Como habíamos anticipado, hoy traemos otra versión mash-up de Tomorrow Never Knows, con performances más volcadas hacia la psicodelia original del tema y a sesgos sinfónicos y aún algún destello punk.
Por razones que solamente YouTube conoce, no podremos incrustar el video en este post, pero sí lo podrán ver siguiendo el link que les dejamos aquí.
Incluimos en este collage a:
Claypool Lennon Delirium, proyecto iniciado en 2015, conformado por Les Claypool [líder de la banda prog related Primus] y Sean Lennon [proveniente de su proyecto The Ghost of a Saber Tooth Tiger, que lleva junto a su pareja Charlotte Kemp Muhl], dedicado al Rock Psicodélico, Experimental y Progresivo [Art Rock]. La actuación proviene de la realizada en The House of Blues de Boston, el 17 de octubre de 2016.
Inverness es una banda chilena perteneciente al movimiento alternativo de Rock, formada en Santiago en 2009. La actuación proviene del programa televisivo de Rockaxis TV, "Señal en vivo", emitido en julio de 2014.
Condition Red es una banda sueco-finesa de Rock Progresivo y Metal Progresivo, que debutó en 1999 y publicó su primer álbum en 2000 para el sello Lion Music. La versión de Tomorrow Never Knows pertenece a un single de 2015.
El intermedio instrumental psicodélico proviene de la versión original del tema, por los Beatles en el álbum Revolver, de 1966. Las imágenes pertenecen a promocionales de la discografía beatle remasterizada para streaming, en 2015.
The Fab Faux es una banda tributo neoyorkina fundada en 1998, cuyo líder, Will Lee, era bajista en The Late Show with David Letterman. La actuación data de 2005 de un evento en beneficio de un ex integrante de The Dave Clark Five, y se llevó a cabo en el B. B. King Blues Club & Grill de New York.
Ranzen [independencia, en tibetano], es una banda italiana que hace música de los '60 y '70, con especial énfasis en los Beatles. Fue fundada en 1997 y el video proviene del Concierto en honor al Dalai Lama, en Rímini, en julio de 2005.
The Beatles' Magical Orchestra, es un cuerpo orquestal de 30 componentes, que se basa en la tradición de las Orquestas para niños y jóvenes del Maestro Leonard Bernstein, por lo que cumple fines didácticos a través de la música de los 4 de Liverpool. No encontramos datos sobre el evento del video.
Jamie Lenman es un músico e ilustrador inglés, exlíder de la banda de Rock Alternativo Reuben. Su música transita por el Rock Alternativo, el Hardcore Punk, el Heavy Metal y el Jazz. El video es un promocional de su último álbum, Shuffle, y de los conciertos de presentación del mismo en noviembre de 2019.
Con esto, completamos las versiones de Tomorrow Never Knows, aunque hay una enorme cantidad más.
Según la excelente página setlist.fm, que tiene una base de datos sobre casi 5 millones de conciertos, de más de 200.000 artistas, en casi 320.000 escenarios y en casi 100.000 festivales, la banda más versionada de esos conciertos son los Beatles con más de 80.000 covers en vivo, a cargo de más de 2550 artistas. En el caso de Tomorrow Never Knows, se ubica dentro de las 20 canciones más versionadas, con más de 1200 ejecuciones en escena, en conciertos desde 1968 hasta la más reciente registrada hace apenas unos días [15/12/19, en Chicago, por la banda de Rock Alternativo Wilko].
Con esto los dejamos, hasta pronto, amigos de ABBEY ROAD.
Continuamos con el legado beatle y el impacto en muy diversos artistas y géneros. Hoy venimos con el tema más lisérgico escrito por John Lennon, siguiendo las instrucciones del libro The Psychedelic Experience de Leary, Metzer y Alpert, en el que se interpretaba el Libro Tibetano de los Muertos en clave psicodélica.
De la búsqueda de versiones que realizamos, llegamos a la conclusión de no poder hacer un solo mash-up, dado que se orientan decididamente en dos netas direcciones: una hacia lo acústico con marcados dejos exotistas y toques intimistas de blues y otra hacia lo orquestal y electrónico con tintes rockeros. Por consiguiente, haremos dos versiones, de las cuales traemos hoy la tendencia acústica.
Aquí va [después damos datos de los músicos]:
Participan en este mash-up, el virtuoso Greg Howard, guitarrista estadounidense de jazz y world music, ejecutando el tema en un instrumento creado a fines de los '60 por el luthier Emmett Chapman, conocido como Chapman Stick, compuesto por 10 cuerdas, 5 que lo emparentan con el bajo y 5 que lo ligan a la guitarra. Se toca usando la técnica del tapping. [Una irónica coincidencia es que esta versión de un tema de Lennon redima el apellido Chapman, a través de este extraordinario instrumento]. La versión que traemos proviene de un concierto en el Corson Auditorium de la ciudad de Interlochen, Michigan, del 20 de agosto de 2009.
También interviene el eximio músico argentino - que no necesitaría presentación - Pedro Aznar. Cantante, compositor y multiinstrumentista, Aznar participó de bandas tan fundamentales como Serú Girán, así como también integró el Pat Metheny Group. Desde 1993 lleva una enorme carrera solista y nunca olvida en su repertorio a los Beatles. Esta actuación - con toques de música primigenia - proviene del 10 de mayo de 2006, en el Auditorio Cablevisión de Buenos Aires, Argentina.
El grupo Moonshee es una singular formación británica originaria del folk que incluye influencias internacionales. En su trayectoria ha actuado junto a pesos pesados como Paul Weller, Noel Gallagher y Paul McCartney. Utilizan un arsenal de instrumentos que remiten a muy variadas sonoridades [india, sudamericana, celta, irlandesa, inglesa] y la versión que utilizamos proviene del film promocional de su álbum Moonshee, editado el 24 de octubre de 2011.
Michael Hedges fue un reconocido guitarrista acústico de new age y música experimental, nacido en California en 1953 y fallecido también en California en 1997. Hedges incluyó Tomorrow Never Knows en su álbum Oracle, de 1996. Esta versión proviene de un video subido a YouTube por alguien que lo filmó en algún escenario entre 1996 y 1997, sin que dispongamos de más datos.
Daniela Andrade es una guitarrista y cantante canadiense nacida en 1992, proveniente del Rock Alternativo. Este video forma parte de la promoción de su gira por Europa en 2017.
Susheela Raman es una artista indobritánica de características muy singulares, destacada y premiada dentro de la World Music. Basa sus actuaciones en las tradiciones Bhakti y Sufí de India y Pakistán. El video es promocional de su actuación en The Roundhouse de Londres, del 1º de febrero de 2017, donde tocó junto a The Ghost Gamelan Orchestra. El gamelan es un tipo de formación orquestal originaria de Indonesia, en especial de Bali y Java, que incluye instrumentos de percusión, membranófonos y de cuerda frotada.
De un video publicado en 2012 proviene la performance de Lucien LaMotte, guitarrista y compositor originario de Seattle, Washington. LaMotte ha incursionado profusamente en géneros variados, como folk, rock, jazz, country, rhythm & blues y música clásica.
Michael Backhouse es un cantante, compositor y guitarrista de Sunshine Coast, Australia. Hace música acústica de base pop y rock. El video está producido por él mismo y subido a YouTube en 2012.
Finalmente, la última versión corresponde a Herman Junior Parker, muy reconocido cantante y músico de blues, originario de Memphis. Su fama lo ha llevado a ser integrado al Blues Hall of Fame y al Mississippi Musicians Hall of Fame. El video fue armado sobre la versión grabada por Parker en 1970 para su álbum The Outside Man, un año antes de su muerte a los 39 años.
Hasta aquí llegamos, amigos.
Volveremos pronto con la otra versión de este incombustible tema.
Retomando los mash up de temas de los Beatles muy versionados, le toca el turno a Come Together, emblemático de Lennon, que había sido concebido con un destino diferente al que tuvo.
En 1969, para las elecciones a Gobernador del Estado de California, y para rivalizar con el republicano Ronald Reagan [ex actor de Hollywood devenido político], el famoso psiquiatra Timothy Leary, prosélito del LSD y controvertido Profesor de Berkeley y Harvard, presentó su propia candidatura.
Trabó relación con Lennon al acompañarlo en el bed in que John y Yoko realizaron en Montreal y participó allí de la grabación del tema militante de Lennon "Give Peace a Chance". En retribución, John escribió para Leary un tema de campaña a partir del slogan político de Leary "Come Together, Join the Party" [Vengan juntos, únanse al Partido/Fiesta]. Pero finalmente el tema no prosperó como canción política y Lennon finalmente la grabó con los Beatles y sirvió para abrir rotundamente el álbum Abbey Road. Finalmente Leary perdió con Reagan y este terminaría siendo, en el despunte de los '80, Presidente de los Estados Unidos.
Este mash
up comienza con el propio Lennon en el Madison Square Garden en 1972,
en un concierto en beneficio de niños con retraso mental. La banda de
soporte es la Plastic Ono Elephant's Memory Band, proveniente del Rock
Psicodélico y Experimental. Lennon anuncia en el concierto que volverá al pasado una única vez y ataca con Come Together. El concierto está editado en DVD bajo el título "John Lennon Live in New York 1972".
Sigue luego la británica Jilly Riley, cantante de Soul y Soul Psicodélico, originaria de Wakefield, que versiona el tema de Lennon en el programa Ont Sofa Prime Sessions, realizado en los Prime Studios en 2014.
A continuación, el gran Joe Cocker en parte de su versión del tema para el film de Julie Taymor [2007] Across The Universe.
La banda tributo holandesa The Analogues, de las mejores en el mundo, realizó en setiembre pasado un especial para TV en el programa De Wereld Draait Door [El Mundo Sigue Girando] en el que interpretaron Abbey Road en su totalidad. De ese programa proviene este fragmento.
Sigue una banda argentina, Blazer, surgida en 2008 dedicada a cultivar el rock de los '70 y el grunge de los '90. En la ocasión reciben como invitada a la frontwoman - cantante y guitarrista - de la banda Eruca Sativa, Lula Bertholdi. El video fue grabado en el Estudio Crazy Diamond de Buenos Aires en 2015.
Otra banda argentina, precedente, ya que data de 1994, Catupecu Machu, dedicada al Rock Alternativo, el Hard Rock y el Metal Alternativo, entre otras vertientes, incluyeron su versión del tema de Lennon en su álbum debut de 1997 Dale!
En un salto estilístico, pasamos a una banda muy reciente, formada en Los Ángeles en 2017, dedicada al funk, Scary Pockets. En esta presentación en estudio, aparecen acompañados por el cantante de Pop, Jazz y R&B, nacido en Concord, California y radicado en Los Ángeles, Mario José. El video es de 2018.
En la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Londres en 2012 hubo varios homenajes a los Beatles. El tema Come Together estuvo a cargo de la banda de Indie Rock, Post Punk y Rock Psicodélico Arctic Monkeys, formada en Sheffield en 2002. De esa performance tomamos el puente instrumental con el breve solo de guitarra.
La banda norteamericana de hard rock Aerosmith, con Steven Tyler a la cabeza, incluyó el tema de Lennon en su repertorio desde 1978, cuando la editaron en single. Luego se incluyó su versión en la banda sonora del film Armageddon, de 1998. El fragmento que utilizamos aquí corresponde a su presentación en el Download Festival, realizado en Gran Bretaña en el Donington Park, Leicestershire, en el famoso autódromo, en 2014. Al año siguiente se editó este concierto en DVD bajo el título Rocks Donington.
Pasamos sin transición a un cuarteto de guitarras, nacido en Brasil en 2006, denominado Quadriphonix. Se dedican a hacer versiones acústicas de muy alto nivel, como se ve en esta presentación de 2013.
Originada en Lawrence, Massachusetts en 1995, la banda de Rock Alternativo Godsmack, incluyó su versión de Come Together en el álbum en vivo Live & Inspired, de 2012.
Del duro metal pasamos a las cuerdas del Ébène Quartet, grupo de música clásica formado en Francia en 1999 y que realizó su cover del tema de John en Medici.TV en 2010.
Gary Clark Jr., músico multiinstrumentista originario de Austin, Texas y activo desde 1996, hace su versión para el trailer de la película Justice League en 2017, de donde proviene este fragmento.
No podía faltar algun participante de programas de talento, en este caso American Idol. Candice Glover fue la ganadora de la duodécima edición del concurso en 2013 en Estados Unidos. Nacida en 1989 en Carolina del Sur, participó tres veces antes en los castings del certámen hasta lograr quedar seleccionada. Come Together fue uno de los temas que debió interpretar en su camino al triunfo.
La banda de ska punk originaria de Bristol Yes Sir Boss! participó del Secret Garden Party de Abbon Ripton, Gran Bretaña en 2010 y contó, para el tema de Lennon con la participación de la cantante de soul, blues y R&B británica Joss Stone. De esa performance proviene el fragmento incluido.
El estribillo del final está a cargo de Bobby McFerrin y Robin Williams, proveniente del álbum de George Martin In My Life, de 1998.
El final que repite "come together", estará a cargo de los ya presentados Aerosmith, Godsmack, Quadriphenix, Joss Stone con Yes Sir Boss! y Jilly Riley.
Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. Billy Shears. Banda y cantante alter ego de los Beatles cuando decidieron poner punto final a la Beatlemanía y comenzar a ser otros distintos a los que estaban "inmortalizados" en las figuras de cera de Madame Tussauds que asisten al funeral psicodélico de la portada del Sgt. Pepper.
Esa portada muestra gráficamente cómo podrán lograrlo "con una pequeña ayuda de los amigos", esos que pueblan el Universo Beatle.
Ese es el collage o mash up que proponemos hoy. Pero como el tema With a Little Help From my Friends tiene dos versiones "canónicas" - la original de 1967 de los Beatles, cantada por Ringo 'Billy Shears' Starr, y la que Joe Cocker estrenó en el Festival de Woodstock en 1969 - la tarea se volvió un tanto más dificultosa. Por ello, en esta oportunidad hay dos mash up ligados, tratando de que quede lo más fluido posible, en especial por la diferencia de tempo de ambas versiones.
El arranque está en el anuncio introductorio del cantante Billy Shears, aquí tomado de la presentación que los holandeses The Analogues realizaron de todo el álbum Sgt. Pepper en el Ziggo Dome de Amsterdam en el cincuentenario del lanzamiento del álbum original, en 2017.
Luego damos paso al auténtico Billy Shears, quien junto a su viejo compinche, Paul McCartney, recrean este tema en el escenario del Radio City Music Hall de Nueva York en 2009, con motivo del concierto Change Begin Within, para la Fundación David Lynch, que promueve la meditación trascendental.
Luego sigue la banda británica indie Razorlight, formada en 2002, como desprendimiento de The Libertines. La banda tuvo a su cargo este tema en el homenaje por los 40 años del disco original, en 2007, para el especial de TV que produjo la BBC bajo el título It Was 40 Years Ago Today, de donde está tomado el fragmento.
Le sigue la performance del músico de country y folk nacido en Cleveland, Jake Coco, quien recreó el tema junto a otros músicos - Tay Watts, Corey Gray y Adam Christopher en 2016.
Y volvemos a Ringo 'Billy' Starr, esta vez con su All Starr Band, en su encarnación de 2008, en una actuación en el Greek Theatre del Griffith Park de Los Angeles, California. En esa formación de la All Starr Band intervenían, entre otros, Edgar Winter, Gary Wright [ex Spooky Tooth], Gregg Bissonette [de la banda de David Lee Roth] y Levon Helm [ex The Band].
Sigue luego la banda escocesa de soft rock Wet Wet Wet, formada en 1982. La filmación proviene de un video musical publicado en 2013.
En este punto hacemos el enganche con la versión de Joe Cocker y será precisamente con una actuación suya de 2013, en el Lanxess Arena en Köln, Alemania, en el marco del Fire It Up Tour.
Siguiendo con la versión Cocker, tomamos la que hizo Jon Bon Jovi en los Estudios Kaufman Astoria de Nueva York para MTV en 1992.
Otra versión a lo Cocker es la de Aurora & The Betrayers, banda española de Rhythm and Blues y Soul, en la Discoteca Joy Eslava de Madrid en 2015.
En 1988, tras la disolución de la banda argentina Sumo, parte de sus integrantes [Ricardo Mollo y Diego Arnedo] fundan junto a Gustavo Collado una nueva banda, Divididos. En su repertorio de 2010, en su Amapola Tour, incluyeron este tema, en una versión más cercana a la de Cocker que a la original, pero más funky. Este fragmento es de uno de sus conciertos de junio de 2010 en el Luna Park de Buenos Aires, con la participación de Ciro Fogliatta [ex Los Gatos] en teclados y de Claudia Puyó, Fabiana Cantilo e Isabel de Sebastián en los coros.
Volvemos aquí a la actuación antes mencionada de Joe Cocker en Alemania, 2013, para que aparezca su característico alarido cuando canta "I need someone to love".
Y finalizamos con la versión incluida en el film Across the Universe, de Julie Taymor, de 2007, con una coreografía impecable, que recrea magistralmente el espíritu del tema. Aquí cantan Joe Anderson y Jim Sturgess.
Como siempre, esperamos que lo disfruten y saludamos a los amigos de ABBEY ROAD.
El final del álbum Abbey Road - hoy en su cincuentenario - trae varias peculiaridades.
En primer lugar, la presencia de una suite, creemos que por vez primera en el Rock, ya que algunos antecedentes como la ópera rock Tommy, de The Who, la Gemini Suite de Deep Purple o Days of Future Passed, de los Moody Blues eran obras conceptuales íntegras, con acompañamientos orquestales o puestas en escena. El medley del tramo final de Abbey Road, por el contrario no estuvo pensado conceptualmente sino como una especie de bricolage que, de cualquier modo, termina generando un conjunto que se percibe unitario, un claro antecedente de composiciones del Rock Progresivo que estaba despuntando en 1969 y que tendría larga descendencia en los '70.
En segundo lugar, precisamente porque ese medley - o The Long One, como se llamó como working title - está compuesto de fragmentos que de otro modo no hubieran visto la luz como temas.
En tercer lugar, el final del medley presenta dos hechos inusitados en la música beatle: a) podemos oir el único solo de batería hecho por Ringo [algo a lo que nunca fue para nada afecto] y que lo regala quizás porque sabían que lo más posible era que Abbey Road fuera lo último que crearan los Beatles; b) contiene el único solo y contrapunto triple de guitarra de todo el repertorio beatle, en otra demostración de lo única que sería esa ocasión.
Por todos esos motivos y porque siempre despliega su encanto sobre el oyente es que procedimos a hacer un nuevo collage o mash up con la secuencia "Golden Slumbers / Carry That Weight / The End".
Con las salvedades de que no es un trabajo profesional, que lo hacemos como algo recreativo y que la calidad de imagen y el nivel de sonido es variable, aquí les dejamos la secuencia.
En el comienzo aparece la que quizás sea la mejor banda de covers beatle a nivel mundial, los holandeses The Analogues, formada en 2014 y que centra su interés en la etapa en que los Beatles dejaron las presentaciones en directo y se centraron en la actividad de estudio. Esta interpretación corresponde a un especial de TV, en el programa De Wereld Draait Door [El Mundo Sigue Girando] donde interpretaron el álbum Abbey Road en setiembre del presente año con motivo del cincuentenario del disco y en anticipo de su gira 2019 - 2020.
El líder de la banda de covers Signal Hill, el canadiense Jason Campbell, grabó en 2015 un álbum solista, Missing Signals, en el cual incluyó diversos covers, entre ellos, este de los Beatles. La filmación corresponde al concierto presentación del disco. [Un detalle: canadiense y de apellido Campbell, ¿qué delirios desatará en las paranoicas mentes de los adeptos al complot Paul is Dead?]
La ganadora de La Voz edición española en 2017, la jerezana Alba Gil, ganó su semi final justamente con este tema. De esa actuación surge este fragmento.
Análogamente, en el mismo certamen del mismo año, pero en su edición noruega, The Voice Norges Beste Stemme, la participante nacida en Oslo, Kaja Rode, interpretó el mismo tema aunque con distinta suerte, ya que no alcanzó la final.
Y era hora de que apareciera el genio creador del tema, Paul McCartney, en una presentación sorpresa en Nueva York, en la Grand Central Station, para el público que pudo enterarse y llegó antes, en setiembre de 2018, en el marco de la promoción de su más reciente álbum, Egypt Station.
Una de las bandas tributo más longeva, Los Escarabajos, sevillanos formados en 1993, también interpretó esta parte del medley. La filmación proviene del último concierto de su proyecto Abbey [on the] Road, celebrando los 40 años del lanzamiento del álbum, realizado en la Sala Q de Sevilla el 9 de octubre de 2009, también aniversario de John Lennon.
La Orquestra Mineira de Rock es una singular formación que reúne a tres importantes bandas de Belo Horizonte, a saber, Cartoon, Cálix y SOMBA. Formada en 1999, periódicamente se reúnen en torno a nuevos proyectos. En 2016 llevaron al escenario del SESC Palladium de Belo Horizonte esta versión de Golden Slumbers / Carry That Weight / The End.
La más destacada banda Beatle de Argentina, Nube 9, liderada por Fernando Blanco [ex Super Ratones] también llevó a escena esta secuencia como parte de su proyecto La Historia de los Beatles en Canciones, filmado en la Sala Siranush de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires en 2014.
Otra banda de covers, Ed Turner & Number Nine, proveniente de Augusta, Georgia, se formó en 2005 y ha realizado innumerables covers de los Beatles. El de esta presentación corresponde a la actuación en el Imperial Theatre de Augusta, realizada en agosto de 2009.
Llegando a la entrada en The End, aparece Phil Collins, a nuestro juicio, más que apropiado para este fragmento que contiene un erizante 'Are you going to be in my dreams tonight?' y da rienda suelta a su vis de baterista en el solo del tema. La filmación corresponde al proyecto 'In my Life', en el cual George Martin reunió a figuras musicales y actorales para singulares interpretaciones de temas de los Beatles, en 1997.
Cuando arranca la siguiente sección rítmica, traemos la participación de Steven Tyler en la gala de los Kennedy Center Honors en su edición 2010, en la que fuera galardonado Paul McCartney, ceremonia en la que compartió palco con el Presidente Barack Obama y su esposa Michelle, en el Kennedy Center de Washington DC.
El solo / duelo de guitarras que cierra el tema merece que se le de espacio. Por ello, primero incluimos la versión que la banda tributo [ad hoc] Yellow Matter Custard, supergrupo formado por Neal Morse, Mike Portnoy, Paul Gilbert y en esta ocasión, para las actuaciones de 2011, por Kasim Sulton, realizara en el BBKing Club de Nueva York. Aquí dan rienda suelta a sus dotes Morse y Gilbert, que desarrollan un robusto duelo guitarrístico.
Pero incluimos también el solo de tres guitarras que el propio McCartney protagoniza junto a los guitarristas de su banda presente, Rusty Anderson y Brian Ray. Desde luego que le reservamos la conclusión acerca del amor que se toma y se hace y que cierra el final. The End.
Con esto nos despedimos hasta pronto, para traer otra parte del legado Beatle, del cual participan artistas de renombre, otros que están despuntando, bandas de covers y los propios ex Beatles.
Considerando la cantidad de censuras y prohibiciones sufridas por numerosas canciones de los Beatles, y habida cuenta de las innumerables versiones que el repertorio beatle ostenta al presente, se vuelve evidente aquello de que "lo que no te mata te fortalece".
La secuencia de censuras a temas de los Beatles arrancó con la que la BBC le impusiera a "A Day in the Life", el tema estrella del álbum Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, cuyo ejemplo fue imitado luego por la Directiva del Royal Albert Hall. Pero después siguieron varios más, algunos incluso cuando la banda ya estaba separada.
En 1967, un tema que corrió igual suerte fue "I am the Walrus", del álbum, doble EP y película para TV Magical Mystery Tour.
Pasado medio siglo, aquellas censuras parecen anecdóticas y los temas siguen vivitos y coleantes y son versionados por distintas bandas y artistas en variadísimos géneros y estilos personales y con diversos propósitos y objetivos.
Nos pareció interesante - y en lo personal, divertido - hacer una especie de collage o mash up, secuenciando algunas de esas versiones. La edición no es profesional ni pretende reconocimiento alguno en ese plano, es tan solo un divertimento que queremos compartir con los amigos de ABBEY ROAD.
Por problemas con YouTube y con el tamaño del archivo, debimos subirlo en tres partes. Aquí van
El primer fragmento presenta al líder de U2, el irlandés Bono, encarnando al Dr. Robert, quien en el film de Julie Taymor, "Across the Universe" [2007] recorre los Estados Unidos en su bus psicodélico Beyond, análogamente a las peripecias de Ken Kesey y Neal Cassady con sus Merry Pranksters en el bus Furthur [Further + Future], en 1964. El tema que debía simbolizar a la emergente contracultura era, obviamente, este. Continúa una banda tributo carioca, formada en 1998, la Black Bird Band, de alto nivel de producción y eficiencia.
En un salto abrupto de tempo, siguen los punk alemanes Die Totten Hosen, banda formada en Düsseldorf en 1982.
Otra banda de covers [no solo de los Beatles] es Eva y los Covernícolas, españoles, presuntamente mallorquines. La versión es de 2013.
No podía faltar la banda alternativa que ha sido vista como una de las herederas beatle, Oasis, de los hermanos Liam y Noel Gallagher, formada en Manchester en 1991 [con el nombre de The Rain], activa hasta 2010, y en cuyas filas intervino, como baterista para actuaciones en directo, Zak Starkey [también baterista para The Who], hijo de Ringo Starr. La versión es la de un concierto en Berlín en 2002.
En el siguiente fragmento aparece Ralph Buckley, cantante, compositor y performer de Seattle, en un video compuesto por Virgil Mandanici, de Virgil Guitars. Menuda banda tributo aparece después: Yellow Matter Custard, integrada por Neal Morse [ex Spocks Beard], Mike Portnoy [ex Dream Theater], Paul Gilbert [ex Mr. Big] y Matt Bissonette [bajista que acompañó, entre otros, a Ringo Starr, Jeff Lynne y Joe Satriani]. La presentación data de 2003 en el BBKing Club de Nueva York. Esta banda tributo ad hoc, se formó para actuar en dos oportunidades: 2003 y 2011 [en esta última, Kasim Sulton - bajista de Patty Smith y de Todd Rundgren, entre otros - sustituyó a Bissonette]. Otros proyectos como este fueron encabezados también por Portnoy, tributando a Led Zeppelin y Rush.
También traemos al argentino Pedro Aznar, ex integrante de Serú Girán - los Beatles argentinos - y de larga trayectoria junto a estrellas argentinas e internacionales [baste mencionar a Charly García y a Pat Metheny]. Versión de 2013 en el Gran Rex de Buenos Aires.
Luego una caída libre con la banda orquestal original para el intermedio instrumental y desembocamos en el jardín inglés en una original versión acústica a cargo de la cellista polaca Wera, que además es vocalista, videísta y se vale mucho de samplers. La banda progresiva Styx, originaria de Chicago en los '70 - y aún activa - también realizó su versión de este icónico tema lennoniano. Este fragmento proviene de un concierto en Cleveland, Ohio, de la gira 2006, junto a la Contemporary Youth Orchestra, del Cuyahoga Community College, de Cleveland.
El canadiense Ron Artemis tiene a su cargo el siguiente tramo. Residente en "somewhere in the woods", realiza una histriónica performance del tema en 2018. Y si seguimos por lo histriónico, encontramos a Jim Carrey, quien tuvo a su cargo este tema para el álbum "In my Life", del quinto Beatle George Martin, grabado en 1997 y editado al año siguiente.
Casi llegando al final, otra banda tributo, esta vez italiana, The Ladders, trae casi el último fragmento, que cede paso a otro de los grandes nombres que alguna vez rindió tributo a los Beatles.
Se trata de Frank Zappa & The Mothers, la inefable e imprescindible banda de RIO [Rock in Opposition] liderada por el insondable genio de Zappa. La versión viene de un concierto en Barcelona en 1988.
Y el final debía ser con la banda original y su parafernalia de efectos, grabaciones de emisiones de radio, con textos del shakespeariano Rey Lear, con la parte visual basada en las impresionantes ilustraciones y animaciones del español Álvaro Ortega.
Esperamos que lo disfruten, tanto como nosotros al compaginarlo.
Vendremos con otros collages de temas incombustibles de los Beatles, que las bandas de todos los tiempos recrean una y otra vez.
Republicamos hoy un post de hace algún tiempo, con consideraciones que entendemos mantienen su vigencia en el presente. Esperamos poder compartirlo con más amigos y lectores. -------------------------------------------------------- La historia de The Beatles muestra varias etapas en su evolución. Un período inicial que oscila entre el Rock y el Pop, un punto de inflexión entre 1965 y 1966 en que se percibe un viraje hacia rumbos más complejos y mejor elaborados, un período psicodélico en consonancia con la tónica cultural, de la cual supieron convertirse en referentes, una etapa de supergrupo y un final en el que prevalecen las individualidades que buscan sus propios caminos y los inician.
Dentro de todo este proceso se puede ver cómo el aspecto de la complejidad en la elaboración y realización de sus planteos va siendo creciente, de tal suerte que los Beatles que finalmente atraviesan la cebra de su propia historia para aventurarse cada quien por su cuenta, son sumamente distintos de los que iniciaron esa misma historia.
El punto de quiebre se encuentra entre Rubber Soul y Revolver, sobre los que alguna vez se dijo que podrían haber sido los discos 1 y 2 de un mismo álbum. Es singular que muchos estudios sobre The Beatles se centren especialmente en Revolver, un álbum que ha cobrado relieve con el correr de los años, ya que cada vez que se recurre a él, se hallan los gérmenes de la evolución posterior y aparece como banco de pruebas o laboratorio de ideas que tendrán después efectos duraderos sobre la música y la cultura rock posterior. Libros como Abracadabra! The Complete Story Of The Beatles' Revolver, de Ray Newman, o el segundo tomo de Walter Everett, The Beatles As Musicians, por citar dos, ponen el énfasis en lo importante que este álbum fue en la revolución músico-cultural producida por The Beatles.
La música de The Beatles eclosionó e impactó en todas direcciones. No debe haber zona de la música que no haya resultado afectada por tamaña explosión. Los impactos que nos interesa destacar en este post son aquellos que van en dirección del Rock Progresivo, los que han dejado marcas en tantas bandas que se constituyeron luego en los pilares del desarrollo progresivo de la música.
Queremos traer a colación canciones que, a nuestro juicio, convierten a The Beatles en un antecedente neto y claro de la idea de progresivo/a. Pero previamente, revisaremos en términos generales los elementos que emparentan a The Beatles con lo Prog, muchos de los cuales son implementados por ellos mismos por primera vez. [En un post anterior ya tratamos bastante de este asunto].
Cierto es que muchas de estas cosas son compartidas con otras bandas, pero dentro del mundo cultural underground, en el Swinging London, en el panorama más mundial de la psicodelia y la cultura rock, The Beatles supieron catalizar todo y trasmitirlo de modo de marcar tendencia permanentemente y ser así una referencia ineludible de esa misma cultura rock.
1. ALEJAMIENTO DEL FACILISMO, ACEPTACIÓN DEL DESAFÍO DE LA COMPLEJIDAD.
Si bien la música temprana de la banda no es para nada facilista ya que se encuentra llena de sutilezas musicales y de preciosismos armónicos, se basa en una idea más simple que su producción posterior. Lo que sí resultaba facilista era el ámbito del cual provenía aquella música, lleno de bandas pasajeras que deseaban pegar un éxito y se apegaban a las canciones de tres acordes básicos, pegadizas y pasatistas.
The Beatles aceptaron ir subiendo la apuesta y hacer de su música algo cada vez más complejo e investigativo, tanto en la estructura musical como en el perfeccionamiento lírico.
2. LA INCORPORACIÓN DEL ESTUDIO COMO UN INSTRUMENTO MÁS.
Es sabida la historia de por qué dejaron de hacer giras y de actuar en público. Prefirieron poder hacer música antes que ser objeto de adoración en el altar del espectáculo por parte de jovencitas gritonas. Sin poder oir lo que estaban tocando y presentir que estaban sonando muy mal, no podía ocurrirles otra cosa que estancarse y eso es precisamente lo que nunca se permitieron. En cada paso que dieron siempre buscaron incorporar algo distinto. Pues bien, salidos de los escenarios, su lugar fue el estudio de grabación y allí aprendieron a sacarle todo el provecho posible. Lo convirtieron en un instrumento más y lo pusieron al servicio de su creatividad. Aunque rudimentaria, la tecnología implícita del estudio impresionó la música que de allí en adelante saldría de sus sesiones y pasaría a ser indispensable para lograr los resultados. Todos los artilugios técnicos que comenzaron a dominar resultaban - en aquel entonces - imposibles de llevar a la escena. Con esto le dieron un gran espaldarazo a los Ingenieros de Sonido, que llegan a participar del proceso creativo mismo, cuando no los músicos se van convirtiendo también en Ingenieros.
3. CAMBIOS EN LA ESTRUCTURA DE TEMAS Y ÁLBUMES
Los temas del Pop y el Rock, del R&B, del Folk y del Country tenían una estructura muy predeterminada y repetitiva. En la búsqueda del éxito comercial, era muy atrevido afectar la fórmula, alterar los componentes del éxito, dentro de los cuales estaba, sin duda, la estructura de los temas. Estrofa, estribillo y puente eran aspectos compositivos muy poco alterables, garantizaban la buena factura de una canción, a lo que debía unirse una sólida concepción lírica. The Beatles experimentaron con la fórmula, nunca se adscribieron incondicionalmente, sino que exploraron las posibilidades que brindaba. Eso los hizo excelentes creadores de canciones. Pero luego se atrevieron a transgredir la fórmula y explorar la forma. Es decir, buscaron más allá de los límites y expusieron sus hallazgos. Eso los hizo excelentes músicos. En estas búsquedas debemos mencionar que tampoco se pusieron límites en cuanto a los géneros. Transitaron por todos cuantos más pudieron y en la medida de lo posible, los transgredieron. Pero además introdujeron la lógica de la suite que tantos grupos progresivos emplearían, al interrelacionar fragmentos que no habían tenido aún su dearrollo como canción y de esa fusión, sale toda una composición nueva que es más que la suma de las partes.
4. LA LÓGICA DEL SUPERGRUPO
En determinado momento, al término de la breve etapa psicodélica, The Beatles se presentan como renaciendo. Como en todo renacimiento, la vida posterior es distinta a la precedente. Un supergrupo es un ensemble en el cual sus componentes tienen ya una trayectoria hecha y se unen para un nuevo proyecto conjunto, proviniendo cada uno de diversos orígenes. En el caso de The Beatles, la salida del sueño psicodélico y su pasaje por la India, provocaron evoluciones diferentes en cada uno de tal suerte que la banda que se manifiesta en el White Album parece otra respecto a la anterior. Aquí funciona la lógica del supergrupo: cuatro evoluciones propias que confluyen para un proyecto nuevo [el blanco total del inicio, del emerger a una nueva realidad], solo que en este caso los cuatro integrantes provienen de la misma banda anterior. Pero a diferencia de otros casos en los que la banda tiene un viraje pero se mantiene unitaria, en el caso de The Beatles, el proceso lleva a la acentuación progresiva de las individualidades y al rol de acompañamiento de los otros integrantes.
5. LA INCORPORACIÓN DE INSTRUMENTOS, RITMOS Y TRADICIONES CULTURALES EXÓGENAS A SU CULTURA Y GÉNERO MUSICAL
Por una serie de causas que no es del caso tratar aquí, una de las innovaciones musicales estribó en salirse de la estructura férrea del grupo de Pop o de Rock tradicionales. Cinco miembros: Guitarra [o guitarras], batería, bajo, teclado [opcional] y voz. The Beatles respetaron el número en un comienzo, pero la parte más formativa y fundamental de su trayectoria la hicieron en base a cuatro integrantes únicamente. Quizás por eso se habla siempre de un 5º Beatle [como productor y arreglador, como manager o como músico invitado]. Pero desde el principio mostraron versatilidad en cuanto a insturmentos se refiere, especialmente John y Paul, alternando entre las cuerdas y los teclados, o incorporando la armónica o luego el melotrón. George demoró un poco más, pero desde que tomó interés el la cultura oriental, introdujo ritmos y aires musicales que requerían del uso de un instrumento nuevo para ellos, el sitar. Los horizontes culturales se ampliaron y ya no fueron solo una banda para Occidente. Habría también que mencionar el rol de George Martin como arreglador y director de los distintos cuerpos orquestales que acompañan a The Beatles en no pocos temas y a Geoff Emerick en el trabajo de interpretar las intenciones de la banda en cuanto a qué sonido pretendían lograr, en lo cual el Ingeniero de Sonido tuvo un papel relevante.
6. LA INTERRELACIÓN DE LA MÚSICA ROCK CON ÁREAS DE LA CULTURA CIRCUNDANTE, YA SEA DESDE LA LITERATURA COMO DE OTRAS MANIFESTACIONES ARTÍSTICAS.
También en la medida que avanzaron en su trayecto, se empiezan a hacer sentir las influencias de otras manifestaciones artísticas u otros géneros. La alusión a estructuras clásicas de la música son reiteradas. Pero también la influencia de la literatura en muchos textos de las canciones. Asimismo, la inmersión en un ambiente cultural que eclosionaba en los '60, con una generación joven que quiso producir su propio entorno cultural [Swinging London, Psicodelia, Hippies, Flower Power, Underground, Generación Beat, etc] para no parecerse a sus padres sino a sí mismos, pero que no desdeñaron la cultura precedente, sino que la adoptaron selectivamente y sin preconceptos académicos. A ese mundo aluden en pasajes, ya de modo directo por mención, ya demodo indirecto por el clima que desarrollan los temas.
7. LA APROXIMACIÓN A LA VANGUARDIA Aproximación a varias vanguardias, las de principios de siglo, las de la segunda posguerra y las que vendrían [en cuya corriente se embarcaron], lo que equivale a decir aproximación al concepto mismo de vanguardia. Esto significa orientar su creación siempre hacia un lugar más allá de aquel en que se hallan. Esta idea de 'progresiva' y será George Harrison el primero en utilizar este término, seguramente sin saber qué destino correría luego. Previo a la realización del icónico Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, Harrison dijo: 'cualquier cosa que hagamos tiene que ser real y progresiva'. Lo cierto es que The Beatles, habiendo ocupado un lugar de preeminencia desde su despegue imparable de 1963, no se quedaron en la cumbre del éxito a esperar que se les pasara, repitiendo la fórmula, sino que saltaron hacia otros lugares que no siempre garantizarían alcanzar otra cumbre, pero que sí garantizaban moverse, no sumirse en la estática y el inmovilismo de la fórmula exitosa. Así construyeron para sí un lugar de vanguardia desde el que guiaron, casi sin proponérselo, el proceso posterior. Todas las banda progresivas de los '70, de los '90 y del nuevo milenio reconocen que algún tributo pagan a aquella Revolución [la número 1 y la 9 también]. Tras este preámbulo, que quizás pueda haber pecado de extenso, pasemos a nuestra propuesta de temas de The Beatles que anuncian, prefiguran, anticipan o participan de 'lo progresivo'.
Enumeración no exhaustiva que los amigos de ABBEY ROAD pueden completar y enriquecer con sus aportes, sus puntos de vista y sus argumentaciones, todo lo que será muy bienvenido.
1966. El año clave.
De esa maravilla de álbum que es Revolver, nos referiremos a 4 temas:
Eleanor Rigby. Complejidad instrumental nunca vista antes en un tema de la banda, superponiendo capas de los instrumentos y las voces. 4 violines, 2 violas, 2 violoncellos con arreglos de George Martin. La importancia del estudio en tanto la grabación se ralentizó un poco para que pasada a velocidad normal sonara algo más aguda. El carácter narrativo de la letra, un historia condensada en tres simples versos que construye dos personajes bien definidos, literarios, asimilables a la cultura literaria.
Love You To.Primer tema de la banda con sonoridades exóticas, intercambio de matrices culturales incorporando a una banda de rock instrumentos como el sitar y la tabla.
She Said, She Said. La creación de atmósferas, tan cara posteriormente al space rock, en este caso por medio de la inclusión del órgano. Otra vez la tecnología doblando y acelerando ligeramente la voz. Complejidad desde el punto de vista lírico, elevándose poéticamente, con ambiente onírico y hermético.
Tomorrow Never Knows. El tema más claramente progresivo del álbum. Es el trabajo fundamental de estudio de este álbum, por el uso de loops, sonidos de risas, vasos, sitar, guitarras, ralentizados, acelerados o en backwards. El uso de una instrumentación al servicio de lo atmosférico del tema agregando tambura y órgano. La estructura del tema que se basa en un misma nota con reiteración rítmica y con arreglos superpuestos. La base de la lírica en una obra preexistente [en parte textual, como el comienzo Turn off your mind, relax and float downstream, tomado de la versión de Timothy Leary de El Libro Tibetano de los Muertos], que vincula doblemente con la tradición de los Lamas y con la Psicodelia. Las voces que también aparecen procesadas técnicamente responden a al propósito de Lennon de que sonaran especialmente, según pidió, como el Dalai Lama desde los Himalaya.
1967. Las bases del Prog en estado químicamente puro. El Estudio como Laboratorio.
Seis meses de trabajo en estudio conducen a la que ha sido considerada la obra total, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. De ella elegimos:
Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. El comienzo de la ficción que plantea el disco, el concierto de la banda alter ego. El tema sienta los rudimentos del Heavy Rock con sus guitarras ácidas. Jimi Hendrix captó inmediatamente esa esencia y versionó el tema un par de días después de salido el álbum. El estudio se manifiesta en el collage de pistas que se interrelaciona con el tema principal. La instrumentación se potencia orquestalmente con órgano y 4 trompas.
Lucy In The Sky With Diamonds. Siguiendo la huella de Tomorrow Never Knows, Lennon se descuelga con una película musical de imágenes surreales y atmósfera psicodélica. El estudio juega su rol en el procesamiento de la voz. La instrumentación se hace densa y por capas, incluyendo órgano Hammond con un registro especial semejante a la celesta y con sitar.
Being For The Benefit Of Mr. Kite. Nuevamente Lennon tomando texto literalmente, en este caso del cartel de publicidad de un espectáculo circense del siglo XIX. Un gesto bien Pop el de extractar un fragmento de pasado y apropiárselo para resignificarlo artísticamente. Un uso muy neto del objet trouvé, una suerte de ready made, en vínculo con la vanguardia conceptual del arte. El aire circense es bien referido, pero queda claro que este es un circo surreal. A esta atmósfera cooperan los recursos de estudio como los órganos en loops tocados a diferentes velocidades y duplicados y los órganos Hammond y Würlitzer y las armónicas que generan capas sonoras.
Good Morning, Good Morning. Más guitarras ácidas, más instrumentación orquestal [3 saxos, 2 trombones y 1 corno francés] y gran protagonismo del estudio con muchos overdubs de sonidos de animales huyendo ordenados por capacidad de asustar al animal siguiente, todo lo cual da una organización importante dentro de lo caótico que aparenta el conjunto. ¿Anticipo para el Math Rock? Y también un importante juego con el cambio de tempo.
A Day In The Life. Otra pieza arquetípica del mosaico Proto Prog de The Beatles. Para comenzar, la estructura de suite, quizás no buscada inicialmente, pero producto de haber casado dos piezas inconclusas, una de Lennon [I read de news today, oh boy ...] y otra de McCartney [Woke up, got out of bed ...] por medio de una sección orquestal de 24 compases marcados por Mal Evans en el piano por medio de una nota repetitiva y una cuenta regresiva. La orquestación, ideada por McCartney, quien también dirigió a la orquesta de 40 músicos [que aparece doblada en estudio], plantea una secuencia sonora no convencional, signada por la aleatoriedad pero también por una consigna: un crescendo no armónico, a un tempo dispar, en el que cada instrumento debía ascender desde el registro más grave hasta el más agudo. Todos los instrumentos desdempeñan un rol sinfónico y se destaca muy particularmente el trabajo de percusión que pasa de ser una base rítmica a una especie de melodía propia, un fraseo musical de enrome protagonismo. El final sinfónico junta la orquesta en un nuevo crescendo, un armonio y el sonido conjunto de tres pianos de concierto.
Del mismo año fue el
single que está considerado como el mejor de la historia, cuyos temas
son tan equiparables que ambos son cara A, aunque fue el primer single
que no logró alcanzar el número 1 de los charts [el primer lugar lo
ocupó el tema Release Me por Engelbert Humperdinck]. Sin embargo,
Strawberry Fields Forever y Penny Lane perduran en la cultura general de
la gente y el tema de Humperdinck, sin haber caído en el olvido, no
gravita nada actualmente. En realidad ambos temas forman parte del mismo proyecto que Sgt. Pepper, pero debieron salir anticipadamente en forma de single por exigencia del mercado y las discográficas.
Strawberry Fields Forever. Otro tema de densa instrumentación, sinfónico con uso de mellotron, 2 violoncellos, 2 trompas y trompeta contralto. El estudio se manifiesta en los overdubs, en las distorsiones , el uso de disonancias y en el prodigio de haber unido dos tomas que estaban en tonos y tempos diferentes, logrando una transición innovadora pero no discordante. El sinfonismo queda manifiesto también en el segundo final, arrollador y muy delirante. Es muy interesante compara el resultado final con la maqueta del tema que Lennon trajo al estudio, la que había sido compuesta en Almería, durante la filmación de How I Won The War.
Penny Lane. El aporte de McCartney en una línea muy clásica a la vez que innovadora. La parte lírica de este tema, al parecer, estuvo inspirada no solo por los recuerdos liverpoolianos de McCartney sino también por el poema Fern Hill, de Dylan Thomas. El tema se sinfoniza con orquestación de vientos y con contrabajo de arco y flautas [tocados por McCartney, además del bajo] y el solo de trompeta píccolo, un prodigio para el instrumento, tocado por el músico de la London Symphonic, David Mason, a quien McCartney había descubierto viéndolo tocar un Concierto Brandenburgués de Johann Sebastian Bach por TV.
De otro single de 1967 es otro tema importante para este post:
All You Need Is Love. Otro aporte de Lennon, esta vez para la primera trasmisión intercontinental, con The Beatles representando a Gran Bretaña. La orquestación es aquí la clave: 2 trompetas, 2 trombones, 2 saxos, 4 violines, 2 violoncellos y acordeón, además de la banda, hacen de este tema un anticipo de las experiencias con orquestas sinfónicas que vendrían enseguida [Moody Blues, Deep Purple]. El sentido orquestal y sinfónico se desenlaza al finalcon un clímax en que los intrumentos superponen múltiples líneas melódicas.
De 1967 también es Magical Mystery Tour, otro proyecto psicodélico que contiene uno de los temas más progresivos der la banda:
I Am The Walrus. También posee una estructura sinfónica y de suite. Sinfónica por la instrumentación sumamente densa [mellotron, 8 violines, 4 cellos, 3 trompas, además de los instrumentos propios de la banda] y de suite porque también alterna partes donde se operan cambios de tempo. El texto es surreal y de inspiración varia [Lewis Carroll, por la inspiración fundamental en la Historia de la Morsa y el Carpintero; William Shakespeare por el recitado final de El Rey Lear y Edgar Allan Poe por la mención expresa en la letra]. Pero asimismo es de un permanente juego por aliteraciones permanentes [I am he as you are he as you are me; Corporation T-Shirt, stupid bloody tuesday; Mister city policeman sittin pretty little policemen; Crabalocker fishwife, pornographic priestess; Expert texpert chocking smokers don't you see the joker's laughs at you, entre otras] lo que confiere musicalidad al texto en sí aunque se lo diga sin música. A esto sumemos los overdubs, los loops, el procesamiento de las voces y los coros de la sección final, 6 voces masculinas haciendo el oompa, oompa y 6 voces femeninas haciendo el everybody's got one! para completar el panorama de una compleja trama que anuncia tiempos nuevos en la música.
1968. El desdoblamiento en múltiples direcciones del White Album.
El White Album podría llevar el título del cuento de Cortázar El Jardín de los Senderos que se Bifurcan. No solamente los temas difieren estilísticamente sino que se abren múltiples líneas personales. De aquí seleccionamos:
Dear Prudence. Un tema que parece sencillo pero que es un ejemplo de progresión en compejidad. Lo que era un tema para animar y levantar el espíritu de la hermana de Mia Farrow, Prudence en el Ashram del Maharishi en Rishikesh, India, se convirtió en una pieza de estructura con superposición de capas instrumentales. El comienzo solamente contempla guitarras, luego aparece la voz doblada, se incorpora el bajo de a un nota, le sigue la batería con el bajo ahora con un fraseo, aparecen los coros, se suman guitarras, aparece un contrapunto entre el bajo y las guitarras, la percusión se complejiza, se incorporan teclados y se desarrolla un contrapunto entre la voz y las guitarras. Todo el tema es un progresivo crescendo que alcasnza un clímax que se resuelve con un rápido anti clímax.
Glass Onion. En este tema hay que destacar el rol sinfónico de los instrumentos, la superposición de capas sonoras y la orquestación. En el aspecto lírico, es un muestrario autorreferencial, ya que mira hacia atrás en la obra Beatle, y realiza permanentes autocitas [Strawberry Fields, the walrus, Lady Madonna, the fool on the hill, fixing a hole], nuevo uso de objets trouvés como ready mades y resignificación.
Hapiness Is A Warm Gun. Otro tema con estructura de suite que conjunta tres temas diferentes [She's not a girl who misses much ...; I need a fix 'cause I'm going down ... y Hapiness is a warm gun ...] y que presenta, por lo tanto, cambios de tempo y ritmo. También está la crreación de atmósferas con el uso de guitarras ácidas y asimismo el irónico uso de la parodia de formas musicales como el doo woop [los coros haciendo shoop shoop doo woop]
Piggies. Aires clásicos mozartianos, instrumentación en base a clavicordio y cuerdas, pero también overdubs, loops yvoz procesada.
Helter Skelter. El primer tema de Heavy Rock en su totalidad con guitarras ácidas y sinfónicas e instrumentación compleja. Un tema que en su primera versión duraba entre 24 y 27 minutos y que fue acortado por obvias razones. Según McCartney se propuso hacer el rock más fuerte, desagradable y sucio que pudiera. Icónico.
Cry Baby Cry. Aquí señalamos la instrumentación compleja, agregando armonio, piano y órgano, además de overdubs. El tema teien un crescendo en intensidad, desde la casi desnuda voz de Lennon al principio a la textura sonora del final. La percusión no solamente acompaña sino que genera micro temas rítmicos.
1969. El desenlace. The Beatles se disuelven pero nace el Prog Rock.
En este año se grabaron dos discos y se compuso del material de otro que se postergó para el año siguiente.
Yellow Submarine incluye un par de temas que podemos considerar aquí:
Only A Northern Song. La clave está en los arreglos y overdubs y en el uso de instrumentos discordantes, es decir, no afinados entre sí, usando medidas disonancias.
It's All Too Much. Un tema de estructura sinfónica con capas superpuestas e instrumentación compleja.
Sin duda que el álbum de 1969 es Abbey Road y en él encontramos algunas buenas partes ya rayanas en el naciente Progresivo ese mismo año.
In Want You [She's So Heavy] Muy buen ejemplo por la progresividad der su evolución como tema, con una atmósfera densa, un clima oscuro, un cierto aire heavy, con superposición de capas y overdubs. En este tema ya emplean un instrumento que venía ganando terreno y que será una de las estrellas del Prog, el sintetizador. Pero las novedades técnicas no paran allí, sino que también incluyeron un generador de ruido blanco [ruido aleatorio que posee la misma densidad espectral de potencia a lo largo de toda la banda de frecuencias]. El tema también tiene estructura de mini suite [I want you, I want you so bad ...; She's so ... heavy!]
Medley final de Abbey Road [desde You Never Give Me Your Money hasta The End]. Estructura totalmente deliberada de suite, uniendo una serie de fragmentos de temas inconclusos en una suerte de collage o cadáver exquisito musical. La instrumentación varía de un fragmento a otro, cambian los tempos y ritmos, hay orquestaciones y ciertos tonos épicos, en un crescendo global que asciende hasta el clímax de And in the end ... para dar paso a un rápido descenso al anti clímax por medio del ...the love you take is equal to the love you make ... Detalle que por conocido no es menos significativo. En el corte final del álbum intervino el azar. En la secuencia original el micro tema Her Majesty venía inmediatamente después de Mean Mr. Mustard y antes de Polythene Pam. Se dicidió cortarlo y descartarlo. A tales fines [ya que en EMI no se tiraba nada] se pegó el snipett al final de la cinta con la indicación de que no iba. Cuando se hizo el master, por alguna razón se obvió la indicación y Her Majesty quedó incluida al final del disco con un espacio de silencio algo mayor al común, algo así como un antecedente de las hidden tracks. El acorde que se oye al principio de Her Majesty no pertenece al tema, sino que es una ínfima parte del final de Mean Mr. Mustard. Pero escuchado como está en el disco parece un magnífico comienzo. En la edición original de Abbey Road Her Majesty ni siquiera quedó acreditada en el setlist, hecho que fue reparado en ediciones posteriores. El azar incluyó lo que la necesidad había descartado.
De 1969 proceden los temas que conforman el álbum Let It Be, cuando todavía era el proyecto Get Back [enero de 1969]. Todo ese material durmió un año largo hasta que fue editado en mayo de 1970 como el canto de cisne de la banda. De Let It Be señalemos:
I've Got A Feeling. También es un tema con formato de mini suite, al yuxtaponerse y luego entremezclarse dos temas diferentes en potencia sonora, en estilo de voz y en intensidad emocional. Un tema es el de McCartney [I've got a feeling, a feeling deep inside ...] de gran fuerza y sonido rockero, duro y potente guitarra. Otro es el de Lennon [Everybody's had a hard year ...] melódico, más armónico, más sosegado. Curiosa contraposición que denota cuán distintos era a esa altura los integrantes de la dupla compositora más famosa. Pero también el hecho de que entrelazaran los dos temas muestra como seguían siendo capaces de crear juntos, aunque fuera por última vez.
Seguramente los amigos de ABBEY ROAD podrán aportar muchos más ejemplos ya que, afortunadamente, lo que uno no ve [u oye en este caso] otro es capaz de hacerlo.
De cualquier forma, queremos terminar este post realzando un aspecto que el tiempo ha puesto de relieve: en todos estos temas hay un magnífico trabajo de percusión que demuestra la gran calidad de baterista de Ringo Starr, quien no necesitó de hacer intrincados solos de batería para demostrar su fundamental rol en la banda más famosa del mundo, la banda que lo cambió todo. Baste citar Tomorrow Never Knows, A Day In The Life, I Am The Walrus o Good Morning Good Morning, por nombrar alguno, para tomar cabal noción de su estatura artística.
Les dejo un video que sirivió de introducción a la ceremonia en la cual Ringo Starr fue inducido al Rock'n'Roll Hall of Fame hace muy poquito, salvando así una injusticia histórica. Ahora The Beatles como banda y Lennon, McCartney, Harrison y Starr individualmente, están debidamente consagrados. En el video varios bateristas se refieren a las virtudes de Ringo y a cómo los ha influido como ejecutantes del instrumento. En 3 minutos aparecen dando testimonio y rindiéndole homenaje, bateristas como Max Weinberg [E Street Band], Ahmir Thompson [The Roots], Dave Grohl [Nirvana, Foo Fighters], Jim Keltner [Traveling Wilburys, John Lennon, George Harrison, Ringo Starr y un sinfín más], Stewart Copeland [The Police, Curved Air], Tré Cool [Green Day], Chas Smith [Red Hot Chili Peppers], Taylor Hawkins [Foo Fighters] y Abe Laboriel Jr. [Paul McCartney]. Si el video está desactivado, puede verse en YouTube, siguiendo el link https://www.youtube.com/watch?v=cqeBt5ZO4mU
Bien, amigos de ABBEY ROAD, llegamos al final del post. Esperamos los comentarios y aportes.
