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miércoles, 29 de octubre de 2014

GRANDES PERFORMANCES [XXXIV]: Ian Anderson, Thick As A Brick I & II Tour, Fort Myers, Florida, USA, 24/09/2012

En 2012 Ian Anderson reanudó su carrera solista, dejando en impasse a Jethro Tull. Ese fue el año del lanzamiento de su 5º álbum como solista, Thick As A Brick2: Whatever Happened To Gerald Bostock? 

Asimismo, dio comienzo a una gira mundial que llevó íntegras a escena las dos partes de Thick As A Brick, la primera de 1972 de Jethro Tull y la segunda de cuarenta años después de Ian Anderson.


La formación de TAAB I & II [Hammond, Anderson, Goodier, Opahle, O'Hara y O'Donnell] listos para hacer la introducción de la presentación

Esta gira arrancó el 14 de abril de 2012, en el Concert Hall de Perth, Escocia y terminó 20 meses después, el 21 de noviembre de 2013, en Palák Lucerna Velký Sál de Praga República Checa.

Fueron en total 163 conciertos, en 27 países de 3 continentes [Europa, América (Norte y Sur) y Asia. 
Así hubo: 
  • 40 conciertos en USA [Miami, Fort Myers, Richmond, Newpoert, Uncasville, New York (3), Atlantic City, Newark (2), San Diego, Long Beach, Salt Lake City, Denver, Catoosa, Grand Prairie, Houston, Nashville, Milwaukee, Chicago, Akron, Las Vegas, Los Angeles, San Francisco, Phoenix, Salina, Kansas City, St. Louis, Vienna, Philadelphia, Cleveland Heights, Cincinnati, Indianapolis, Highland Park, Westbury, Boston, Portland, Merrillville y Tacoma].
  • 29 conciertos en Alemania [Stuttgart, Augsburg, Berlin (2), Hamm, Aurich, Siegen, Mannheim, Nuremberg, Dreden, Alsfeld, Hirsau, Osnabrück, Paderborn, Bremen, Gronau, Chemnitz, Ulm, Leipzig, Rostock, Heilbronn, Bonn, Mainz, Munich, Zweibrücken, Freiburg, Dortmund, Braunschweig y Kiel]
  • 20 conciertos en el Reino Unido [Perth, Glasgow, Newcastle, Liverpool, Sheffield, Blackburn, Manchester, Derby, Ipswich, Londres (2), Bristol, High Wycombe, Birmingham, Oxford, Reading, Surrey, Cardiff, Southampton y Exeter]
  • 7 conciertos en Canadá [Montreal, Hamilton, Toronto, Windsor, Winnipeg, Edmonton y Calgary]

En escena, en acción

  • Otros 7 conciertos en España [Madrid, Córdoba, San Feliú de Gixóls, Barcelona, Zaragoza, Málaga y San Sebastián]
  • 6 conciertos en Austria [Kufstein, Klam, Wiesen, Vienna, Graz y Linz]
  • 5 conciertos en Italia [Turín, Milán, Lucca, Roma y Módena]
  • 4 concieertos en varios países: Suiza [Zurich (2), Montreux y Basel], Rusia [Moscú, Krasnodar, Rostov-on-Don y San Petersburgo], Finlandia [Helsinki, Lahti, Turku y Tampere], Dinamarca [Struer, Frederiksberg, Copenhagen y Aarhus], Noruega [Skien, Bergen, Vika y Oslo], Brasil [Porto Alegre, San Pablo, Belo Horizonte y Olinda] y Japón [Osaka (2), Tokio y Kawasaki].
  • 3 conciertos en Holanda [Amsterdam, Groningen y Tilburg], República Checa [Karlovy Vary, Brno y Praga] y Argentina [Córdoba, Rosario y Buenos Aires]
  • 2 conciertos en Francia [Amnéville y París] e Israel [Haifa y Tel Aviv]
  • 1 concierto en varios países: Bielorrusia [Minsk], Islandia [Reykjavik], Luxemburgo [Beaufort], Hungría [Budapest], Chile [Santiago], Bélgica [Bruselas], Turquía [Estambul] y Polonia [Zabrze].
El concierto que traemos hoy es el correspondiente al realizado en el Barbara B. Mann Performing Arts Hall, Fort Myers, Florida, USA, del 24 de setiembre de 2012.






Entre las dos partes del Thick As A Brick I [cada una de ellas dura más de 20 minutos de corrido], Anderson realiza una pequeña performance con intervención de algún caballero de la platea para promocionar el examen periódico de próstata como método preventivo contra el cáncer, bajo el lema de 'Now, save a life ... could be yours'. También incluye en la primera parte una intervención grabada de Ana Phoebe, simulando una conexión vía Skype, para que los acompañe en la parte más recordada de la larga suite.


Publicitario de TAAB I & II, para el concierto de Estambul, Turquía.

El setlist es sencillo: las dos obras íntegras, en el orden en que van, más un plus al final, en el Encore, en que toca Locomotive Breath, clásico infaltable.
 


El line up está compuesto por Ian Anderson [flauta, guitarras, voz], Florian Opahle [guitarras], David Goodier [bajo], John O`Hara [teclados], Scott Hammond [percusión y batería] y Ryan O'Donnell [voces auxiliares]. A estos se agrega, como ya dijimos, como invitada, Ana Phoebe aunque su presencia es virtual en el escenario.

Esperamos que les guste mucho, ya que es muy disfrutable.

Nos encontramos pronto





sábado, 25 de octubre de 2014

HISTORIA BEATLE [XIX]: ENCUENTRO EN ALMERÍA. Lennon, el Profesor de Inglés y las letras de las canciones.

Almería, España, setiembre de 1966. John Lennon llegó procedente de Alemania, vía París al sur de España, para continuar con la filmación que desde principios de ese mes se estaba realizando para el film dirigido por Richard 'Dick' Lester, How I Won The War.

Cartagena, Murcia, España, 1966. El profesor Juan Carrión Gañán practicaba un método de enseñanza del inglés poco ortodoxo para su tiempo, pero sin duda adelantado al mismo, que basaba parte del aprendizaje en la audición de la lengua inglesa hablada, o mejor dicho, cantada, ya que, siendo gran seguidor de The Beatles desde sus años de estudio de Oxford, utilizaba los textos de sus canciones para que sus alumnos se familiarizaran con la lengua. El único inconveniente era que era poco probable en aquel entonces que se pudiera disponer de las letras impresas en los álbumes y no había medios de comunicación o de difusión al alcance para buscarlas. De modo que el buen señor Profesor pasaba algunas noches sintonizando Radio Luxemburgo, en onda corta y grabando canciones de The Beatles que luego transcribía para poder usar los textos en sus clases. De cualquier forma, algunos baches quedaban y a menudo las letras las tenía incompletas.


El Profesor Juan Carrión, hoy octogenario, continúa con sus enseñanzas del inglés por medio de la música Beatle.

En setiembre de 1966 se enteró de que Lennon estaba en España para la filmación de How I Won The War y concibió lo que podría ser una loca quimera: ir a Almería, meterse en el set de filmación y hablar con Lennon. ¿Por puro fan de la banda? No. Su propósito era que Lennon le ayudara a llenar los baches de sus letras transcriptas de oído y pedirle que en adelante se las incluyera en los álbumes, ya que eran de inestimable ayuda en la enseñanza de la lengua inglesa. Seguramente también para conocerlo, pero no como un adolescente fanático sino ya como un hombre en la treintena.


El viaje que realizó Carrión de Cartagena a Almería, distantes unos 200 kms. por ruta, señalando la playa donde se realizaron la mayor cantidad de las filmaciones de How I Won The War.

Lo cierto es que el Profesor Carrión realizó el viaje de Cartagena, Murcia a Almería, Andalucía con el fin de llegar a Lennon y lo consiguió. Logró tener una entrevista personal con el Beatle y plantearle su inquietud, a lo que aparentemente John habría accedido. Lo cierto es que el siguiente álbum de The Beatles, el Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, presenta en toda su contraportada las letras de los temas que componen el álbum. Si es consecuencia de la reunión entre Juan Carrión y John Lennon, es difícil de precisar, pero seguramente cuando decidieron incluirlas habrán notado que estaban satisfaciendo el pedido del Profesor. De hecho, Lennon le envió a Carrión una copia del Sgt. Pepper... cuando este se hubo editado.


El Profesor Carrión con su ejemplar de Sgt. Pepper..., enviado especialmente por Lennon y con la letras en la contraportada.

Esta historia, tan singular como lineal, de hace casi medio siglo, ha dado pie a varias novedades por estos años que remiten de modo diferente a los hechos antes narrados.

En 2013 el director cinematográfico David Trueba realizó un film en el que, sobre la base de la historia real, compone otra en la que se da cuenta muy bien del clima de los años '60, de la influencia de la música joven de entonces y de la de The Beatles en particular y en especial del soplo de aire que significaba eso en la España de los comienzos del final del franquismo. El film se llama Vivir es fácil con los ojos cerrados [TVE/Canal+, 2013] haciendo mención a la línea de la canción Strawberry Fields Forever, que Lennon escribiera precisamente en Almería.


Afiche del film de David Trueba, ganador de 6 Goyas en la edición 2014, que se basa en el episodio del encuentro de Lennon con el Profesor de Inglés.

Ganadora de 6 de los 7 premios para la que estaba nominada en los Premios Goya el pasado 9 de febrero, el film se llevó los más importantes premios del evento [Mejor Película, Mejor Dirección (David Trueba), Mejor Actor protagonista (Javier Cámara), Mejor Actriz revelación (Natalia de Molina), Mejor Guión original (David Trueba) y Mejor Música original (Pat Metheny)]. Si bien el guión se toma algunas licencias respecto a la historia original y le agrega otros tópicos, da cuenta cabalamente del episodio y convierte toda la historia en una suerte de road movie cuyos protagonistas como en las historias basadas en viajes salen a la búsqueda de algo que haga la diferencia en sus vidas.





El film resulta sumamente interesante y muestra hasta qué punto la cultura rock está metida en la historia individual de las personas con diversas significaciones. Toda la realización está hecha a gran nivel en calidad, aunque no necesite de grandes costos de producción. Una película gratificante de ver que no tiene necesidad de historias sórdidas para tocar la fibra sensible del espectador ni tampoco de meldramas lacrimógenos que dan golpes bajos a la emotividad. Tan solo una simple historia humana, redondeada, bien contada, sobria en su realismo, realzada en su humanismo.

Al momento de hacer la serie de posts sobre el cine Beatle, no teníamos conocimiento de esta nueva película [estrenada en octubre de 2013]. Deberíamos incluirla en el post correspondiente a los filmes de inspiración beatlesca o de historia beatle, ya que este está a medio camino: narra una historia que verdaderamente ocurrió involucrando a un Beatle, pero la puebla de elementos de ficción, al punto de que el Profesor del film se llama Antonio San Román, en lugar de Juan Carrión y las vicisitudes del viaje son más novelescas que el viaje real. De modo que por lo ficticio podría estar entre los filmes de inspiración beatlesca y por la base real de la historia en los de historia Beatle.


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Aquí tenés una serie de links para obtener torrents de la película.

Versión 1.
Versión 2.
Versión 3.
Versión 4.
Versión 5.

NOTA DEL 28/10/2014: Ante el pedido de una amiga lectora, que figura en los comentarios de este post, hemos deshabilitado los links que estaban aquí. No obstante, es de dominio público que se puede acceder a través de Google a esos y muchos más. No alentamos la distribución ilegal de material, pero reivindicamos el derecho de tener acceso a los bienes culturales, especialmente cuando son buenos y valederos aportes. No nos mueve ningún tipo de motivación comercial al respecto, tan solo la mejor difusión de aquello que consideramos valioso. Seguramente que si los materiales divulgados son buenos, motivarán que cada quien sienta la necesidad de adquirir la versión oficial con todos los agregados y beneficios que ellos traen, aunque en muchas ocasiones los mercados locales sean bastante reducidos, lentos y tardíos en permitir el acceso a las novedades.
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De cualquier forma, no fue este el único fenómeno vinculado con ese hecho de la que podemos llamar micro historia, un episodio muy puntual aunque, como ya dijimos, pueda haber entrañado alguna consecuencia más grande.

Sobre finales de 2013 se publicó un libro de investigación y semi biográfico acerca de este episodio, escrito por el también Profesor y periodista Javier Adolfo Iglesias, bajo el título de Juan & John. El Profesor y Lennon en Almería para siempre. [Ed. Círculo Rojo, 2013]. El libro, como es de esperar se centra en narrar la historia real, que difiere de la contada en el film en aspectos laterales, no en lo esencial de los hechos. Claro que, si el film se centra más en las historias de los personajes vinculadas por la visita del Profesor a Lennon, este libro se centra totalmente en esa visita y sus vicisitudes.


Portada del libro de Javier Adolfo Iglesias editado a fines de 2013, que relata el encuentro del Profesor Carrión con John Lennon en 1966.

Transcribimos un párrafo de lo expresado en un blog que trató el asunto 

No he visto la película de David Trueba, Vivir es fácil con los ojos cerrados, y no puedo por tanto saber cuánto se aparta de los hechos reales que Javier Adolfo Iglesias tuvo ocasión de contarle; a saber: que cuando Juan Carrión tuvo noticia de que John Lennon estaba en la cercana Almería no dudó en ponerse en camino, que llegó en autocar, solo, que tardó una semana en conseguir una cita con el cantante y que se retrasó porque no supo encontrar el lugar en el que habían quedado; que le mostró al músico los textos de las canciones tal cual los había transcrito, para que los corrigiera y completara, y que Lennon, que usaba por primera vez unas gafas de montura redonda como parte de la caracterización de su personaje en la película, se puso a la tarea de buen grado, complacido de que los chavales españoles aprendieran inglés a partir de sus textos; que Juan le sugirió que los discos de la banda deberían incluir las letras de las canciones, y que John estuvo de acuerdo, de manera que su siguiente álbum, ni más ni menos que el Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, apareció ya con las letras impresas en su funda, siendo el primero en la historia del pop-rock en que tal cosa sucede. [Juan Herrezuelo. Blog Los Pasadizos del Loser]

Aquí podés ver un documental hecho por el propio Javier Adolfo Iglesias acerca del Profesor Carrión en parte de su investigación para lo que sería luego el libro.




Las diferencias con el film son varias, pero sobre todo hacen a lo novelesco del asunto y a poder pintar con mayor eficacia los principales trazos de la España de mediados de los '60, cuyos jóvenes comenzaban a despertar a un mundo de novedades, como nos pasó a todos quienes fuimos niños o adolescentes por esos tiempos.

Como si eso fuera poco, el Profesor Carrión llevaba un diario, apuntes, notas, en las que fue registrando asuntos relacionados. Al parecer el diario original se detiene inmediatamente previo al encuentro con Lennon. El profesor decidió compltar el documento y de allí salió otro libro, editado a comienzos de 2014, que se llama El año en que conocí a John Lennon [Ed. Espasa, 2014], que completa una trilogía más que interesante, ya que al caracter novelado y literario de la película y al tono de crónica de periodismo e investigación del otro libro, se suma esta línea documental y testimonial del propio protagonista real.


Portada del libro que recoge el diario que Carrión llevó acerca de su encuentro con Lennon, completado y editado en 2014.

Cuenta Carrión:

"Le di mis papeles a alguien que a su vez se los dio a un chico que hacía las labores de secretario o algo así para el equipo del director de la película. Este chico se los dio a John Lennon".
"Fue fantástico conmigo. Simpático y muy abierto. Prometió venir a verme a Cartagena, aunque nunca lo hizo. Yo trabajaba entonces en la universidad y seguro que le gustó mucho que sus canciones se estuviesen estudiando. Creo que lo pasó muy bien completando lo que faltaba en mis papeles y corrigiendo lo que estaba mal. Me pareció incluso más cortés y amable de lo que me había imaginado".  


Un ejemplo de las correcciones de Lennon a las transcripciones de Carrión, en este caso, la letra de I'm Only Sleeping, del álbum Revolver, el más recientemente editado en agosto de 1966. Al lado, Lennon en How I Won The War, setiembre de 1966.

Seguí este link para ver lo que dice el Profesor

Vivir es fácil con los ojos cerrados : profesor Juan Carrión - CineDor

Tres novedades interconectadas con la Historia Beatle y con el Universo Beatle que vienen a contar un pequeño pero muy significativo episodio, ya que de algún modo, el pedido del profesor Carrión incidió para que las letras de las canciones aparecieran en los discos, primero de The Beatles, pero luego de tantos y tantos artistas y bandas. Y para quienes como nosotros, descubribrimos alborozados que lo que cantaban en el disco lo podíamos leer en la tapa, significó mucho. Nosotros no tuvimos Profesores de Inglés que usaran estos métodos, hoy totalmente usuales, pero entonces inimaginables, pero de alguna manera la presencia de las letras allí nos llevó a querer saber qué decían y a tratar de averiguarlo, a veces diccionario en mano, a veces consultando con amigos que sabían algo más. Así que si dispusimos de letras en los discos, de algún modo y en alguna medida algo le debemos a este señor Profesor Juan Carrión.

Los hechos, la crónica, la novelación, los tres elementos conforman un fresco que vale la pena frecuentar.

Nos encontramos pronto con otras novedades.









viernes, 24 de octubre de 2014

MALAS PORTADAS EN ÁLBUMES DE BUENAS BANDAS Y ARTISTAS [2ª Parte]

Retomamos hoy el tema que tratáramos en un post anterior y que fuera motivado por los que el amigo JLO publicó en su blog Cuando el arte ataque. Tapas de discos de buenas bandas o artistas que han resultado fallidas, mal resueltas o directamente malas.




En esta oportunidad traemos ejemplos provenientes de bandas o artistas más adscriptos al mainstream y también algo más centrados en los '60 [algunos de los '50, algunos de los '70].

Vamos acomenzar por una tapa que también apareció en el post de Cuando el arte ataque.


Este es un álbum recopilatorio editado en 1966 para el mercado norteamericano por el sello Capitol. Conocida como The Butcher's Cover [la portada del carnicero] es hoy un objeto de colección y hasta cierto punto una rareza, especialmente por la historia que está por detrás. Las fotografías provienen de una sesión de fotos experimentales que The Beatles realizaron en el estudio del afamado fotógrafo Robert Whitaker el 25 de marzo de 1966 en su estudio de 1 Le Vale, Chelsea, Londres. El objeto inicial de Whitaker fue realizar una parodia acerca de la fama, metáfora de descuatrizamiento, en un tono algo surrealista. Fue John Lennon quien insistió en que una de estas fotos de Whitaker se pusiera como carátula del recopilatorio Yesterday And Today, al parecer como forma de protesta por la carnicaría que Capitol hacía de sus discos en las ediciones norteamericanas. El disco salió con esta portada pero fue rápidamente sacado del mercado por Capitol y se sustituyó por otra fotografía más acorde con el perfil comercial de la banda. No obstante, algunos miles de ejemplares sobrevivieron a la censura ya que habían sido vendidos antes de la orden de retiro del mercado. No obstante, casi 50 años después, cuando Capitol decidió remasterizar sus ediciones a comienzos de este año, Yesterday And Today volvió a editarse con la Burcher's Cover y un suplemento en papel con la portada sustituta. No hay duda de que la portada del carnicero despierta desagrado y que podía no ser apropiada en aquel entonces [hoy en día es inocua al lado de otras imágenes en tapas de discos], pero tengamos en cuenta que las fotografías tenían originalmente otro destino.

Ya que hablamos de censuras, veamos otro caso en que una portada sustituyó a otra, aunque la tapa definitiva es un prodigio de falta de creatividad.


En 1968 los Stones sacaron a la venta un álbum de estudio que resultaría ser un compendio de varios de sus mejores temas [Sympathy For The Devil, No Expectations, Street Fighting Man, por ejemplo], cuyo título es Beggars Banquet. Su portada original mostraba las paredes grafiteadas de un baño con la visión parcial de tuberías, un retrete y un rollo de papel higiénico en uso. El aire escatológico que tenía esa portada llevó a que fuera luego censurada y sustituida por una ascéptica imagen, que de tan inocua es irrelevante y francamente carente de altura para ser tapa de una banda como esta. La simulación [queremos creer que deliberadamente falta de imaginación] de una tarjeta de invitación con tipografía inglesa a lo que sería un banquete [con indicación de confirmar asistencia] no hace sino caer en la ñoñería y en un dudosísimo sentido del buen gusto, dado que ese fue el motivo por el cual se censuró la tapa original: el atentado contra el buen gusto. Se ha indicado que también ha habido en esta tapa una especie de contrarresto irónico respecto al White Album de The Beatles, aparecido pocos días antes de la edición original, pero es más verosímil creer que se trató de falta de creatividad en base a preconceptos y gusto artístico estereotipado de los directivos de DECCA.

 
Y sigamos con los Stones, en este álbum de 1975, Metamorphosis, un disco que no es propiamente de los Stones, sino el aprovechamiento por parte de Allen Klein del catálogo Stone luego de que estos rompieran con él y con DECCA. Es un recopilatorio de materiales desechados en los '60 que como saldos y retazos se intentó sacar un último jugo a viejos temas. La portada parece aludir a la Metamorfosis de Kafka, pero su vuelo intelectual no va más allá de un roce superficial, ya que la temática del álbum - sin unidad conceptual alguna, sino un mero rejunte de pistas descartadas - no tiene nada que ver con la obra literaria en cuestión. Si bien la utilización del grotesco en las artes visuales swiempre ha estado presente como posibilidad, en este caso resulta un tanto gratuito y desconectado de lo que debiera ser un álbum. Concepto complicado el de la portada, porque debió convertir a la banda en sexteto, haciendo que Brian Jones y Mick Taylor aparezcan juntos ya que en las pistas las hay con uno y con otro. La idea de la banda como insectos antropomórficos que se esconden tras caretas de los Stones humanos no resulta tampoco una idea muy atractiva ni relevante. [Dirección de arte, Richard Roth]


Es cierto que desde mediados de los '50, en que se comenzó a producir para un mercado adolescente y juvenil con algo más de capacidad de consumo, se realizaron muchísimas tapas con el mismo formato, es decir con la imagen de la banda o del artista intentando generar seducción sobre el público. Y es cierto también que las hubo y habrá peores que las que presentaremos a continuación, pero estas resaltan porque se trata no de cualquier artista segundón sino de quien fue modélico para tantísimas bandas y uno de los inspiradores para la gran explosión juvenil que ocurrió en Inglaterra a comienzos de los '60. Por algo lo llamaron El Rey, y su trascendencia está fuera de discusión. Pero también fue un producto de la industria discográfica y un resultado de los manejos de su manager, el Coronel Parker.

 
Este álbum de Navidad fue editado en 1957 y goza de una absoluta falta de originalidad, apelando a todos los lugares comunes relativos a esa festividad, especialmente enfatizando la idea de regalo, poniendo como el único sin empaquetar el disco de Elvis. Los demás regalos pueden ser cualquier cosa, pero el disco es de Elvis, no de otro. De cualquier forma, el trabajo de diseño es pobrísimo, y revela que lo importante era vender unidades del producto y no valorizarlo a través del diseño.



Siguiendo con Elvis y el año 1957, tenemos este recopilatorio de éxitos en singles de 1956 y 1957, con temas tan célebres como Hound Dog, Jailhouse Rock, Heartbreak Hotel o Love Me Tender. Discos de Oro en su carrera rejuntados en un álbum que a su vez llegó al Disco de Platino. Todo a pesar de su deplorable carátula con el 'originalísimo' recurso de hacer colgar los Discos de Oro enmarcando el retrato de Elvis con su mejor sonrisa para la foto. Un esfuerzo de falta de ingenio.


Aquí se trata del disco con las canciones del film King Creole, de 1958, protagonizado por Elvis Presley, dirigido por Michael Curtiz, co protagonizado por Walter Matthaw, sobre libro de Harold Robbins. La tapa no podía ser más estereotipada. Lo que más cuenta es la imagen cinematográfica del artista, en un gesto más que estudiado para humedecer jovencitas. Incluimos esta portada por la artificiosidad y por ser una evidente estrategia de marketing sin detenerse en absoluto en el valor artístico del producto.



El mismo recurso y el mismo objetivo que en el caso anterior, pero este correspondiente a 1962, la banda sonora original del film Girls! Girls! Girls! La imagen tan estudiada como la anterior, con el agregado de que de aquel joven rebelde que estremecía sexualmente y al que llamaban Elvis The Pelvis no queda ya más que un producto domesticado y rendidor, estimulando los mismos centros vitales de sus fans aunque de un modo socialmente más aceptado. Así su incusión por el cine muestra a jovencitos que protagonizan historias livianas con moralejas decentes, tratando de mostrar al chico-que-cualquier-madre-querría-para-novio-de-su-hija. Como carátula lo más cercano a la originalidad que posee es la tipografía, el resto es un recital de lugares comunes y pereza de diseño.
Cómo será la cosa que en ninguno de los cuatro casos anteriores se deja constancia de los nombres de los diseñadores, los fotógrafos o los dibujantes, seguramente porque la tapa es de una importancia secundaria desde el punto de vista artístico.

Prosigamos con otros artistas icónicos de los '60, en este The Beach Boys. En una traducción no muy literal pero bastante ajustada, serían Los Playeros, lo cual suena más a nombre para combo de música tropical. pero estos playeros tuvieron muy buen nivel creativo y rivalizaron seriamente - especialmente Brian Wilson, su núcleo compositivo - con The Beatles. No obstante, no siempre las tapas estuvieron a la altura de su música y aparecen algunos engendros como los que siguen.



Es una típica tapa de Navidad con aire familiar, con jóvenes prolijos en vestimenta y peinado en torno al árbol que simboliza esta festividad, es decir, sin nada nuevo en cuanto a imagen y sí mucha redundancia respecto a los referentes modélicos, a los estándadres socialmente admitidos. Lógicamente la utilización de los valores tradicionales es muy apta para la promoción de ventas, aún para aquellos jóvenes que despuntaban entonces como rebeldes. [No hay datos acerca de la identidad del diseñador o del fotógrafo, si es que no se deben los dos delitos a la misma persona]. El álbum es de 1964.


Esta es una tapa típica del estilo portaretratos múltiple, cuyo único recurso consiste en una partición de la portada para contener imágenes tipo instantáneas. Es cierto que hay muchas tapas por el estilo pero no todas se hacen con el mismo esmero. En este caso no hay mucho esfuerzo, utilizando fotos de los músicos quizás en un modo random y prometiendo en la portada que en el interior hay un poster con 15 fotos más provenientes de los fans. No es que la idea sea mala, pero a nuestro juicio resulta malograda. El disco es de 1965.


Además de que podrá sorprender por lo adolescente de los hermanos Gibb, este disco de 1965, que aparece destacando a uno de los Gibb con el acompañamiento de los otros, apareciendo por primera vez con el nombre de la banda, esta tapa es pasmosamente ingenua. Los niños buenos, cual duendes del bosque, en una fotografía que ni divertida es, aunque, reconozcámoslo, es emblemática de toda una época. Tambien admitamos que las hay peores, pero de grupos menos relevantes y notorios [aunque este sea el disco debut y aún no lo fueran]. De cualquier forma lo que podría haber sido un bochorno y un ridículo en gente más grande, se perdona en jovencitos que a esa altura daban cualquier cosa por empezar a despuntar. Ni rastros del diseñador.

Casi cuarenta años después, en 1993, los mismo Bee Gees lanzan este disco Size Isn't Everything, que posee una tapa al menos malograda. Cierto es que la tapa se acerca bastante a la estética de la transición de los '80 a los '90, pero es de esas imágenes que dicen bien poco acerca del contenido musical y mucho acerca del marketing discográfico. Parece ser que el producto que se vende es la banda en sí y no su música. De cualquier manera, la fotografía no es original nio por su concepto ni por su tratamiento. Imágenes distorionadas las hay a montones en tapas de discos, pero en este caso, parece proceder de una perezosa utilización del Photoshop más que de una manipulación creativa y diestra de la óptica. El fotógrafo es Andy Earl [quien se encargó de fotografías para álbumes de Simple Minds, Cranberries, UB40, Duran Duran, entre otros, con resultados notoriamente mejores], no sabemos si también se hizo cargo del diseño.

Luego de haber tenido álbumes con muy buenas y originales portadas, varias de las cuales se basan en dibujos de su autoría, encontramos esta recopilación de Hits, en el formato de Ultimate Collection, que sin embargo decepciona en la portada que abusa del collage con bordes difuminados intebntando fusionar en una sola imagen varias fotografías que darían una escenografía a ese niño aparentemente asombrado. Como pasa con otros casos, el recurso está muy visto, pero es muy difícil que se logre algo realmente bueno. En realidad queda como un pastiche sin mucha coherencia ni unidad visual. Pero ya se sabe que cuando aparece un recurso nuevo [y en 1999 esto era novedoso] se lo explota aunque más no sea para probarlo. No hay datos del diseñador, y quizás ni siquiera haya uno.

Un caso por el estilo es este disco de Aerosmith, con título homónimo al nombre de la banda, editado en 1973 como álbum debut. Solo que sin los recursos informáticos de 25 años después y valiéndiose de los recursos gráficos tradicionales. De cualquier modo es una tapa que no tiene equilibrio, por exceso de nubes o por carencia de dimensión de la imagen del grupo. Teniendo en cuenta de que es un álbum debut, quizás los músicos, aún desconocidos hubieran requerido algo más de destaque para hacerse conocer. El título/nombre despegado de la imagen crea una incómoda separación que contribuye aún más a la falta de unidad que toda la carátula tiene. Quizás esa sea la palabra adecuada para los efectos visuales que provoca: incómodo.


Este es un álbum recopilatorio editado en 1988 que posee la condición de querer destacar lo valioso del contenido, como gemas, pero hacerlo a través de un dudoso buen gusto. Empezando por una composición de la portada que queda totalmente disociada entre el logo de arriba y esa especie de tipografía en forma de pulseras o gargantillas [¿de diamantes?] que además emiten unos destellos demasiado simulados. No es que la música de Aerosmith sea el colmo del refinamiento, pero la tapa resulta bastante grotesca. Aún así alcanzó el Disco de Oro, lo que indica que la música resulta bastante más atractiva que su envoltorio. [A propósito, el diseño y el packaging estuvo a cargo de Ken Fredette y Lisa Sparagano].

Este es un álbum de estudio 20 años posterior al debut, de 1993, y que inevitablemente hace pensar en alguna vaca famosa en tapa de discos [Atom Heart Mother de Pink Floyd]. Pero mientras la de Storm Thorgerson para Pink Floyd echaba una mirada reinterpretativa a una obra del norteamericano Andy Warhol [que también incursionaba en el diseño de tapas], la de Aerosmith de este Get A Grip se centra de un modo más directo, material y en parte brutal, no sobre la vaca en sí sino sobre la aplicación de un piercing en el pezón de una vaca, con alusión bastante directa, por indicación del título, a que una mujer haga lo propio, en una asociación que, por lo menos, resulta bastante sexista y de dominación, reforzado por la marca de herraje en el anca de vaca con el logo de la banda. Más allá de que la foto es buena, el concepto es bastante desgraciado. Otra vez, soprendentemente, el diseño es de Hugh Syme, un diseñador de altísimo nivel, aunque la foto no le corresponde a él, y a decir verdad, es bastante poco el trabajo de diseño que lleva esta tapa por encima de la fotografía de base.


El penúltimo álbum de Queen, The Miracle, editado en 1989 y que parecía proclamar la esperanza de una mejoría en la salud de Freddie Mercury, se presentó como un álbum en el que lo importante era la música de la banda como unidad. Al parecer la tapa quiso proclamar lo mismo y quedó lo ue quedó. El diseño de Richard Gray se realizó a partir de la tecnología digital disponible a partir del Quantel Paintbox, que permitía la fusión de imágenes diferentes en un proceso de morphing muy utilizado para TV y videos. La conjunción de los cuatro integrantes de Queen en uno solo obtiene aquí una resolución demasiado obvia pero además morfológicamente bastante grotesca. Aquí tenés un ejemplo de cómo se puede lograr algo más coherente, con la misma idea fusionar las caras de los integrantes de una banda en una sola cara.


No fue esta la única vez que en un disco de Camel se usó esta idea, pero sí la más fallida de todas [las otras aún por un pelo se salvan]. Pero este diseño despojado pero no minimalista es realmente el compendio de la pereza de diseño. Está bien la asociación de la señal de tránsito con la idea de un pavimento arrugado, con jorobas, como los camellos, pero la realización es en exceso pobre, diríamos que hasta mezquina. Como edición retrospectiva realizada 20 años después de la fecha declarada en la tapa muestra también, no una sencillez de lenguaje gráfico, propio de las señalización, sino directamente un facilismo de no hacerse mayores problemas. [Al parecer, las arrugas del camino se comieron al diseñador de la tapa]

Los álbumes de Al di Meola han tenido, en general, muy cuidado es aspecto de la portada. Nos podrán gustar más o menos, pero se reconoce que la mayoría de ellos tienen un nivel técnico artístico destacado. Sin embargo, hay excepciones y las que traemos aquí son, a nuestro juicio, las más notorias. Passion, Grace & Fire es el título de este álbum de 1983, a cuya portada parece faltarle todo lo que el título proclama. Parece un diseño a las apuradas, como para salir del paso. Y además involucra a sus dos más distinguidos colegas en la guitarra, con quienes tocó múltiples veces: Paco de Lucía y John McLaghlin.

Este es un destacado disco de di Meola, de 1993, procedente de su etapa de exploración de músicas y sonoridades exóticas a su origen más jazzístico y bluesero, enganchando con la música del gran músico argentino Astor Piazzolla. Las fotografías de la tapa, debidas a Nathaniel Welch, Rob Allen y John McLean, aluden todas al ambiente tanguero y orillero de Buenos Aires [se cuela alguna foto del Mago, Carlos Gardel, esta debida seguramente a José M. Silva el fotógrafo uruguayo - gallego de Gardel] y están bien. Sin embargo, el tipo de collage fotográfico que sale del diseño de Michelle Laurencot aparece como un conjunto dispuesto de modo poco agraciado, medio revoltijo, compositivamente poco efectivo, ya que da la impresión de un amontonamiento de muchas imágenes 'típicas' que por separado podrían funcionar más que todas rejuntadas en un intento fallido de dar color local al conjunto.

Bien amigos, por hoy es suficiente. Tengo la leve impresión de que más de una de estas portadas serán discutidas. Repito que la intención en estos posts es diferente a los que los inspiraron y buscamos no el aspecto humorístico del asunto sino ver casos en los que falla el resultado, o se queda a mitad de camino, en bandas o artistas en los cuales la portada resulta las más de las veces un aspecto más cuidado.

Nos encontramos pronto.


 



miércoles, 22 de octubre de 2014

ABBEY ROAD ESTRENA NUEVAS VIÑETAS PARA LOS COMENTARIOS DE SUS VISITANTES

Como parte del festejo por el medio millón de visitas recibidas por este blog, hemos decidido dar mayor variedad a nuestro ofrecimiento para dejar comentarios en cada entrada. Hasta el momento veníamos ubicando al fin de cada post un único modelo de mensaje, en base a la imagen de Lasse Hoile para el disco Fear Of A Blank Planet de Porcupine Tree que nos acompaña desde mediados de 2012.

Como nos parece que aún sigue siendo sugestiva, no dejaremos de utilizarla, pero la alternaremos con algunas otras que hoy vamos a presentar a los amigos de ABBEY ROAD.

Siguiendo la misma idea de utilizar imágenes icónicas provenientes de tapas de discos, más conocidos o quizás no tanto en algún caso, hemos tratado de adosarle una frase corta que estimule el comentario pero que tenga algún tipo de relación con la imagen.

En la que empleamos hasta ahora, esa relación pone énfasis en la correspondencia de la mirada sugestiva, enigmática y algo perturbadora del niño con su reclamo respecto a salir sin dejar comentarios.


Viñeta que acompaña las entradas de ABBEY ROAD desde 2012

Queremos pues, darles el anticipo de cuáles serán alternativas a ésta, agregando que usaremos un método random para incluirlas, sin poner ningún orden preestablecido. Quizás si el tema motiva que sea alguna en particular tenga alguna influencia, pero estimamos que una cierta arbitrariedad en su elección será la dominante.

Se los presentamos aquí sin ningún criterio de ordenamiento, así de alternativos son.


El diálogo que busca implicar a un tercero [el lector] para que comente, en base a la fotografía de Storm Thorgerson para el álbum Falling Into Infinity de Dream Theater.

No todo comentario debe ser sesudo y profundo, así que animate a dejar escrito lo que pienses, tratamos de decir con la fotografía de Fin Costello que aparece en la tapa de Burn de Deep Purple.


Una incitación a comentar por medio de la confianza en que el lector lo va a hacer, a través del dibujo de David Jackson para la portada de Stormwatch, de Jethro Tull.

Un gesto más autoritario para impedir que el lector salga sin comentar, en basea la fotografía de Shirtsleeves Studio para la carátula de War Child, de Jethro Tull.

La expresión de ansiedad/temor/deseo de que haya un interlocutor para comentar, a partir de la archifamosa pintura de Barry Godber para el álbum In The Court Of The Crimson King, de King Crimson.

Siempre puede haber un momento para el diálogo y esa posición de paciencia se condice con la fotografía de Storm Thorgerson [reminiscente de una obra de Andy Warhol] para Hipgnosis, que sirve de tapa a Atom Heart Mother de Pink Floyd.

Compromiso de confidencialidad respecto a los comentarios y un dejo de complicidad con el lector, por medio de la fotografía - una vez más - de Storm Thorgerson que sirve de portada para The Division Bell de Pink Floyd.

Si comentar es un dilema, ambos caminos son válidos, decimos desde el diseño de Thomas Ewerhard, para el álbum Snow de Spock's Beard.

Así como que nunca es tarde para dejar una opinión desde el diseño de Thomas Ewerhard en el álbum V de Spock's Beard.

La buena señora [moza, mesera, camarera, etc.] contagia su entusiasmo por comentar desde la tapa de Breakfast In America de Supertramp, con el diseño y realización de Mike Doud y Kate Murtagh.

Algo de resistencia pasiva no viene mal para evitar que se vayan sin comentar mediante la fotografía de Ethan Russell que se usó para la portada de Hey Jude el álbum recopilatorio de The Beatles.


Aclaremos que las viñetas que hemos presentado aquí no serán las únicas y que agregaremos otras en la medida en que vayan surgiendo y que permitan plantear una relación imagen - texto sugerente. 

Asimismo, invitamos a los amigos de ABBEY ROAD a que nos envíen sus ideas, dirigiéndose al mail que figura en la parte superior de este blog, con los adjuntos correspondientes.

Del mismo modo, accedemos a que los amigos puedan bajar nuestras imágenes, si les gustan, para poder emplearlas libremente.

Nos encontramos pronto


¿CUÁL DE LAS VIÑETAS QUE PRESENTAMOS PONDRÍAS AQUÍ? 
DECILO EN LOS COMENTARIOS

lunes, 20 de octubre de 2014

LOS LUGARES EN LA FILMOGRAFÍA BEATLE [FESTEJANDO EL MEDIO MILLÓN DE VISITAS] [Segunda Parte]

Continuamos recorriendo los lugares que se utilizaron como locaciones para las películas de The Beatles.

En 1967 y tras la muerte de Brian Epstein, The Beatles tuvieron que manejarse a sí mismos. Su primer proyecto surgió rápidamente aunque con muchos elementos de improvisación, tomando allí una función fuerte de liderazgo Paul McCartney. Sería su programa televisivo para Navidad en ese año, Magical Mystery Tour


MAGICAL MYSTERY TOUR


 
UK.
Estreno: 26 de diciembre de 1967.
Producida por Apple Corps. y British Broadcasting Corporation [BBC].
Distribuída con posterioridad a 1967 en sus diversos formatos [cine, TV, VHS, DVD, Laserdisc, Blu-Ray] por New Line Cinema, Media Home Entertainment y EMI-Odeon, entre otros.
Dirigida por The Beatles & Bernard Knowles.



El rodaje se llevó a cabo entre el 11 de setiembre y el 3 de noviembre.

El grupo de actores y personajes que intervendrían en esta peculiar road movie, se reunió en el punto de partida del viaje, donde se hicieron algunas tomas: Allsop Place, en Londres, cerca de Baker Street y del famoso museo del 221b de esa calle, el dedicado a Sherlock Holmes. Otras tomas se hicieron en el interior del ómnibus y en el restaurante Pied Piper, en Basingstoke, Hampshire [11 de setiembre].


Allsop Place, donde dio comienzo el Tour

Basingstoke, parada en el Restaurante Pied Piper, de donde vienen algunas de las primeras tomas para el film
Durante el primer día completo de filmación surgió el primer inconveniente al frustrarse la llegada a la Feria Anual de Widecombe, Dartmoor. A cambio de ello, se siguieron tomando imágenes en el interior del bus, aunque no fueron finalmente usadas. Al saltearse ese primer destino, tomaron rumbo a Plymouth, para hacer una sesión fotográfica. Siguieron luego hacia Liskeard y Bodmin, donde filmaron en West End Dairy, Higher Bore Street y en Paull Road [12 de setiembre].


La Feria Anual de Widecombe, a la que nunca llegaron

La pequeña población de Liskeard

Otro pequeño poblado, Bodmin
Las subsiguientes escenas corresponden al sudoeste de Inglaterra, en la zona de Cornwall.

Muchas tomas se hicieron de lugares de la costa de Cornwall. El punto de arribo fue Watergate Bay, Newquay, donde se hizo la escena de la observación por telescopio. Siguió la escena entre Aunt Jessie con Buster Bloodvessel en Tregurrian Beach, escena censurada por la BBC para la emisión original por TV. Luego del almuerzo siguieron por las cercanías, en esa zona balnearia del sudoeste británico: primero se dirigieron a Porth, cerca de Watergate Bay. En el camino Ringo y Jessie Robins [Aunt Jessie], improvisaron un diálogo en el que discuten. En la playa de Porth se rodó una escena en que Paul va con una bicicleta por la playa junto a el fotógrafo Little George [George Claydon]. En tanto en el Newquay Atlantic Hotel, John dirigió la escena en que Happy Nat The Rubber Man persigue chicas en biquini en la piscina. Finalmente, se rodaron otras tomas en los acantilados de Holywell. Todas las escenas su hicieron el 13 de setiembre.


Watergate Bay, pequeña población balnearia y su playa

El bus del Magical Mystery Tour en Watergate Bay

Filmando la escena del telescopio

Tregurrian Beach, al lado de Watergate Bay

Preparando la filamción de la escena en Tregurrian Beach entre Aunt Jessie y Buster Bloodvessel [visibles al fondo]

Camino a Porth, la escena improvisada por Ringo y Jessie Robins

El pequeño poblado balneario de Porth

La escena en la playa de Porth con Little George

El Newquay Atlantic Hotel

Piscina del Newquay Atlantic Hotel [estado actual]

John dando indicaciones a las chicas en biquini para la escena de la persecución en la piscina

Los acantilados de Holywell
Al día siguiente solamente se rodaron dos escenas, de las cuales solamente se usó una. Ambas se realizaron en un campo cercano a Newquay, Cornwall. La primera [que fue usada para el film], muestra al grupo de actores entrando en una pequeña tienda [imagen usada para el tema I Am The Walrus], la segunda - que fue desechada para el film - mostraba a George meditando vestido con un saco azul que le quedaba muy grande [14 de setiembre].


Preparativos para la filmación en los alrededores de Newquay, Cornwall

Cercanías de Newquay, Cornwall

Con algunos de los personajes en Newquay, Cornwall

Primera escena del día: entrando en la tienda

Segunda escena [no usada]: George meditando

El último día de estadía en Newquay, solamente se rodaron imágenes del grupo frente al Atlantic Hotel de Newquay, saludando a la cámara. Luego pusieron rumbo a Londres, y en el camino hicieron breves escenas dentro del ómnibus y en una pequeña tienda de venta de chips & fish, Smedley Chips & Fish, en Somerset, donde el grupo comió y fue filmado [aunque la escena no se usó en el corte final]. Así terminó la primera semana de rodaje [15 de setiembre]. En muchas de las escenas el ómnibus Bedford Val fue protagonista o escenario de muchas tomas. Durante este día de rodaje y retorno a Londres, la acordeonista Shirley Evans amenizó con variados temas populares. Esto aparece en la escena rodada pero no usada, a la salida de Smedley Chips & Fish [15 de setiembre].


El saludo en el frente del Atlantic Hotel de Newquay


Entrando al Smedley Chips & Fish

En el interior de Smedley Chips & Fish


El Bedford Val en que realizaron el viaje mágico y misterioso


La acordeonista Shirley Evans amenizando la escena no usada

El interior del bus, festivo
Al comienzo de la segunda semana de rodaje, The Beatles y otros pasajeros masculinos del viaje, visitaron el Raymond Revuebar, famoso club nocturno de strippers femeninas, donde rodaron la escena del strip tease, protagonizada por Jan Carson, acompañada por la Bonzo Dog Doo-Dah Band. El club se hallaba en el Soho londinense, hoy sustituido por el Soho Revue Bar [18 de setiembre].


El Raymond Revuebar

Hoy sustituido por el Soho Revue Bar, en el 12 Walkers Court, Soho, Londres
Durante el resto de la semana hasta el domingo, The Beatles y su troupe se trasladaron a la Base Aérea de la RAF en West Malling, Maidstone, Kent, la que usaron a modo de estudio cinematográfico, ya que los estudios habituales no se alquilaban por tan poco tiempo. En sus enormes hangares se montaron los sets para variadas escenas, como por ejemplo la secuencia en el laboratorio de los magos, el sueño de Aunt Jessie, las imágenes de George para el tema Blue Jay Way, la escena del reclutamiento con Paul como Major McCartney y Víctor Spinetti como reclutador, entre otras [19 al 21 de setiembre]. También se hicieron escenas en exteriores: la escena del maratón, la de la fotografía grupal tomada por Little George, la de la cinchada a la cuerda entre adultos y niños, todas las tomas para I Am The Walrus [23 de setiembre]. Antes habían hecho otras tomas en el centro de West Malling, en el 90 High St., donde se rodó la compra de los tickets para el Magical Mystery Tour en la que aparecen Ringo [comprador] y John [vendedor] [22 de setiembre]. El último día de rodaje en West Malling se dedicó a las imágenes que acompañan Your Mother Should Know en un inmenso salón de baile montado en los hangares [24 de setiembre].


West Malling Airfield, Maidstone, Kent de donde provienen muchas de las escenas del film ya en exteriores como en sets montados en sus hangares

High Street a la altura del 90, West Malling

El rodaje parecía que iba a quedar completo el 1º de octubre cuando volvieron a West Malling para hacer tomas complementarias, pero luego de estar grabando y mezclando las pistas de audio con las canciones, Paul consideró que faltaban imágenes para The Fool On The Hill. Por tal motivo, viajó a Niza, Francia, para registrar allí lo necesario. Viajó con Mal Evans y el cameraman Aubrey Dewar [30 y 31 de octubre]. Un día antes, se habían realizado unas tomas de Ringo con Aunt Jessie, discutiendo por Acanthus Road, Battersea, Londres, que pasarían a formar parte del comienzo de la historia [29 de octubre]. Y aún hubo un día más de filmación, haciendo tomas para Blue Jay Way, las que se rodaron en Sunny Heights, Waybridge, en el jardín de la casa de Ringo: es la escena de los violoncellos blancos [3 de noviembre]. Con esto se culminó el rodaje de Magical Mystery Tour.


Acanthus Road, Londres, la calle que comienza la historia de Magical Mystery Tour

Las colinas de Niza ...

... escenario ideal ...

... para The Fool On The Hill

Las últimas tomas se hicieron aquí, en Sunny Heights, Weybridge, en el jardín de la casa de Ringo



YELLOW SUBMARINE


UK.
Estreno: 17 de julio de 1968.
Producida por Apple Films, King Features Production y TVC London.
Distribuída por United Artists en 1968 y posteriormente, en todos sus formatos [cine, TV, VHS, DVD] por MGM/UA Home Entertainment, Capitol Records, Columbia Broadcasting System [CBS], EMI-Music y Metro-Goldwyn-Mayer, entre otros.
Dirigida por George Dunning.
Dirección de Arte por Heinz Edelman




The Beatles no se involucraron en este proyecto de animación que, no obstante, sería revolucionario en las técnicas y la estética del género. Sin embargo, tuvieron una aparición que se incluyó al final del film, una especie de cameo que se acompaña con la música de All Together Now. Esa única intervención tuvo lugar el 25 de enero de 1968 en los Estudios Twickenham.


Cameo en los Estudios Twickenham, un set solamente con un fondo negro y los cuatro Beatles hablando a la cámara



LET IT BE


 

UK.
Estreno: 20 de mayo de 1970.
Producida por Apple Corps.
Distribuída por United Artists en 1970. Posteriormente, fue distribuida por otras empresas en los formatos de VHS y DVD.
Dirigida por Michael Lindsay-Hogg





El último film de The Beatles pretendió ser un documental del proceso de creación y grabación de su proyecto Get Back, que derivaría más de un año después en el álbum y el film Let It Be.

Hubo pocas locaciones donde se realizaron los rodajes. Se dio comienzo en los Estudios Twickenham, aptos para el aspecto cinematográfico del proyecto, pero nada convenientes para el clima de trabajo que debía reinar. Las desavenencias se notaron enseguida y a los pocos días, George se fue de la banda y solamente regresó bajo condiciones, una de las cuales era irse de Twickenham. En los estudios, los rodajes se realizaron entre el 2 y el 14 de enero de 1969, trabajando en régimen de lunes a viernes.


The Beatles en Twickenham: un ambiente tenso y frío

Nada parecido a sus anteriores pasajes por los Estudios Twickenham

Luego de estos episodios, la filmación se trasladó a los estudios de grabación que The Beatles habían mandado construir en 3 Savile Road, la sede de Apple Corp., que no obstante, no estaba en las condiciones prometidas por Magic Alex [un personaje que embaucó a The Beatles con sus supuestos conocimientos de electrónica] y debieron improvisar obteniendo en préstamo equipos de EMI, a través de George Martin. Las filmaciones en Savile Road se extendieron desde el 21 al 31 de enero.

Entre esos días se produjo la incorporación como invitado de Billy Preston, lo que ayudó a moderar las tensiones y lo mejor que muestra el film, el concierto de la azotea [30 de enero] de Apple Corps., un film dentro del film.


El 3 Savile Road, sede de Apple Corps.

Famosa puerta, la que golpeó la policía, los bobbies londinenses

3 Savile Road en el presente: una destacada firma de ropa en su versi.ón para niños

Rooftop Concert: Savile Road desde lo alto

El concierto visto desde azoteas de enfrente

Savile Road vista desde la azotea y la gente aglomerándose

Savile Road en el presente. El tercer edificio sobre la derecha es la histórica sede de Apple.

Con esto llegamos al final de este recuento de los lugares que albergaron las películas del cine Beatle.

Esperamos que haya resultado de interés y volvemos a agradecer a los amigos de ABBEY ROAD la constancia, la fidelidad y la gentileza de visitarnos a menudo, tanto como para festejar el medio millón.

Nos encontramos pronto











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