Andy Tillison es uno de esos personajes que no dejan indiferente con lo que hacen. Sus proyectos han revestido genuino interés y sus caminos de búsqueda han explorado espacios musicales atrayentes. Quien sigue su evolución desde sus creaciones con Parallel Or 90 Degrees (PO90) hasta lo que ha hecho con The Tangent, puede apreciar allí a una serie de músicos que, a la vez que hacen música, investigan sobre ella, sin necesidad de volverse tediosos o demasado herméticos.

Son proyectos que, aún estando conectados, implican caminos específicos y diferentes. 

Parallel Or 90 Degrees se inserta más dentro de la música oscura y densa, con influencias prog, psicodélica y space, con toques de Peter Hamill, Van der Graaf Generator y The Nice.

Su primer disco, The Corner Of My Room, 1996, contó únicamente con dos músicos: Samanta Baine en teclados y guitarra y Andy Tillison en voz, guitarra, teclados y batería eléctrica. Para su segundo disco, Afterlifecycle, 1997, la formación se agranda agregándose Graham Young en guitarra, Jonathan Barrett en bajo y Lee Duncan en percusión. Este disco inició una serie de discos que resultarían altamente conceptuados. Le sigue The Time Capsule, 1998, en el que cambian de guitarrista, al entrar Gareth Harwood en lugar de Young, pero también incorporan como invitado a un viejo conocido de Tillison, el talentoso multiinstrumentista inglés Guy Manning, con quien Tillison ya había estado asociado previamente y con quien también contaría para la formación de The Tangent. 

Tan será así que el siguiente álbum, No More Travelling Chess, 1999, será realizado exclusivamente por Tillison y Manning. Ya para el 2000, la banda vuelve a reformarse. Manning funda su propia banda [homónima] y Tillison vuelve a traer a Samanta Baine y Gareth Harwood, junto a Alex King en bajo y Ken Senior en percusión para el álbum Unbranded.

En 2002 vuelven a producir un pico alto de su trayectoria y el último por un tiempo.  More Exotic Ways To Die marca otra obra altamente estimada por la crítica con el único cambio en la guitarra al entrar Dan Waits. Aquí comienza un hiato en la producción de PO90, al volcarse Tillison a su nuevo proyecto, el grupo de integración multinacional The Tangent. Recién en 2009 vuelve a saberse algo de PO90, con la aparición de un recopilatorio, A Can Of Worms y un nuevo disco de estudio, en el que Tillison, Waits y King, se unen a Matt Clark en el bajo.

Una actuación de 1999 en que PO90 hizo de teloneros de The Flower Kings, generó una relación a partir de la que ambas bandas podrían encarar proyectos conjuntos. Hacia 2003 se concreta en The Tangent. 

Entre 2003 y 2009, Tillison trabaja de lleno en esta propuesta musical más ecléctica, que recogerá la ya citada influencia de Van der Graaf Generator, junto a Yes, King Crimson, y aportes más actuales como The Flower Kings o Beardfish, entre otros. El resultado es una música más abierta que la de PO90, con muchos elementos del Prog, del Sinfónico, con ambientaciones de influencia jazzística y con una multiinstrumentalidad marcada y gran vistuosismo.


Cinco han sido, hasta el momento, los discos de estudio de The Tangent: The Music That Died Alone, 2003, The World That We Drive Through, 2004, A Place In The Queue, 2006, Not As Good As The Book [doble], 2008 y Down And Out In paris And London, 2009. Hay que citar al menos una toma en vivo, de gran excelencia como ha sido Going Off On One, 2007, que también dio lugar a un excelente DVD, donde se aprovechan numerosas filmaciones de la audiencia en una presentación casi privada.


En The Tangent han intervenido y participado numerosos y talentosos músicos. Además de Tillison, Manning y Baine, podemos oir a Roine Stolt, Jonas Reingold, Jaime Salazar y Zoltan Czorz, de The Flower Kings, al saxofonista y flautista David Jackson, de Van der Graaf Generator, el saxofonista y flautista Theo Travis, quien trabajó junto a infinidad de grupos y músicos [Karmakanic, Robert Fripp, No - Man, Bass Communion, Steven Wilson, Porcupine Tree, y muchos más],  el guitarrista sueco Krister Jonsson, el guitarrista Jakko M. Jakszyk, de la 21st. Century Schizoid Band y otros.


Ambas son propuestas sumamente interesantes y aparecen como punto de confluencia de muchas líneas que se cruzan, se hacen paralelas o salen por la tangente de la propuesta musical de la escena progresiva actual.


Aquí va algo para escuchar de PO90 y The Tangent
Requiere atención ...


Más información sobre The Tangent en Progarchives
Más información sobre Parallel Or 90 Degrees en Progarchives 
Más información sobre Guy Manning en Progarchives 
Más información sobre The Flower Kings en Progarchives 
Más información sobre Andy Tillison en Wikipedia

viernes, 26 de noviembre de 2010

ROCK PROGRESIVO, ARTE Y TRANSTEXTUALIDAD


Al considerar al Rock Progresivo como hecho artístico, queda inmediatamente de manifiesto la importancia que tiene en su esencia artística la transtextualidad.
 
Partiendo del supuesto de que podemos asimilar la obra musical al concepto de texto y si seguimos a Gerard Genette en cuanto define el texto como una cinta de Möebius, en la cual su doble cara de significante y significado, de escritura y lectura se alternan sin interrupción y en la que la escritura no deja de leerse o la lectura no deja de escribirse, veremos que podemos extender esta idea a la forma musical, tanto en su aspecto sinfónico como en el lírico. 

Partimos de la base de la existencia de un texto musical, que se expresa por medio del lenguaje musical. Posee una ortografía, una sintaxis, una prosodia, una forma de escritura, una forma de lectura, tanto silenciosa como en voz alta. Si a esto agregamos que muchas veces posee otro ámbito de contenido, que se presenta por medio del lenguaje que hablamos y escribimos, en el formato canción, o en cualquier otro que sea cantable, donde además de los elementos generales del lenguaje entran otros como, por ejemplo, la métrica de la poesía, tendremos ya dos textos y dos formas de lenguaje puestos en relación. Tanto que prevalezca únicamente el lenguaje musical como que convivan música y letra, podremos hallar allí ciertos fenómenos de la textualidad.

En el Rock Progresivo encontramos la presencia de todas las formas de transtextualidad. Siguiendo a Genette, esta es la trascendencia del texto, o todo aquello que lo pone en relación manifiesta o secreta con otros textos. La primera y evidente transtextualidad parte de la relación entre música y letra que hay en toda canción, con diversos grados de logro. Cuando una de ellas o ambas remiten a otros textos, estaremos en presencia de alguna de las formas de relaciones transtextuales que suelen reconocerse.

No es una cualidad excluyente del Rock Progresivo. Al igual que en otras artes de la contemporaneidad, la remisión a otras formas de arte o a otros registros del propio arte, es una nota constante, lo cual inserta al Rock Progresivo dentro de una matriz artística característica del siglo XX y de lo que va de este siglo naciente. 

Si, como se ha señalado, el rock and roll inicial se orientó hacia una cultura cerrada en unos límites que tendían a la formación de grupos unidos por pautas culturales secretas, esta primera metamorfosis del rock que implicó la aparición del Progresivo, permeó esa membrana de cobertura que lo hacía exclusivo de ese grupo. Salió del ámbito de un grupo definido socialmente, como segmento etario, como portador de pautas culturales propias, como sector económicamente definido y perteneciente al mercado y como sustento de valores propios, para conectarse con otros ámbitos de la realidad, a la vez que se lanzó a una apropiación de la cultura, no para rendirle un culto devocional, sino para decir acerca de su relación con el mundo culto sacralizado, precisamente desacralizándolo. Por ello, el Rock Progresivo protagonizó una ampliación del ámbito del rock y una inserción en el mundo cultural general, llamando la atención a otras generaciones, penetrando en otras culturas, fortaleciendo la estética del rock y haciendo que hasta los propios músicos cultos se detuvieran a tenerlo en consideración.

No es un mero hecho comercial que el niño terrible de la cinematografía de los ’70, Ken Russell, confiara la música de la banda sonora de Lisztomania (1975) a Rick Wakeman como tampoco es coincidencia ni un dato anecdótico que el músico argentino Alberto Ginastera elogiara efusivamente el arreglo en clave de rock de Keith Emerson para el 4º movimiento de su 1er. Concierto para piano, la  Toccata, de Brain Salad Surgery, 1973. Tampoco es casualidad que la tapa de ese mismo disco haya sido diseñada por el reconocido artista suizo R. H. Giger (1940). Esto muestra cruces entre diversas artes [cine, música, pintura] como también entre diversos niveles de lo artístico socialmente reconocidos [lo culto, lo popular, lo tradicional, lo vanguardista, lo experimental, etc]

Del mismo modo, la intervención de orquestas sinfónicas en obras de músicos del Rock Progresivo es elocuente de esta inserción y apropiación simultáneas. Algunos ejemplos los aportan: Jon Lord de Deep Purple con sus Concierto para grupo [de rock] y orquesta (1969) y Gemini Suite (1970); Rick Wakeman con Journey To The Centre Of The Earth (1974) y Return To The Centre Of The Earth (1999); The Moody Blues con Days Of Future Passed (1967); Yes con Symphonic Music Of Yes (1994), Magnification (2001) o Symphonic Live (2002); Jethro Tull con A Classic Case (1985), o Ian Anderson con Ian Anderson Plays The Orchestral Jethro Tull (2005), con orquestas locales de los escenarios donde se presentó en una gira mundial, incluida la Filarmónica de Montevideo en el 2005; o Pink Floyd  con Us And Them: Symphonic Pink Floyd (1995).

Es precisamente esa tendencia a la transtextualidad lo que hace al género progresivo tan apto para su proyección cultural. En futuros posts nos encargaremos de indagar en las diversas modalidades de la transtextualidad.

[Estos son fragmentos de artículos publicados en la Revista Relaciones en el año 2008, bajo el título Palimpsesto Rock] Se agradece citar la fuente

lunes, 22 de noviembre de 2010

EL RETORNO DEL GIGANTE

Todos los lunes a las 22:00 hs. [a las 23:00 hs. de Uruguay mientras dure el horario de verano en nuestro país y Argentina no cambie el suyo] se puede escuchar a través de FM 95.5 Radio Patricios, de Buenos Aires, un programa que vale la pena conocer. Se trata de El Retorno Del Gigante, una creación de Gustavo Bolasini, Carlos Salatino, Daniel Sperlungo y Alex Nakakoji que en setiembre pasado cumplió 10 años en el aire. Es un programa dedicado a todo ese espectro musical que se denomina Rock Progresivo, tanto a nivel internacional como en Argentina, donde esta amplia vertiente musical tiene una enorme penetración, a diferencia de lo que ocurre en Uruguay.
El Retorno Del Gigante tiene una página web en la que se puede explorar su historia - y su archivo - y de la cual se puede bajar los distintos programas semanales (si te perdiste alguno o si querés conocer lo anterior) entre los cuales hay algunos especiales antológicos.
En cada programa hay invitados, entrevistas, novedades, carteleras de conciertos y festivales, especialmente en Argentina, y se puede escuchar mucha música y conocer muchos grupos de los 40 años que tiene de edad el Progresivo.
La web de El retorno se puede acceder en EL RETORNO DEL GIGANTE pero si querés escuchar en directo el programa, lo podés hacer siguiendo el link que tiene la propia página o por FM 95.5 RADIO PATRICIOS
Es una experiencia recomendable.
Que lo disfrutes!!

PARADIGMAS ARTÍSTICOS Y ARTE DE TAPA

Dentro de las carátulas de discos encontramos variedad de modalidades artísticas: obras artísticas tomadas en préstamo para ilustrar la tapa (los Fusilamientos del 3 de mayo de Goya en Bang! Bang! Estás Liquidado, de los Redondos, por ejemplo) obras artísticas especialmente diseñadas por artistas reconocidos (Warhol para Lennon, Los Stones, la Velvet y otros, o Giger para ELP), tapas diseñadas por los propios músicos (Dylan, Lennon, Joni Mitchell), diseños especialmente hechos para los discos por diseñadores específicos (Hipgnosis, Roger Dean, Ed Unitsky, Storm Thorgerson, Paul Whitehead, Derek Riggs, Mike Wilkinson, y muchísimos otros) y también diseños que citan, aludiéndolas sin reproducirlas, pero sí resignificándolas, obras artísticas reconocidas.

Esto ocurre con dos tapas de discos y otras tantas pinturas que, sin embargo, no pueden dejar de relacionarse todas entre sí.




El disco Renegades de Rage Against The Machine, 2000, es prácticamente el último de la banda antes del abandono de la misma por Zach de la Rocha y presenta la palabra más importante del nombre de la banda: la ira en contra de la máquina (el sistema, el establishment, el capitalismo, la globalización, etc). Apoyando a diversos movimientos reivindicativos o revolucionarios - de los cuales el más notorio fue el ELZN de Chiapas - el clima que parece trasuntar es el de finales del siglo: un ambiente crispado, tenso, agrio, de ira y de confrontación.


El single de Oasis Little By Little / She Is Love, 2002, remeda el mismo diseño pero se aleja notoriamente del significado combativo de RATM. La propuesta es alusiva pero más descontextualizada y sí más decorativista, tendiente a una liviandad mayor, más afín al parentesco pop de la música de los Gallagher.
No obstante, ambas carátulas remiten inequívocamente a la obra paradigmática de Robert Indiana Love, 1964, creada inicialmente para una tarjeta postal navideña del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), pero luego realizada en infinidad de versiones por el autor, transitando por las diversas técnicas pictóricas y gráficas y la escultura. Hasta existe una versión en escultura con la palabra LOVE en caracteres hebreos. Sin duda respondiendo a las tendencias del naciente Pop Art, Indiana echa mano del caracter icónico de la letra, tratada artísticamente, como tipografía, como imagen plástica, además del mensaje implícito en la palabra que, vale la pena señalarlo, la leemos como tal únicamente porque responde a nuestra costumbre de leer de arriba abajo y de izquierda a derecha. Esto hace más interesante la versión en hebreo (que debe leerse al revés). Asimismo, la coloración psicodélica que varía según las versiones, contrasta valores cromáticos que no dejan descansar los sentidos. Pero, por el contrario del caso de RAGE, el mensaje proviene de la cultura dominante del underground, la psicodelia y el Pop Art, basada en el All You need Is Love que alumbra los finales de los '60 (la década dorada).



Las carátula de RATM y Oasis, además de aludir a Indiana, remiten aunque sea involuntariamente a otra obra plástica, esta del grupo creativo canadiense General Idea, un trío de artistas que desarrollaron las temáticas que preocupaban a la sociedad en los '80. Al sustituir el LOVE por AIDS, están indicando el cambio conceptual en torno al amor, de la lírica psicodélica del amor libre de la cultura hippie y del Make love not war, a la visión más cruda y peligrosa del amor en los tiempos del SIDA. El grupo, integrado por los artistas Felix Partz, Jorge Zontal y AA Bronson, desarrolló su activismo entre 1986 y 1993, atacando diversos aspectos sociales, y en el caso de la serie AIDS, haciendo un llamado de atención sobre la discriminación implícita en el tratamiento de la enfermedad, la desigualdad en el acceso al AZT como posible droga de tratamiento, la especulación de la investigación y la industria farmacéutica, etc. En 1994 Partz y Zontal murieron de Sida.

Este trasfondo cultural también puede percibirse por debajo de la apariencia que captamos en la sola percepción visual y muestran hasta qué punto la portada, tapa, carátula o como la llamemos, es un territorio del arte en serio y para ser tenido en cuenta.

AGREGADO A ESTE POST EN ABRIL 2011

Tomamos contacto ahora con otra variante que resulta interesante. Independientemente de que LOVE dejó más secuelas que las aquí mencionadas, el propio Indiana ha vuelto sobre el formato en 2008. Con motivo de la Convención Demócrata de Denver, durante la campaña de Barack Obama, dio a conocer una nueva obra en la misma línea conceptual de LOVE, solo que ahora con la palabra HOPE, consistente con el Yes We Can de la campaña política demócrata en las últimas elecciones estadounidenses, dentro del clima de crisis económica global. Los colores también juegan hacia la identificación nacional de la propuesta de Obama.


Como verán, esto siempre sigue abierto a que aparezcan novedades.
Hasta pronto.

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