Transcribimos e ilustramos un artículo que publicáramos en 2008 en la Revista Relaciones que se edita ininterrumpidamente desde 1984 en Montevideo, Uruguay.
Cultura Rock
Territorios del arte: el arte de tapa
El arte del siglo XX tuvo una marcada tendencia a la ampliación de sus propios límites, a través de un mecanismo de transgresión vanguardista, por un lado y, por la interpenetración de las diferentes disciplinas artísticas, por otro. No solamente se amplió el concepto de eso que llamamos arte, sino que también se diluyeron las distancias entre las diversas artes.
Ya nadie se afilia a la taxonomía que diferencia entre bellas artes y artes aplicadas, que jerarquiza artes mayores y menores o que separa entre arte y artesanía. Hoy se percibe un fenómeno de artisticidad en muy diversas manifestaciones humanas en las que lo que cuenta es la intencionalidad artística, consciente o inconsciente (1). Procedimientos y métodos creativos como el collage, ready – made, ensamblaje, empaquetage, acumulaciones, compresiones, happenings, performances, simulaciones, apropiaciones, serialización, la inclusión de medios mecánicos, informáticos o audiovisuales, el protagonismo del cuerpo, entre otros, expandieron el campo de lo artístico. El arte saltó de sus habitats habituales de lienzo, muro, piedra o bronce, hacia otras regiones, definiendo nuevos territorios.
En las artes gráficas hubo que esperar a que los artistas tomaran por asalto ese ámbito para reparar en su idoneidad como territorio del arte. El constructivismo ruso, antes de que la burocracia oficialista barriera las vanguardias con la escoba del realismo socialista, y la Bauhaus, antes de que se oscureciera el espíritu humano con la sombra del nazismo, impulsaron las artes gráficas como integración del arte a la vida. Estas manifestaciones tienen hoy un lugar en la historiografía (2). Sin embargo, el arte de tapa que nos ocupa no ha merecido aún el tratamiento historiográfico del arte.
En el arte de tapa encontramos dos vertientes: una que contribuye al cometido que tiene el objeto contenido, complementariamente, y otra en la que su función se integra al objeto y forma parte del mensaje.
Erwin Panofsky (3) estableció una diferenciación entre objetos prácticos, como herramientas que tienen una utilidad, sustituibles por las transformaciones tecnológicas y objetos estéticos, como vehículos de comunicación, con un sentido y acumulables. El arte de tapa muestra estas situaciones. En la función complementaria con respecto al objeto, su contenido es el de informar acerca del mismo, sus características y su utilidad. Cuando su función se integra a la del objeto, comparte su sentido y forma parte del vehículo comunicativo.
Restringiremos nuestro enfoque al arte de tapa de discos y exploraremos la zona en la cual disco y tapa se relacionan en interacción íntima y sustancial, aunque no siempre evidente.
Después de la Segunda Guerra, el disco se convierte en producto que se incorpora a la vida cotidiana. El cambio de 78 a 33 1/3 revoluciones por minuto y la grabación en microsurco, permitieron más cantidad de grabación. El vinilo lo hizo más liviano, duradero y portable, La consideración unitaria, con su sobre y especificaciones propias, definió el territorio de la tapa.
Las referencias al arte de tapa suelen partir de los años 50 y se ciñen a la música popular. En la música clásica ya había tratamiento de carátulas con función complementaria, informando sobre el contenido musical, autores, intérpretes, y se acompañaban de alguna ilustración alusiva (imágenes de los compositores, de los directores o de los músicos) Después de los ’70, sellos como DECCA o Deutsche Grammophon, introducen diseños que sintetizan el espíritu general de la obra, sin abandonar la solemnidad a tono, aun en el caso de operetas, óperas bufas, o música ligera.
En la música popular, el tono no necesita ser serio y es más libre. Géneros musicales destinados a la diversión, el consumo o la evasión, desarrollan un lenguaje visual más acorde con esas funciones. La segunda posguerra fue un momento muy apto para una música que expresa la distensión frente a una realidad que había encogido la capacidad de diversión, y comienza a dirigirse al segmento de los jóvenes que habían tenido la experiencia de la guerra y sufrido las privaciones de la misma.
Las portadas de la música popular de los ’50 están imbuidas de esa tónica, aunque como discurso involuntario acerca de la realidad. Hoy son un documento gráfico elocuente, pero no pretenden discurrir en un plano ideológico sobre la realidad, sino acompasarse a los nuevos roles sociales y a ser un efectivo medio de atracción del consumo. Las portadas tendían a reforzar la posición de los intérpretes y construir una imagen de los mismos con cierta independencia de sus cualidades artísticas. La decisión del diseño de tapa estaba a cargo de la empresa discográfica y se ejecutaba mayoritariamente a través de diseñadores que permanecían anónimos. Portadas de discos de artistas muy diferentes entre sí poseen fotografías que proceden de las mismas sesiones fotográficas, lo que demuestra el carácter intercambiable de las mismas. (4)
A partir de los años 60, una serie de artistas de tapa llevan el género a un nivel de artisticidad propio y equiparable al de obras que se consideraban dentro del mundo del arte.
Dibujantes, ilustradores, fotógrafos y diseñadores gráficos asoman al mundo artístico, a la par que artistas reconocidos se vuelcan a producir algunas carátulas. Los mismos músicos incursionan en el diseño de sus propias tapas y no son pocos los casos en que la influencia de tendencias artísticas serias se hacen sentir fuertemente en los diseños, frecuentemente en los discos de músicos que escapan a la comercialidad.
Arte en la tapa
La reproducción o cita de obras artísticas en las tapas se desarrolló paralelamente a la intervención de artistas en el diseño.
Particularmente interesante, es el disco Renegades de Rage Against The Machine, 2000, cuya portada presenta las letras con las cuales se forma la palabra RAGE. Alude a la obra del artista pop estadounidense Robert Indiana, LOVE. A su vez, implica otra, ya que la obra de Indiana resultó paradigmática dentro del mundo del arte y nos conduce a la producida por el grupo plástico canadiense General Idea, pero con la palabra AIDS. La obra de Indiana se afirma sobre la visión optimista de los años 60 y la procalamación del amor por la contracultura joven enfrentada a la guerra fría y a la guerra de Vietnam y asociada al All you need is love de los Beatles. La obra de General Idea entra en una zona ensombrecida de la realidad con el impacto de la aparición del SIDA, y la marginación y la discriminación económica que conlleva. La tapa de Rage Against The Machine lo vincula a la turbulencia de los años 90. El grupo estuvo siempre asociado a causas reivindicativas o revolucionarias, como el EZLN de Chiapas, entre otras. [A este caso ya nos referimos en un post anterior]
Otros casos de intervención artística son: Yoko Ono, el suizo H. R. Giger, el artista pop estadounidense, Mel Ramos, la polifacética artista y diseñadora estadounidense Barbara Kruger [estos dos ya mencionados en otro post], el peruano Alberto Vargas o Robert Rauschemberg, uno de los padres del Pop en Estados Unidos, a través del Junk Art
Yoko Ono - Seasons Of Glass - 1981
H. R. Giger - Debby Harry - KooKoo - 1981
Alberto Vargas - Bernadette Peters - Idem - 1980
Alberto Vargas - Bernadette Peters - Now Playing - 1981
Alberto Vargas - The Cars - Candy O - 1979
Robert Rauschemberg - Talking Heads - Speaking In Tongues - 1983
[Picture Disc - Edición Limitada]
El personaje más mediático del Pop en EEUU, Andy Warhol, ya había incursionado en el diseño de tapas, pero cuando se encaramó a la fama, este territorio del arte encajó perfectamente con sus múltiples actividades artísticas. Su primera producción paradigmática en el arte de tapa surge del ambiente por él creado, The Factory. Emergiendo del underground neoyorquino produjo a uno de los grupos musicales de culto más influyentes: The Velvet Underground, para la cual diseñó la portada de su primer disco. También las tienen discos de John Cale, Paul Anka, John Lennon y The Rolling Stones.
Andy Warhol - The Velvet Underground - Andy Warhol - 1967
Andy Warhol - Rolling Stones - Love You Live - 1977
Andy Warhol - Rolling Stones - Sticky Fingers - 1971
Andy Warhol - John Cale - The Academy In Peril - 1972
Andy Warhol - Paul Anka - The Painter - 1976
Andy Warhol - John Lennon - Menlove Ave. - 1986
Bordeando los límites de lo admitido por la censura encontramos los discos Load y RELoad del grupo de heavy metal Metallica. Sus portadas son imágenes del artista fotográfico estadounidense, de origen latino y afroamericano, Andrés Serrano. Inmerso más de una vez en escándalos ventilados hasta en el Congreso de EEUU, su obra toca aspectos religiosos, nacionalistas o morales que mellaron la sensibilidad del conservadurismo blanco, anglosajón y protestante (WASP). En las portadas de los referidos discos se presentaban obras de Serrano, pertenecientes a la serie Fluidos, imágenes fotográficas configuradas plásticamente como composiciones abstractas, provenientes de diversos fluidos corporales reales: sangre, orina, esperma, etc., pertenecientes al propio autor.
Andrés Serrano - Metallica - Load - 1996
Andrés Serrano - Metallica - REload - 1997
En las tapas de Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1967) y The Beatles (1968) participan artistas del pop inglés: en el primero, Peter Blake; en el segundo, Richard Hamilton. En la tapa de Sgt. Pepper’s …se presenta la fotografía que el fotógrafo Michael Cooper tomara en su estudio londinense de la maqueta armada, como collage espacial, por Peter Blake. Una centena de personajes artísticos, literarios, cinematográficos y de la cultura en general, seleccionados por Blake, los Beatles y algunos asistentes de la producción, en una mezcla heterogénea de preferencias y aversiones, rodean a la Banda del Sargento Pepper y a los muñecos de cera que representan a los Beatles. El disco se inserta en el momento en que el grupo se alejó de las presentaciones en vivo, y se refugió en los estudios por casi un año. Su portada comparte el espíritu general del disco. La idea principal fue crear un alter ego de los Beatles, a través de la Banda del Sargento Pepper. Esta aludía a las bandas pueblerinas inglesas y a los nombres extravagantes de las bandas psicodélicas. Los únicos seres vivientes de la foto de tapa son los propios Beatles como la banda alternativa, colocados al lado de los circunspectos muñecos de cera en que los había convertido la fama, y rodeados por los diversos personajes elegidos. El concepto resulta funerario, ya que aparecen como deudos en un entierro. No obstante, el tono no es de pesar, sino que, con lenguaje psicodélico y pop se expresa la satisfacción de echar tierra al monstruo de la fama que devora y consume al artista.
El contacto con la India, la influencia de la meditación trascendental, las búsquedas de fuentes musicales en los compositores contemporáneos Karlheinz Stockhausen y Luciano Berio (5) amplió el universo Beatle. La muerte de Brian Epstein, su manager, los obligó a asumirse a sí mismos y dejar de ser aquellos Beatles. Por ello, tras el funeral del grupo en Sgt. Pepper’s ..., aparece un grupo en su madurez: el álbum The Beatles.
La tapa de este disco, diseñada por Richard Hamilton, apuesta a un mensaje diferente al del Sgt. Pepper’s. Absolutamente blanca, destierra toda traza de psicodelia y se presenta como un nuevo comienzo. El grupo se presenta visualmente como cuatro individualidades, a diferencia de las imágenes de todos los discos anteriores en las que aparecían juntos en una misma toma. El álbum apoya musicalmente lo que la carátula indica: es la música que cada uno aporta al conjunto, en la que se puede apreciar el caudal creativo que es un muestrario de líneas de creación que la música rock adoptaría en años posteriores.
Peter Blake - The Beatles - Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band - 1967
Richard Hamilton - The Beatles - Idem [White Album] - 1968
Cuando los músicos también diseñan
Numerosos músicos intervienen en el diseño de tapa de sus propios discos o de colegas. Eligen un medio expresivo ajeno porque lo que tienen para decir musicalmente genera prolongaciones visuales que atañen a lo que la obra es en sí.
Jon Anderson (de Yes), Neil Young, Stephen Stills o Brian Ferry (líder de Roxy Music), son responsables del diseño, el concepto o la dirección artística de algunos de sus discos.
Cat Stevens, dibujó las portadas de varios de sus discos con acuarelas de imaginería arraigada en la tradición inglesa de ilustraciones y concordante con el universo de sus canciones, de tono intimista en su mayoría.
Cat Stevens - Mona Bone Jakon - 1970
Cat Stevens - Tea For The Tillerman - 1970
Cat Stevens - Teaser And The Firecat - 1971
Bob Dylan, John Lennon y la canadiense Joni Mitchell son otros destacados ejemplos de intervención de los músicos en el diseño de sus propias portadas.
Bob Dylan - Self Portrait - 1970
Bob Dylan - Planet Waves - 1974
John Lennon - Walls And bridges - 1974
Otras intervenciones fueron póstumas, como la utilización de su
famoso autorretrato, así como muchos otros dibujos suyos
Joni Mitchell - Wild Things Run Fast - 1982
Joni Mitchell - Clouds - 1969
Joni Mitchell - Ladies Of The Canyon - 1970
Referencias
(1) Véase Panofsky, Erwin, El significado en las artes visuales
(2) A título de ejemplo, véanse Ramírez, Juan Antonio, Medios de masas e Historia del arte, Cátedra, Madrid, 1988 y Zunzunegui, Santos, Pensar la imagen, Cátedra/Universidad del País Vasco, Madrid, 1989.
(3) El significado en las artes visuales
(4) Véase Ochs, Michael, 1000 Record Covers, Taschen, Köln, 1996, pp. 56 – 57, 67 – 69, 136 – 137.
(5) Rolling Stone, Edición extra 40º Aniversario, Octubre 2007, p. 44.
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