Hola de nuevo, amigos de Abbey Road. Les traemos ahora una nueva aproximación al programa de nuestro amigo argentino Hugo Lagar, El Guardián de los Cielos, que se emite por www.hecultura.com/radio los viernes a las 18:00hs.
En esta emisión tuvimos el honor de inaugurar un nuevo espacio del programa, el Rincón Beatle, donde se darán cita beatleros, especialistas y músicos para pasar revista a variados temas de los cuatro de Liverpool y aportar análisis sobre los mismos.
Nuestro aporte versó sobre una obra maestra: Eleanor Rigby. Podés ir directo al minuto 27:20 para encontrarlo.
Pero el programa no tiene desperdicio y encontrarás allí también mucho sobre Rock Progresivo, argentino e internacional, tanto de hoy como de ayer.
Así, en el nuevo espacio Progresivo Federal podrás conocer a la banda tucumana Zener; en el espacio Acústicos te reencontrarás con un grandioso tema del siempre recordado John Wetton, una balada preciocista, Emma, del álbum Akustika I de 1996; y en las novedades del sello Prog italiano Lizard Records, hallamos a la banda italiana Prometheo, y su primer disco, D’un fuoco rapito, d’un giovane uomo, di un amore insensato editado en 2019, todo un descubrimiento, considerado por la crítica como un debut revelación en el Prog italiano.
Como se ve, un programa para disfrutar a lo largo de su hora de duración. En esta ocasión acompañó en la conducción Amalia Granja y participó en las presentaciones Maru Lagar.
Republicamos hoy un post de hace algún tiempo, con consideraciones que entendemos mantienen su vigencia en el presente. Esperamos poder compartirlo con más amigos y lectores. -------------------------------------------------------- La historia de The Beatles muestra varias etapas en su evolución. Un período inicial que oscila entre el Rock y el Pop, un punto de inflexión entre 1965 y 1966 en que se percibe un viraje hacia rumbos más complejos y mejor elaborados, un período psicodélico en consonancia con la tónica cultural, de la cual supieron convertirse en referentes, una etapa de supergrupo y un final en el que prevalecen las individualidades que buscan sus propios caminos y los inician.
Dentro de todo este proceso se puede ver cómo el aspecto de la complejidad en la elaboración y realización de sus planteos va siendo creciente, de tal suerte que los Beatles que finalmente atraviesan la cebra de su propia historia para aventurarse cada quien por su cuenta, son sumamente distintos de los que iniciaron esa misma historia.
El punto de quiebre se encuentra entre Rubber Soul y Revolver, sobre los que alguna vez se dijo que podrían haber sido los discos 1 y 2 de un mismo álbum. Es singular que muchos estudios sobre The Beatles se centren especialmente en Revolver, un álbum que ha cobrado relieve con el correr de los años, ya que cada vez que se recurre a él, se hallan los gérmenes de la evolución posterior y aparece como banco de pruebas o laboratorio de ideas que tendrán después efectos duraderos sobre la música y la cultura rock posterior. Libros como Abracadabra! The Complete Story Of The Beatles' Revolver, de Ray Newman, o el segundo tomo de Walter Everett, The Beatles As Musicians, por citar dos, ponen el énfasis en lo importante que este álbum fue en la revolución músico-cultural producida por The Beatles.
La música de The Beatles eclosionó e impactó en todas direcciones. No debe haber zona de la música que no haya resultado afectada por tamaña explosión. Los impactos que nos interesa destacar en este post son aquellos que van en dirección del Rock Progresivo, los que han dejado marcas en tantas bandas que se constituyeron luego en los pilares del desarrollo progresivo de la música.
Queremos traer a colación canciones que, a nuestro juicio, convierten a The Beatles en un antecedente neto y claro de la idea de progresivo/a. Pero previamente, revisaremos en términos generales los elementos que emparentan a The Beatles con lo Prog, muchos de los cuales son implementados por ellos mismos por primera vez. [En un post anterior ya tratamos bastante de este asunto].
Cierto es que muchas de estas cosas son compartidas con otras bandas, pero dentro del mundo cultural underground, en el Swinging London, en el panorama más mundial de la psicodelia y la cultura rock, The Beatles supieron catalizar todo y trasmitirlo de modo de marcar tendencia permanentemente y ser así una referencia ineludible de esa misma cultura rock.
1. ALEJAMIENTO DEL FACILISMO, ACEPTACIÓN DEL DESAFÍO DE LA COMPLEJIDAD.
Si bien la música temprana de la banda no es para nada facilista ya que se encuentra llena de sutilezas musicales y de preciosismos armónicos, se basa en una idea más simple que su producción posterior. Lo que sí resultaba facilista era el ámbito del cual provenía aquella música, lleno de bandas pasajeras que deseaban pegar un éxito y se apegaban a las canciones de tres acordes básicos, pegadizas y pasatistas.
The Beatles aceptaron ir subiendo la apuesta y hacer de su música algo cada vez más complejo e investigativo, tanto en la estructura musical como en el perfeccionamiento lírico.
2. LA INCORPORACIÓN DEL ESTUDIO COMO UN INSTRUMENTO MÁS.
Es sabida la historia de por qué dejaron de hacer giras y de actuar en público. Prefirieron poder hacer música antes que ser objeto de adoración en el altar del espectáculo por parte de jovencitas gritonas. Sin poder oir lo que estaban tocando y presentir que estaban sonando muy mal, no podía ocurrirles otra cosa que estancarse y eso es precisamente lo que nunca se permitieron. En cada paso que dieron siempre buscaron incorporar algo distinto. Pues bien, salidos de los escenarios, su lugar fue el estudio de grabación y allí aprendieron a sacarle todo el provecho posible. Lo convirtieron en un instrumento más y lo pusieron al servicio de su creatividad. Aunque rudimentaria, la tecnología implícita del estudio impresionó la música que de allí en adelante saldría de sus sesiones y pasaría a ser indispensable para lograr los resultados. Todos los artilugios técnicos que comenzaron a dominar resultaban - en aquel entonces - imposibles de llevar a la escena. Con esto le dieron un gran espaldarazo a los Ingenieros de Sonido, que llegan a participar del proceso creativo mismo, cuando no los músicos se van convirtiendo también en Ingenieros.
3. CAMBIOS EN LA ESTRUCTURA DE TEMAS Y ÁLBUMES
Los temas del Pop y el Rock, del R&B, del Folk y del Country tenían una estructura muy predeterminada y repetitiva. En la búsqueda del éxito comercial, era muy atrevido afectar la fórmula, alterar los componentes del éxito, dentro de los cuales estaba, sin duda, la estructura de los temas. Estrofa, estribillo y puente eran aspectos compositivos muy poco alterables, garantizaban la buena factura de una canción, a lo que debía unirse una sólida concepción lírica. The Beatles experimentaron con la fórmula, nunca se adscribieron incondicionalmente, sino que exploraron las posibilidades que brindaba. Eso los hizo excelentes creadores de canciones. Pero luego se atrevieron a transgredir la fórmula y explorar la forma. Es decir, buscaron más allá de los límites y expusieron sus hallazgos. Eso los hizo excelentes músicos. En estas búsquedas debemos mencionar que tampoco se pusieron límites en cuanto a los géneros. Transitaron por todos cuantos más pudieron y en la medida de lo posible, los transgredieron. Pero además introdujeron la lógica de la suite que tantos grupos progresivos emplearían, al interrelacionar fragmentos que no habían tenido aún su dearrollo como canción y de esa fusión, sale toda una composición nueva que es más que la suma de las partes.
4. LA LÓGICA DEL SUPERGRUPO
En determinado momento, al término de la breve etapa psicodélica, The Beatles se presentan como renaciendo. Como en todo renacimiento, la vida posterior es distinta a la precedente. Un supergrupo es un ensemble en el cual sus componentes tienen ya una trayectoria hecha y se unen para un nuevo proyecto conjunto, proviniendo cada uno de diversos orígenes. En el caso de The Beatles, la salida del sueño psicodélico y su pasaje por la India, provocaron evoluciones diferentes en cada uno de tal suerte que la banda que se manifiesta en el White Album parece otra respecto a la anterior. Aquí funciona la lógica del supergrupo: cuatro evoluciones propias que confluyen para un proyecto nuevo [el blanco total del inicio, del emerger a una nueva realidad], solo que en este caso los cuatro integrantes provienen de la misma banda anterior. Pero a diferencia de otros casos en los que la banda tiene un viraje pero se mantiene unitaria, en el caso de The Beatles, el proceso lleva a la acentuación progresiva de las individualidades y al rol de acompañamiento de los otros integrantes.
5. LA INCORPORACIÓN DE INSTRUMENTOS, RITMOS Y TRADICIONES CULTURALES EXÓGENAS A SU CULTURA Y GÉNERO MUSICAL
Por una serie de causas que no es del caso tratar aquí, una de las innovaciones musicales estribó en salirse de la estructura férrea del grupo de Pop o de Rock tradicionales. Cinco miembros: Guitarra [o guitarras], batería, bajo, teclado [opcional] y voz. The Beatles respetaron el número en un comienzo, pero la parte más formativa y fundamental de su trayectoria la hicieron en base a cuatro integrantes únicamente. Quizás por eso se habla siempre de un 5º Beatle [como productor y arreglador, como manager o como músico invitado]. Pero desde el principio mostraron versatilidad en cuanto a insturmentos se refiere, especialmente John y Paul, alternando entre las cuerdas y los teclados, o incorporando la armónica o luego el melotrón. George demoró un poco más, pero desde que tomó interés el la cultura oriental, introdujo ritmos y aires musicales que requerían del uso de un instrumento nuevo para ellos, el sitar. Los horizontes culturales se ampliaron y ya no fueron solo una banda para Occidente. Habría también que mencionar el rol de George Martin como arreglador y director de los distintos cuerpos orquestales que acompañan a The Beatles en no pocos temas y a Geoff Emerick en el trabajo de interpretar las intenciones de la banda en cuanto a qué sonido pretendían lograr, en lo cual el Ingeniero de Sonido tuvo un papel relevante.
6. LA INTERRELACIÓN DE LA MÚSICA ROCK CON ÁREAS DE LA CULTURA CIRCUNDANTE, YA SEA DESDE LA LITERATURA COMO DE OTRAS MANIFESTACIONES ARTÍSTICAS.
También en la medida que avanzaron en su trayecto, se empiezan a hacer sentir las influencias de otras manifestaciones artísticas u otros géneros. La alusión a estructuras clásicas de la música son reiteradas. Pero también la influencia de la literatura en muchos textos de las canciones. Asimismo, la inmersión en un ambiente cultural que eclosionaba en los '60, con una generación joven que quiso producir su propio entorno cultural [Swinging London, Psicodelia, Hippies, Flower Power, Underground, Generación Beat, etc] para no parecerse a sus padres sino a sí mismos, pero que no desdeñaron la cultura precedente, sino que la adoptaron selectivamente y sin preconceptos académicos. A ese mundo aluden en pasajes, ya de modo directo por mención, ya demodo indirecto por el clima que desarrollan los temas.
7. LA APROXIMACIÓN A LA VANGUARDIA Aproximación a varias vanguardias, las de principios de siglo, las de la segunda posguerra y las que vendrían [en cuya corriente se embarcaron], lo que equivale a decir aproximación al concepto mismo de vanguardia. Esto significa orientar su creación siempre hacia un lugar más allá de aquel en que se hallan. Esta idea de 'progresiva' y será George Harrison el primero en utilizar este término, seguramente sin saber qué destino correría luego. Previo a la realización del icónico Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, Harrison dijo: 'cualquier cosa que hagamos tiene que ser real y progresiva'. Lo cierto es que The Beatles, habiendo ocupado un lugar de preeminencia desde su despegue imparable de 1963, no se quedaron en la cumbre del éxito a esperar que se les pasara, repitiendo la fórmula, sino que saltaron hacia otros lugares que no siempre garantizarían alcanzar otra cumbre, pero que sí garantizaban moverse, no sumirse en la estática y el inmovilismo de la fórmula exitosa. Así construyeron para sí un lugar de vanguardia desde el que guiaron, casi sin proponérselo, el proceso posterior. Todas las banda progresivas de los '70, de los '90 y del nuevo milenio reconocen que algún tributo pagan a aquella Revolución [la número 1 y la 9 también]. Tras este preámbulo, que quizás pueda haber pecado de extenso, pasemos a nuestra propuesta de temas de The Beatles que anuncian, prefiguran, anticipan o participan de 'lo progresivo'.
Enumeración no exhaustiva que los amigos de ABBEY ROAD pueden completar y enriquecer con sus aportes, sus puntos de vista y sus argumentaciones, todo lo que será muy bienvenido.
1966. El año clave.
De esa maravilla de álbum que es Revolver, nos referiremos a 4 temas:
Eleanor Rigby. Complejidad instrumental nunca vista antes en un tema de la banda, superponiendo capas de los instrumentos y las voces. 4 violines, 2 violas, 2 violoncellos con arreglos de George Martin. La importancia del estudio en tanto la grabación se ralentizó un poco para que pasada a velocidad normal sonara algo más aguda. El carácter narrativo de la letra, un historia condensada en tres simples versos que construye dos personajes bien definidos, literarios, asimilables a la cultura literaria.
Love You To.Primer tema de la banda con sonoridades exóticas, intercambio de matrices culturales incorporando a una banda de rock instrumentos como el sitar y la tabla.
She Said, She Said. La creación de atmósferas, tan cara posteriormente al space rock, en este caso por medio de la inclusión del órgano. Otra vez la tecnología doblando y acelerando ligeramente la voz. Complejidad desde el punto de vista lírico, elevándose poéticamente, con ambiente onírico y hermético.
Tomorrow Never Knows. El tema más claramente progresivo del álbum. Es el trabajo fundamental de estudio de este álbum, por el uso de loops, sonidos de risas, vasos, sitar, guitarras, ralentizados, acelerados o en backwards. El uso de una instrumentación al servicio de lo atmosférico del tema agregando tambura y órgano. La estructura del tema que se basa en un misma nota con reiteración rítmica y con arreglos superpuestos. La base de la lírica en una obra preexistente [en parte textual, como el comienzo Turn off your mind, relax and float downstream, tomado de la versión de Timothy Leary de El Libro Tibetano de los Muertos], que vincula doblemente con la tradición de los Lamas y con la Psicodelia. Las voces que también aparecen procesadas técnicamente responden a al propósito de Lennon de que sonaran especialmente, según pidió, como el Dalai Lama desde los Himalaya.
1967. Las bases del Prog en estado químicamente puro. El Estudio como Laboratorio.
Seis meses de trabajo en estudio conducen a la que ha sido considerada la obra total, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. De ella elegimos:
Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. El comienzo de la ficción que plantea el disco, el concierto de la banda alter ego. El tema sienta los rudimentos del Heavy Rock con sus guitarras ácidas. Jimi Hendrix captó inmediatamente esa esencia y versionó el tema un par de días después de salido el álbum. El estudio se manifiesta en el collage de pistas que se interrelaciona con el tema principal. La instrumentación se potencia orquestalmente con órgano y 4 trompas.
Lucy In The Sky With Diamonds. Siguiendo la huella de Tomorrow Never Knows, Lennon se descuelga con una película musical de imágenes surreales y atmósfera psicodélica. El estudio juega su rol en el procesamiento de la voz. La instrumentación se hace densa y por capas, incluyendo órgano Hammond con un registro especial semejante a la celesta y con sitar.
Being For The Benefit Of Mr. Kite. Nuevamente Lennon tomando texto literalmente, en este caso del cartel de publicidad de un espectáculo circense del siglo XIX. Un gesto bien Pop el de extractar un fragmento de pasado y apropiárselo para resignificarlo artísticamente. Un uso muy neto del objet trouvé, una suerte de ready made, en vínculo con la vanguardia conceptual del arte. El aire circense es bien referido, pero queda claro que este es un circo surreal. A esta atmósfera cooperan los recursos de estudio como los órganos en loops tocados a diferentes velocidades y duplicados y los órganos Hammond y Würlitzer y las armónicas que generan capas sonoras.
Good Morning, Good Morning. Más guitarras ácidas, más instrumentación orquestal [3 saxos, 2 trombones y 1 corno francés] y gran protagonismo del estudio con muchos overdubs de sonidos de animales huyendo ordenados por capacidad de asustar al animal siguiente, todo lo cual da una organización importante dentro de lo caótico que aparenta el conjunto. ¿Anticipo para el Math Rock? Y también un importante juego con el cambio de tempo.
A Day In The Life. Otra pieza arquetípica del mosaico Proto Prog de The Beatles. Para comenzar, la estructura de suite, quizás no buscada inicialmente, pero producto de haber casado dos piezas inconclusas, una de Lennon [I read de news today, oh boy ...] y otra de McCartney [Woke up, got out of bed ...] por medio de una sección orquestal de 24 compases marcados por Mal Evans en el piano por medio de una nota repetitiva y una cuenta regresiva. La orquestación, ideada por McCartney, quien también dirigió a la orquesta de 40 músicos [que aparece doblada en estudio], plantea una secuencia sonora no convencional, signada por la aleatoriedad pero también por una consigna: un crescendo no armónico, a un tempo dispar, en el que cada instrumento debía ascender desde el registro más grave hasta el más agudo. Todos los instrumentos desdempeñan un rol sinfónico y se destaca muy particularmente el trabajo de percusión que pasa de ser una base rítmica a una especie de melodía propia, un fraseo musical de enrome protagonismo. El final sinfónico junta la orquesta en un nuevo crescendo, un armonio y el sonido conjunto de tres pianos de concierto.
Del mismo año fue el
single que está considerado como el mejor de la historia, cuyos temas
son tan equiparables que ambos son cara A, aunque fue el primer single
que no logró alcanzar el número 1 de los charts [el primer lugar lo
ocupó el tema Release Me por Engelbert Humperdinck]. Sin embargo,
Strawberry Fields Forever y Penny Lane perduran en la cultura general de
la gente y el tema de Humperdinck, sin haber caído en el olvido, no
gravita nada actualmente. En realidad ambos temas forman parte del mismo proyecto que Sgt. Pepper, pero debieron salir anticipadamente en forma de single por exigencia del mercado y las discográficas.
Strawberry Fields Forever. Otro tema de densa instrumentación, sinfónico con uso de mellotron, 2 violoncellos, 2 trompas y trompeta contralto. El estudio se manifiesta en los overdubs, en las distorsiones , el uso de disonancias y en el prodigio de haber unido dos tomas que estaban en tonos y tempos diferentes, logrando una transición innovadora pero no discordante. El sinfonismo queda manifiesto también en el segundo final, arrollador y muy delirante. Es muy interesante compara el resultado final con la maqueta del tema que Lennon trajo al estudio, la que había sido compuesta en Almería, durante la filmación de How I Won The War.
Penny Lane. El aporte de McCartney en una línea muy clásica a la vez que innovadora. La parte lírica de este tema, al parecer, estuvo inspirada no solo por los recuerdos liverpoolianos de McCartney sino también por el poema Fern Hill, de Dylan Thomas. El tema se sinfoniza con orquestación de vientos y con contrabajo de arco y flautas [tocados por McCartney, además del bajo] y el solo de trompeta píccolo, un prodigio para el instrumento, tocado por el músico de la London Symphonic, David Mason, a quien McCartney había descubierto viéndolo tocar un Concierto Brandenburgués de Johann Sebastian Bach por TV.
De otro single de 1967 es otro tema importante para este post:
All You Need Is Love. Otro aporte de Lennon, esta vez para la primera trasmisión intercontinental, con The Beatles representando a Gran Bretaña. La orquestación es aquí la clave: 2 trompetas, 2 trombones, 2 saxos, 4 violines, 2 violoncellos y acordeón, además de la banda, hacen de este tema un anticipo de las experiencias con orquestas sinfónicas que vendrían enseguida [Moody Blues, Deep Purple]. El sentido orquestal y sinfónico se desenlaza al finalcon un clímax en que los intrumentos superponen múltiples líneas melódicas.
De 1967 también es Magical Mystery Tour, otro proyecto psicodélico que contiene uno de los temas más progresivos der la banda:
I Am The Walrus. También posee una estructura sinfónica y de suite. Sinfónica por la instrumentación sumamente densa [mellotron, 8 violines, 4 cellos, 3 trompas, además de los instrumentos propios de la banda] y de suite porque también alterna partes donde se operan cambios de tempo. El texto es surreal y de inspiración varia [Lewis Carroll, por la inspiración fundamental en la Historia de la Morsa y el Carpintero; William Shakespeare por el recitado final de El Rey Lear y Edgar Allan Poe por la mención expresa en la letra]. Pero asimismo es de un permanente juego por aliteraciones permanentes [I am he as you are he as you are me; Corporation T-Shirt, stupid bloody tuesday; Mister city policeman sittin pretty little policemen; Crabalocker fishwife, pornographic priestess; Expert texpert chocking smokers don't you see the joker's laughs at you, entre otras] lo que confiere musicalidad al texto en sí aunque se lo diga sin música. A esto sumemos los overdubs, los loops, el procesamiento de las voces y los coros de la sección final, 6 voces masculinas haciendo el oompa, oompa y 6 voces femeninas haciendo el everybody's got one! para completar el panorama de una compleja trama que anuncia tiempos nuevos en la música.
1968. El desdoblamiento en múltiples direcciones del White Album.
El White Album podría llevar el título del cuento de Cortázar El Jardín de los Senderos que se Bifurcan. No solamente los temas difieren estilísticamente sino que se abren múltiples líneas personales. De aquí seleccionamos:
Dear Prudence. Un tema que parece sencillo pero que es un ejemplo de progresión en compejidad. Lo que era un tema para animar y levantar el espíritu de la hermana de Mia Farrow, Prudence en el Ashram del Maharishi en Rishikesh, India, se convirtió en una pieza de estructura con superposición de capas instrumentales. El comienzo solamente contempla guitarras, luego aparece la voz doblada, se incorpora el bajo de a un nota, le sigue la batería con el bajo ahora con un fraseo, aparecen los coros, se suman guitarras, aparece un contrapunto entre el bajo y las guitarras, la percusión se complejiza, se incorporan teclados y se desarrolla un contrapunto entre la voz y las guitarras. Todo el tema es un progresivo crescendo que alcasnza un clímax que se resuelve con un rápido anti clímax.
Glass Onion. En este tema hay que destacar el rol sinfónico de los instrumentos, la superposición de capas sonoras y la orquestación. En el aspecto lírico, es un muestrario autorreferencial, ya que mira hacia atrás en la obra Beatle, y realiza permanentes autocitas [Strawberry Fields, the walrus, Lady Madonna, the fool on the hill, fixing a hole], nuevo uso de objets trouvés como ready mades y resignificación.
Hapiness Is A Warm Gun. Otro tema con estructura de suite que conjunta tres temas diferentes [She's not a girl who misses much ...; I need a fix 'cause I'm going down ... y Hapiness is a warm gun ...] y que presenta, por lo tanto, cambios de tempo y ritmo. También está la crreación de atmósferas con el uso de guitarras ácidas y asimismo el irónico uso de la parodia de formas musicales como el doo woop [los coros haciendo shoop shoop doo woop]
Piggies. Aires clásicos mozartianos, instrumentación en base a clavicordio y cuerdas, pero también overdubs, loops yvoz procesada.
Helter Skelter. El primer tema de Heavy Rock en su totalidad con guitarras ácidas y sinfónicas e instrumentación compleja. Un tema que en su primera versión duraba entre 24 y 27 minutos y que fue acortado por obvias razones. Según McCartney se propuso hacer el rock más fuerte, desagradable y sucio que pudiera. Icónico.
Cry Baby Cry. Aquí señalamos la instrumentación compleja, agregando armonio, piano y órgano, además de overdubs. El tema teien un crescendo en intensidad, desde la casi desnuda voz de Lennon al principio a la textura sonora del final. La percusión no solamente acompaña sino que genera micro temas rítmicos.
1969. El desenlace. The Beatles se disuelven pero nace el Prog Rock.
En este año se grabaron dos discos y se compuso del material de otro que se postergó para el año siguiente.
Yellow Submarine incluye un par de temas que podemos considerar aquí:
Only A Northern Song. La clave está en los arreglos y overdubs y en el uso de instrumentos discordantes, es decir, no afinados entre sí, usando medidas disonancias.
It's All Too Much. Un tema de estructura sinfónica con capas superpuestas e instrumentación compleja.
Sin duda que el álbum de 1969 es Abbey Road y en él encontramos algunas buenas partes ya rayanas en el naciente Progresivo ese mismo año.
In Want You [She's So Heavy] Muy buen ejemplo por la progresividad der su evolución como tema, con una atmósfera densa, un clima oscuro, un cierto aire heavy, con superposición de capas y overdubs. En este tema ya emplean un instrumento que venía ganando terreno y que será una de las estrellas del Prog, el sintetizador. Pero las novedades técnicas no paran allí, sino que también incluyeron un generador de ruido blanco [ruido aleatorio que posee la misma densidad espectral de potencia a lo largo de toda la banda de frecuencias]. El tema también tiene estructura de mini suite [I want you, I want you so bad ...; She's so ... heavy!]
Medley final de Abbey Road [desde You Never Give Me Your Money hasta The End]. Estructura totalmente deliberada de suite, uniendo una serie de fragmentos de temas inconclusos en una suerte de collage o cadáver exquisito musical. La instrumentación varía de un fragmento a otro, cambian los tempos y ritmos, hay orquestaciones y ciertos tonos épicos, en un crescendo global que asciende hasta el clímax de And in the end ... para dar paso a un rápido descenso al anti clímax por medio del ...the love you take is equal to the love you make ... Detalle que por conocido no es menos significativo. En el corte final del álbum intervino el azar. En la secuencia original el micro tema Her Majesty venía inmediatamente después de Mean Mr. Mustard y antes de Polythene Pam. Se dicidió cortarlo y descartarlo. A tales fines [ya que en EMI no se tiraba nada] se pegó el snipett al final de la cinta con la indicación de que no iba. Cuando se hizo el master, por alguna razón se obvió la indicación y Her Majesty quedó incluida al final del disco con un espacio de silencio algo mayor al común, algo así como un antecedente de las hidden tracks. El acorde que se oye al principio de Her Majesty no pertenece al tema, sino que es una ínfima parte del final de Mean Mr. Mustard. Pero escuchado como está en el disco parece un magnífico comienzo. En la edición original de Abbey Road Her Majesty ni siquiera quedó acreditada en el setlist, hecho que fue reparado en ediciones posteriores. El azar incluyó lo que la necesidad había descartado.
De 1969 proceden los temas que conforman el álbum Let It Be, cuando todavía era el proyecto Get Back [enero de 1969]. Todo ese material durmió un año largo hasta que fue editado en mayo de 1970 como el canto de cisne de la banda. De Let It Be señalemos:
I've Got A Feeling. También es un tema con formato de mini suite, al yuxtaponerse y luego entremezclarse dos temas diferentes en potencia sonora, en estilo de voz y en intensidad emocional. Un tema es el de McCartney [I've got a feeling, a feeling deep inside ...] de gran fuerza y sonido rockero, duro y potente guitarra. Otro es el de Lennon [Everybody's had a hard year ...] melódico, más armónico, más sosegado. Curiosa contraposición que denota cuán distintos era a esa altura los integrantes de la dupla compositora más famosa. Pero también el hecho de que entrelazaran los dos temas muestra como seguían siendo capaces de crear juntos, aunque fuera por última vez.
Seguramente los amigos de ABBEY ROAD podrán aportar muchos más ejemplos ya que, afortunadamente, lo que uno no ve [u oye en este caso] otro es capaz de hacerlo.
De cualquier forma, queremos terminar este post realzando un aspecto que el tiempo ha puesto de relieve: en todos estos temas hay un magnífico trabajo de percusión que demuestra la gran calidad de baterista de Ringo Starr, quien no necesitó de hacer intrincados solos de batería para demostrar su fundamental rol en la banda más famosa del mundo, la banda que lo cambió todo. Baste citar Tomorrow Never Knows, A Day In The Life, I Am The Walrus o Good Morning Good Morning, por nombrar alguno, para tomar cabal noción de su estatura artística.
Les dejo un video que sirivió de introducción a la ceremonia en la cual Ringo Starr fue inducido al Rock'n'Roll Hall of Fame hace muy poquito, salvando así una injusticia histórica. Ahora The Beatles como banda y Lennon, McCartney, Harrison y Starr individualmente, están debidamente consagrados. En el video varios bateristas se refieren a las virtudes de Ringo y a cómo los ha influido como ejecutantes del instrumento. En 3 minutos aparecen dando testimonio y rindiéndole homenaje, bateristas como Max Weinberg [E Street Band], Ahmir Thompson [The Roots], Dave Grohl [Nirvana, Foo Fighters], Jim Keltner [Traveling Wilburys, John Lennon, George Harrison, Ringo Starr y un sinfín más], Stewart Copeland [The Police, Curved Air], Tré Cool [Green Day], Chas Smith [Red Hot Chili Peppers], Taylor Hawkins [Foo Fighters] y Abe Laboriel Jr. [Paul McCartney]. Si el video está desactivado, puede verse en YouTube, siguiendo el link https://www.youtube.com/watch?v=cqeBt5ZO4mU
Bien, amigos de ABBEY ROAD, llegamos al final del post. Esperamos los comentarios y aportes.
Los grandes siguen produciendo y creando y nosotros estamos agradecidos por ello. Durante 2017 ya han aparecido novedades verdaderamente impactantes.
Vayamos por partes:
Steve Hackett - The Night Siren
Aparecido a fines de marzo, continúa la línea que venía de Wolflight [2015], tanto que parecen dos volúmenes de un mismo álbum.
Editado por InsideOut, para Sony, presenta al siempre prolífico Steve Hackett en guitarras y voces con un impresionante elenco de músicos acompañantes, tales como: Roger King en teclados y programación, Nad Sylvan en voces, Rob Townsend en todo tipo de instrumentos de viento, Amanda Lehmann en voces, Gary O'Toole en percusión, Benedict Fenner en teclados y programación, Kobi y Mira en voces, Nick D'Virgilio en percusión, Malik Mansurov en tar [laúd persa], Gulli Breim en percusión, Christine Townsend en violín y viola, Dick Driver en doble bajo, Troy Donockley en gaita celta y Leslie Bennett en teclados.
Cosechó 3.77 en Progarchives, casi igual que su antecesor Wolflight.
Big Big Train - Grimspound / The Second Brightest Star
Grimspound
The Second Brightest Star
Esta extraordinaria banda británica se ha despachado por partida doble este año, manteniendo la línea iniciada en Folklore, de 2016.
La alineación de estos álbumes es semejante a la de Folklore:
David Longdon en voz principal, flauta, melódica, guitarras, banjo, piano, celesta, sintetizador, mandolina, laúd y percusión; Dave Gregory en guitarras eléctrica y de 12 cuerdas; Andy Poole en guitarra acústica, teclados y coros Rikard Sjöblom en guitarra, teclados y coros Danny Manners en teclados y doble bajo Rachel Hall en violín, viola, cello, coros y arreglos de cuerdas Greg Spawton en bajo y coros Nick D'Virgilio en percusión y coros.
Obtuvieron en Progarchives 4.25 y 3.93 respectivamente.
The Tangent - The Slow Rust Of Forgotten Machinery
Andy Tillison y su banda por la vuelta. Su anterior álbum había sido editado en 2015.
La alineación de este álbum trae viejos conocidos:
Andy Tillison en voces, teclados y percusión Luke Machin en guitarra, voces y producción Marie-Eve de Gaultier en teclados y voces Theo Travis en saxo y flauta Jonas Reingold en bajo y doble bajo Lo encontrás aquí. Progarchives lo tiene con 4.03
Steven Wilson - To The Bone
La más reciente aparición. Salido esta semana, muy esperado tras el extraordinario Hand.Cannot.Erase de 2015, Wilson nos trae una obra atractiva y con novedades respecto a su línea anterior, al menos en algunos temas.
Como siempre se encarga de la guitarra y la voz principal y se acompaña de un selecto número de músicos:
Ninet Tayeb en voces [cantante israelí de tremenda voz] Sophie Hunger en voces [cantante y música suiza de jazz pop] David Kollar en guitarras Mark Feltham en armónica Nick Beggs en bajo y chapman stick Adam Holzman en teclados Craig Blundell en percusión Jeremy Stacey en percusión Lo podés conocer acá. Recién salido, tiene 3.35 en Progarchives. Hay material suficiente para disfrutar descubriendo nuevos sonidos en álbumes de calidad que garantizan todos ser muy interesantes, aunque quizás alguno no sea mejor que los anteriores de estos artistas. No obstante, podemos esperar un cierto nivel de calidad que no decepcionará, seguramente. Volveremos cuando haya más novedades.
Noviembre es el mes del aniversario de nuestro blog. Si bien hemos estado algo remisos durante el presente año en publicar posts, ello se ha debido a que hemos orientado muchos esfuerzos a un proyecto del que, en breve, daremos noticias.
Entretanto, hemos estado atentos a novedades, apariciones de discos y el post de hoy se orienta en ese sentido.
Dos muy buenas novedades queremos presentar a los amigos de ABBEY ROAD. La primera, relativa a una banda británica muy joven que comenzó llamándose Synaesthesia pero que actualmente varió su denominación a Kyros. El motivo fue la similitud de nombre con otra banda, lo que llevó a que se produjera el cambio de nombre, pero no de estilo o calidad musical. Aquí podés obtener información sobre esta banda.
Kyros, ex Synaesthesia, banda joven británica, con marcado liderazgo del veintañero multi instrumentista Adam Warne
En 2014 ya habían figurado entre los candidatos a los Progressive Music Awards que confiere la prestigiosa publicación Prog, en la categoría Limelight, es decir aquellos grupos que se encuentran en ascenso y con popularidad. Para ese entonces ya había publicado su primer álbum [homónimo], una muestra muy notable del talento de estos jóvenes.
El 5 de noviembre pasado se dio a conocer el segundo álbum, en este caso doble, titulado Vox Humana, ya bajo el nombre de Kyros, que no hace sino confirmar lo promisorio de esta banda, así como demostrando logros ascendentes. Muy recomendable.
Portada del doble álbum Vox Humanaaparecido hace menos de una semana
Aquí podés acceder a la breve pero rica y estimulante discografía de esta banda.
Y ya que estamos con álbumes dobles, en el día de hoy apareció oficialmente el más reciente opus de un experimentadísimo músico de trayectoria de varias décadas, el ex Spock's Beard Neal Morse [partícipe de tantos proyectos como Transatlantic, Yellow Matter Custard o Flying Colors]. Este disco se integra en la modalidad más reciente de su trayectoria solista de más de 15 años, bajo la forma de The Neal Morse Band, en la que militan viejos conocidos, como el increíble Mike Portnoy en percusión, el incombustible Randy George en bajo y los excelentes Eric Gillette en guitarra y Bill Hubauer en teclados. Salvo Randy George, los otros, además llevan adelante la parte vocal, con un desarrollo armónico de altísimo nivel.
El álbum, como ya dijimos, doble, se titula The Similitude Of A Dream y se convertirá sin duda en pieza antológica del Prog Rock así como en un muestrario de guiños e influencias variadas que van desde The Beatles hasta el Metal Progresivo. Una obra para disfrutar, en la cual es protegonismo de Morse no opaca ni eclipsa a los aportes de cada uno ni impide que ese protagonismo vaya variando y circulando por instrumentos y voces en beneficio de un producto conjunto, sólido, coherente, creativo, imaginativo, realizado con maestría.
Esperamos que las novedades les aporten buenos momentos musicales y descubrimientos agradables.
Por lo demás, agradecemos a los amigos que visitan ABBEY ROAD, que dejan sus mensajes y sus aportes. Todo ello estimula a mirar hacia adelante, al menos por seis años más.
La banda cubana de Prog Rock Sinfónico Anima Mundi editó el pasado 28 de abril su quinto álbum de estudio desde que irrumpió en la escena Prog en 2002.
Sin soporte de grandes sellos editores, en una realización propia y a pulmón, como ha sido su trayectoria en un medio difícil para el Rock, la banda entrega este trabajo titulado I, Me, Myself que consta de tres extensas suites y tres temas que se desarrollan a lo largo de una hora.
El setlist es el siguiente:
1. The Chimney, the Wheel and the War (18:02) Act I - Lullaby Act II - Round and Around Act III - Acid Skies Act IV - Wolf Affairs 2. Somewhere (10:48) Act I - Toccata Act II - Where Chaos Sleeps 3. Flowers (6:01) 4. Clockwork Heart (4:08) 5. Train to Future (15:11) Act I - Midnight Express Act II - Bridge to the Unknown Act III - I was the One 6. Lone Rider (7:22)
La banda está integrada por varios miembros ya históricos, como lo son Roberto Díaz en guitarras, Virginia Peraza en teclados, Yaroski Corredera en bajoy José Manuel Govín en percusión, a quienes se unieron en esta oportunidad Michel Bermúdez en vocales, teclados, guitarra y percusión y Marco Alonso en percusión y saxo.
Un material que promete mucho a primera oída y que ha recibido 4.15/5 como calificación en Progarchives.
A pesar de que no hay buenos registros fílmicos, traemos hoy un concierto que fue antológico y que muestra en todo su potencial a la que, a nuestro juicio, fue y es la más grande banda argentina de todos los tiempos. Dueños de una creatividad explosiva y con uno de los íconos del Rock Argentino como Charly García, fueron capaces también de exquisitas sutilezas y refinadas composiciones que los pusieron a la cabeza del mundo rockero argentino.
Charly venía de su experiencia con La Máquina de Hacer Pájaros y encuentra en Brasil a David Lebón. Juntos comienzan un proyecto que, al volver a Argentina e incorporar la magia multiinstrumental de Pedro Aznar y la fuerza en la percusión de Oscar Moro, se pone en marcha.
Aznar, Lebón, García y Moro, una formación inalterable
En 1978 editan el primer disco, homónimo, que ya contenía temas enormes como Eiti Leda y Seminare, por ejemplo. No tuvieron todavía enorme repercusión, ya que a Charly todavía se lo asociaba con sus antecedentes más folk. Pero pronto lograrían una presencia y difusión más notorias.
En 1979 apareció el álbum que los impulsó definitivamente, La Grasa de las Capitales, donde aparecen temas como el que da título al álbum o Viernes 3 AM.
Al año siguiente llega el álbum que se considera el pico más alto de su creación, Bicicleta, en donde casi todos los temas se convirtieron en clásicos de la banda: A los Jóvenes de Ayer, Cuánti Tiempo más Llevará, Canción de Alicia en el País, Mientras Miro las Nuevas Olas, Desarma y Sangra o Encuentro con el Diablo.
El siguiente álbum, de 1981, no se quedó atrás. De allí salieron unos cuantos clásicos más: Peperina [que da nombre al álbum], Parado en Medio de la Vida, Esperando Nacer, Cinema Verité, En la Vereda del Sol y Salir de la Melancolía.
Ese fue propiamente el último álbum de la banda, ya que al año siguiente Pedro Aznar partió de Argentina y de la banda para unirse al grupo del célebre Pat Metheny. Serú Girán, que mantuvo siempre la misma formación, se disolvió como proyecto en 1982, no sin antes hacer dos grandes conciertos despedida en el Estadio de Obras Sanitarias, el 6 y 7 de marzo que se convirtieron en míticos. Fue la oportunidad para estrenar un tema que, no por aparecer al final de la trayectoria de Serú Girán queda relegado sino, por el contrario, se incorpora emblemáticamente a su repertorio. Es No Llores por mí, Argentina, tema que, a su vez, dará título al único álbum en vivo que la banda editó en ese período y que sirvió de brillante cierre a esa etapa.
Diez años después, los mismos músicos se reunieron para editar un nuevo disco, que sería Serú '92 y que, sin embargo, no logró revivir la magia. Pero ésta reapareció en sus apariciones en vivo que, no obstante, fueron solo dos: la primera, el 27 de diciembre, en el Estadio Centenario de Montevideo, Uruguay y la otra, en el Estadio Monumental de River Plate en Buenos Aires, Argentina. Precisamente del concierto en River traemos el registro fílmico, que proviene de la trasmisión televisiva que realizara entoces Canal 13.
lo encontramos en tres partes, que aquí van
Con respecto al setlist, hay alguna diferencia que, suponemos, se debe a que la trasmisión de televisión abarcó hasta el primer bis. Pero los amigos de setlist.fm, el repositorio más completo de setlists de conciertos, señala que hubo otro bis, este no televisado, seguramente por la ya larga extensión del concierto en sí. El total de las tres partes del video tiene una duración cercana a las 2 horas y media.
No obstante, la propia página setlist.fm provee videos de algunos de los temas del segundo encore. Hay cuatro que son tomados de este concierto. Tres de ellos son filmaciones amateur [de un valor documental incalculable, dado que son imágenes de hace 20 años, cuando filmar en un concierto era excepcional] y la otra es la pista de audio del concierto con la imagen fija de la entrada para aquel memorable evento.
En 2013 hubo una nueva reunión de la banda en el marco del Festival de Cosquín, pero en esa oportunidad ya sin Moro en la batería, ya que el célebre percusionista rosarino falleció en 2006, no sin antes haber tocado prácticamente con todos los grandes y legendarios músicos argentinos, desde Litto Nebbia y Los Gatos hasta Nito Mestre, pasando por Color Humano, La Banda de los Caballos Cansados de León Gieco, Alejandro Lerner, Pappo y muchos más.
Considerados muchas veces como los Beatles Argentinos, no creemos que le haga justicia que quede la impresión de émulos que tal rótulo implica. Resultaría más aceptable si refiriera a la importancia y gravitación de sus integrantes en la escena rock argentina. Creemos que lo más destacable de Serú Girán siempre fue su originalidad y su capacidad para navegar por los géneros entre los extremos del Rock'n'Roll clásico y el Progresivo.
Esperamos que disfruten a pleno este documento que ha sentido el paso de los años, desde el punto de vista técnico, así como también las limitaciones de comienzos de los '90 en video y TV, en una era pre digital.
