CANCIONES QUE HACEN A THE BEATLES UNA BANDA PROTO PROG

Republicamos hoy un post de hace algún tiempo, con consideraciones que entendemos mantienen su vigencia en el presente. Esperamos poder compartirlo con más amigos y lectores.
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La historia de The Beatles muestra varias etapas en su evolución. Un período inicial que oscila entre el Rock y el Pop, un punto de inflexión entre 1965 y 1966 en que se percibe un viraje hacia rumbos más complejos y mejor elaborados, un período psicodélico en consonancia con la tónica cultural, de la cual supieron convertirse en referentes, una etapa de supergrupo y un final en el que prevalecen las individualidades que buscan sus propios caminos y los inician.

Dentro de todo este proceso se puede ver cómo el aspecto de la complejidad en la elaboración y realización de sus planteos va siendo creciente, de tal suerte que los Beatles que finalmente atraviesan la cebra de su propia historia para aventurarse cada quien por su cuenta, son sumamente distintos de los que iniciaron esa misma historia.

El punto de quiebre se encuentra entre Rubber Soul y Revolver, sobre los que alguna vez se dijo que podrían haber sido los discos 1 y 2 de un mismo álbum. Es singular que muchos estudios sobre The Beatles se centren especialmente en Revolver, un álbum que ha cobrado relieve con el correr de los años, ya que cada vez que se recurre a él, se hallan los gérmenes de la evolución posterior y aparece como banco de pruebas o laboratorio de ideas que tendrán después efectos duraderos sobre la música y la cultura rock posterior. Libros como Abracadabra! The Complete Story Of The Beatles' Revolver, de Ray Newman, o el segundo tomo de Walter Everett, The Beatles As Musicians, por citar dos, ponen el énfasis en lo importante que este álbum fue en la revolución músico-cultural producida por The Beatles.

La música de The Beatles eclosionó e impactó en todas direcciones. No debe haber zona de la música que no haya resultado afectada por tamaña explosión. Los impactos que nos interesa destacar en este post son aquellos que van en dirección del Rock Progresivo, los que han dejado marcas en tantas bandas que se constituyeron luego en los pilares del desarrollo progresivo de la música.

Queremos traer a colación canciones que, a nuestro juicio, convierten a The Beatles en un antecedente neto y claro de la idea de progresivo/a. Pero previamente, revisaremos en términos generales los elementos que emparentan a The Beatles con lo Prog, muchos de los cuales son implementados por ellos mismos por primera vez. [En un post anterior ya tratamos bastante de este asunto].

Cierto es que muchas de estas cosas son compartidas con otras bandas, pero dentro del mundo cultural underground, en el Swinging London, en el panorama más mundial de la psicodelia y la cultura rock, The Beatles supieron catalizar todo y trasmitirlo de modo de marcar tendencia permanentemente y ser así una referencia ineludible de esa misma cultura rock.

1. ALEJAMIENTO DEL FACILISMO, ACEPTACIÓN DEL DESAFÍO DE LA COMPLEJIDAD.

Si bien la música temprana de la banda no es para nada facilista ya que se encuentra llena de sutilezas musicales y de preciosismos armónicos, se basa en una idea más simple que su producción posterior. Lo que sí resultaba facilista era el ámbito del cual provenía aquella música, lleno de bandas pasajeras que deseaban pegar un éxito y se apegaban a las canciones de tres acordes básicos, pegadizas y pasatistas.

The Beatles aceptaron ir subiendo la apuesta y hacer de su música algo cada vez más complejo e investigativo, tanto en la estructura musical como en el perfeccionamiento lírico.

2. LA INCORPORACIÓN DEL ESTUDIO COMO UN INSTRUMENTO MÁS.  

Es sabida la historia de por qué dejaron de hacer giras y de actuar en público. Prefirieron poder hacer música antes que ser objeto de adoración en el altar del espectáculo por parte de jovencitas gritonas. Sin poder oir lo que estaban tocando y presentir que estaban sonando muy mal, no podía ocurrirles otra cosa que estancarse y eso es precisamente lo que nunca se permitieron. En cada paso que dieron siempre buscaron incorporar algo distinto. Pues bien, salidos de los escenarios, su lugar fue el estudio de grabación y allí aprendieron a sacarle todo el provecho posible. Lo convirtieron en un instrumento más y lo pusieron al servicio de su creatividad. Aunque rudimentaria, la tecnología implícita del estudio impresionó la música que de allí en adelante saldría de sus sesiones y pasaría a ser indispensable para lograr los resultados. Todos los artilugios técnicos que comenzaron a dominar resultaban - en aquel entonces - imposibles de llevar a la escena. Con esto le dieron un gran espaldarazo a los Ingenieros de Sonido, que llegan a participar del proceso creativo mismo, cuando no los músicos se van convirtiendo también en Ingenieros.

3. CAMBIOS EN LA ESTRUCTURA DE TEMAS Y ÁLBUMES 

Los temas del Pop y el Rock, del R&B, del Folk y del Country tenían una estructura muy predeterminada y repetitiva. En la búsqueda del éxito comercial, era muy atrevido afectar la fórmula, alterar los componentes del éxito, dentro de los cuales estaba, sin duda, la estructura de los temas. Estrofa, estribillo y puente eran aspectos compositivos muy poco alterables, garantizaban la buena factura de una canción, a lo que debía unirse una sólida concepción lírica. The Beatles experimentaron con la fórmula, nunca se adscribieron incondicionalmente, sino que exploraron las posibilidades que brindaba. Eso los hizo excelentes creadores de canciones. Pero luego se atrevieron a transgredir la fórmula y explorar la forma. Es decir, buscaron más allá de los límites y expusieron sus hallazgos. Eso los hizo excelentes músicos. En estas búsquedas debemos mencionar que tampoco se pusieron límites en cuanto a los géneros. Transitaron por todos cuantos más pudieron y en la medida de lo posible, los transgredieron. Pero además introdujeron la lógica de la suite que tantos grupos progresivos emplearían, al interrelacionar fragmentos que no habían tenido aún su dearrollo como canción y de esa fusión, sale toda una composición nueva que es más que la suma de las partes.

4. LA LÓGICA DEL SUPERGRUPO

En determinado momento, al término de la breve etapa psicodélica, The Beatles se presentan como renaciendo. Como en todo renacimiento, la vida posterior es distinta a la precedente. Un supergrupo es un ensemble en el cual sus componentes tienen ya una trayectoria hecha y se unen para un nuevo proyecto conjunto, proviniendo cada uno de diversos orígenes. En el caso de The Beatles, la salida del sueño psicodélico y su pasaje por la India, provocaron evoluciones diferentes en cada uno de tal suerte que la banda que se manifiesta en el White Album parece otra respecto a la anterior. Aquí funciona la lógica del supergrupo: cuatro evoluciones propias que confluyen para un proyecto nuevo [el blanco total del inicio, del emerger a una nueva realidad], solo que en este caso los cuatro integrantes provienen de la misma banda anterior. Pero a diferencia de otros casos en los que la banda tiene un viraje pero se mantiene unitaria, en el caso de The Beatles, el proceso lleva a la acentuación progresiva de las individualidades y al rol de acompañamiento de los otros integrantes.

5. LA INCORPORACIÓN DE INSTRUMENTOS, RITMOS Y TRADICIONES CULTURALES EXÓGENAS A SU CULTURA Y GÉNERO MUSICAL

Por una serie de causas que no es del caso tratar aquí, una de las innovaciones musicales estribó en salirse de la estructura férrea del grupo de Pop o de Rock tradicionales. Cinco miembros: Guitarra [o guitarras], batería, bajo, teclado [opcional] y voz. The Beatles respetaron el número en un comienzo, pero la parte más formativa y fundamental de su trayectoria la hicieron en base a cuatro integrantes únicamente. Quizás por eso se habla siempre de un 5º Beatle [como productor y arreglador, como manager o como músico invitado]. Pero desde el principio mostraron versatilidad en cuanto a insturmentos se refiere, especialmente John y Paul, alternando entre las cuerdas y los teclados, o incorporando la armónica o luego el melotrón. George demoró un poco más, pero desde que tomó interés el la cultura oriental, introdujo ritmos y aires musicales que requerían del uso de un instrumento nuevo para ellos, el sitar. Los horizontes culturales se ampliaron y ya no fueron solo una banda para Occidente. Habría también que mencionar el rol de George Martin como arreglador y director de los distintos cuerpos orquestales que acompañan a The Beatles en no pocos temas y a Geoff Emerick en el trabajo de interpretar las intenciones de la banda en cuanto a qué sonido pretendían lograr, en lo cual el Ingeniero de Sonido tuvo un papel relevante.

6. LA INTERRELACIÓN DE LA MÚSICA ROCK CON ÁREAS DE LA CULTURA CIRCUNDANTE, YA SEA DESDE LA LITERATURA COMO DE OTRAS MANIFESTACIONES ARTÍSTICAS.

También en la medida que avanzaron en su trayecto, se empiezan a hacer sentir las influencias de otras manifestaciones artísticas u otros géneros. La alusión a estructuras clásicas de la música son reiteradas. Pero también la influencia de la literatura en muchos textos de las canciones. Asimismo, la inmersión en un ambiente cultural que eclosionaba en los '60, con una generación joven que quiso producir su propio entorno cultural [Swinging London, Psicodelia, Hippies, Flower Power, Underground, Generación Beat, etc] para no parecerse a sus padres sino a sí mismos, pero que no desdeñaron la cultura precedente, sino que la adoptaron selectivamente y sin preconceptos académicos. A ese mundo aluden en pasajes, ya de modo directo por mención, ya demodo indirecto por el clima que desarrollan los temas.

7. LA APROXIMACIÓN A LA VANGUARDIA
Aproximación a varias vanguardias, las de principios de siglo, las de la segunda posguerra y las que vendrían [en cuya corriente se embarcaron], lo que equivale a decir aproximación al concepto mismo de vanguardia. Esto significa orientar su creación siempre hacia un lugar más allá de aquel en que se hallan. Esta idea de 'progresiva' y será George Harrison el primero en utilizar este término, seguramente sin saber qué destino correría luego. Previo a la realización del icónico Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, Harrison dijo: 'cualquier cosa que hagamos tiene que ser real y progresiva'. Lo cierto es que The Beatles, habiendo ocupado un lugar de preeminencia desde su despegue imparable de 1963, no se quedaron en la cumbre del éxito a esperar que se les pasara, repitiendo la fórmula, sino que saltaron hacia otros lugares que no siempre garantizarían alcanzar otra cumbre, pero que sí garantizaban moverse, no sumirse en la estática y el inmovilismo de la fórmula exitosa. Así construyeron para sí un lugar de vanguardia desde el que guiaron, casi sin proponérselo, el proceso posterior. Todas las banda progresivas de los '70, de los '90 y del nuevo milenio reconocen que algún tributo pagan a aquella Revolución [la número 1 y la 9 también].

Tras este preámbulo, que quizás pueda haber pecado de extenso, pasemos a nuestra propuesta de temas de The Beatles que anuncian, prefiguran, anticipan o participan de 'lo progresivo'.

Enumeración no exhaustiva que los amigos de ABBEY ROAD pueden completar y enriquecer con sus aportes, sus puntos de vista y sus argumentaciones, todo lo que será muy bienvenido.

1966. El año clave.

De esa maravilla de álbum que es Revolver, nos referiremos a 4 temas:

1. Eleanor Rigby. Complejidad instrumental nunca vista antes en un tema de la banda, superponiendo capas de los instrumentos y las voces. 4 violines, 2 violas, 2 violoncellos con arreglos de George Martin. La importancia del estudio en tanto la grabación se ralentizó un poco para que pasada a velocidad normal sonara algo más aguda. El carácter narrativo de la letra, un historia condensada en tres simples versos que construye dos personajes bien definidos, literarios, asimilables a la cultura literaria.
2. Love You To. Primer tema de la banda con sonoridades exóticas, intercambio de matrices culturales incorporando a una banda de rock instrumentos como el sitar y la tabla.
3. She Said, She Said. La creación de atmósferas, tan cara posteriormente al space rock, en este caso por medio de la inclusión del órgano. Otra vez la tecnología doblando y acelerando ligeramente la voz. Complejidad desde el punto de vista lírico, elevándose poéticamente, con ambiente onírico y hermético.
4. Tomorrow Never Knows. El tema más claramente progresivo del álbum. Es el trabajo fundamental de estudio de este álbum, por el uso de loops, sonidos de risas, vasos, sitar, guitarras, ralentizados, acelerados o en backwards. El uso de una instrumentación al servicio de lo atmosférico del tema agregando tambura y órgano. La estructura del tema que se basa en un misma nota con reiteración rítmica y con arreglos superpuestos. La base de la lírica en una obra preexistente [en parte textual, como el comienzo Turn off your mind, relax and float downstream, tomado de la versión de Timothy Leary de El Libro Tibetano de los Muertos], que vincula doblemente con la tradición de los Lamas y con la Psicodelia. Las voces que también aparecen procesadas técnicamente responden a al propósito de Lennon de que sonaran especialmente, según pidió, como el Dalai Lama desde los Himalaya.

1967. Las bases del Prog en estado químicamente puro. El Estudio como Laboratorio.  

 
Seis meses de trabajo en estudio conducen a la que ha sido considerada la obra total, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. De ella elegimos:

1. Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. El comienzo de la ficción que plantea el disco, el concierto de la banda alter ego. El tema sienta los rudimentos del Heavy Rock con sus guitarras ácidas. Jimi Hendrix captó inmediatamente esa esencia y versionó el tema un par de días después de salido el álbum. El estudio se manifiesta en el collage de pistas que se interrelaciona con el tema principal. La instrumentación se potencia orquestalmente con órgano y 4 trompas.
2. Lucy In The Sky With Diamonds. Siguiendo la huella de Tomorrow Never Knows, Lennon se descuelga con una película musical de imágenes surreales y atmósfera psicodélica. El estudio juega su rol en el procesamiento de la voz. La instrumentación se hace densa y por capas, incluyendo órgano Hammond con un registro especial semejante a la celesta y con sitar.
3. Being For The Benefit Of Mr. Kite. Nuevamente Lennon tomando texto literalmente, en este caso del cartel de publicidad de un espectáculo circense del siglo XIX. Un gesto bien Pop el de extractar un fragmento de pasado y apropiárselo para resignificarlo artísticamente. Un uso muy neto del objet trouvé, una suerte de ready made, en vínculo con la vanguardia conceptual del arte. El aire circense es bien referido, pero queda claro que este es un circo surreal. A esta atmósfera cooperan los recursos de estudio como los órganos en loops tocados a diferentes velocidades y duplicados y los órganos Hammond y Würlitzer y las armónicas que generan capas sonoras.
4. Good Morning, Good Morning. Más guitarras ácidas, más instrumentación orquestal [3 saxos, 2 trombones y 1 corno francés] y gran protagonismo del estudio con muchos overdubs de sonidos de animales huyendo ordenados por capacidad de asustar al animal siguiente, todo lo cual da una organización importante dentro de lo caótico que aparenta el conjunto. ¿Anticipo para el Math Rock? Y también un importante juego con el cambio de tempo.
5. A Day In The Life. Otra pieza arquetípica del mosaico Proto Prog de The Beatles. Para comenzar, la estructura de suite, quizás no buscada inicialmente, pero producto de haber casado dos piezas inconclusas, una de Lennon [I read de news today, oh boy ...]  y otra de McCartney [Woke up, got out of bed ...] por medio de una sección orquestal de 24 compases marcados por Mal Evans en el piano por medio de una nota repetitiva y una cuenta regresiva. La orquestación, ideada por McCartney, quien también dirigió a la orquesta de 40 músicos [que aparece doblada en estudio], plantea una secuencia sonora no convencional, signada por la aleatoriedad pero también por una consigna: un crescendo no armónico, a un tempo dispar, en el que cada instrumento debía ascender desde el registro más grave hasta el más agudo. Todos los instrumentos desdempeñan un rol sinfónico y se destaca muy particularmente el trabajo de percusión que pasa de ser una base rítmica a una especie de melodía propia, un fraseo musical de enrome protagonismo. El final sinfónico junta la orquesta en un nuevo crescendo, un armonio y el sonido conjunto de tres pianos de concierto.

Del mismo año fue el single que está considerado como el mejor de la historia, cuyos temas son tan equiparables que ambos son cara A, aunque fue el primer single que no logró alcanzar el número 1 de los charts [el primer lugar lo ocupó el tema Release Me por Engelbert Humperdinck]. Sin embargo, Strawberry Fields Forever y Penny Lane perduran en la cultura general de la gente y el tema de Humperdinck, sin haber caído en el olvido, no gravita nada actualmente. En realidad ambos temas forman parte del mismo proyecto que Sgt. Pepper, pero debieron salir anticipadamente en forma de single por exigencia del mercado y las discográficas.

1. Strawberry Fields Forever. Otro tema de densa instrumentación, sinfónico con uso de mellotron, 2 violoncellos, 2 trompas y trompeta contralto. El estudio se manifiesta en los overdubs, en las distorsiones , el uso de disonancias y en el prodigio de haber unido dos tomas que estaban en tonos y tempos diferentes, logrando una transición innovadora pero no discordante. El sinfonismo queda manifiesto también en el segundo final, arrollador y muy delirante. Es muy interesante compara el resultado final con la maqueta del tema que Lennon trajo al estudio, la que había sido compuesta en Almería, durante la filmación de How I Won The War.
2. Penny Lane. El aporte de McCartney en una línea muy clásica a la vez que innovadora. La parte lírica de este tema, al parecer, estuvo inspirada no solo por los recuerdos liverpoolianos de McCartney sino también por el poema Fern Hill, de Dylan Thomas. El tema se sinfoniza con orquestación de vientos y con contrabajo de arco y flautas [tocados por McCartney, además del bajo] y el solo de trompeta píccolo, un prodigio para el instrumento, tocado por el músico de la London Symphonic, David Mason, a quien McCartney había descubierto viéndolo tocar un Concierto Brandenburgués de Johann Sebastian Bach por TV.

De otro single de 1967 es otro tema importante para este post:

1. All You Need Is Love. Otro aporte de Lennon, esta vez para la primera trasmisión intercontinental, con The Beatles representando a Gran Bretaña. La orquestación es aquí la clave: 2 trompetas, 2 trombones, 2 saxos, 4 violines, 2 violoncellos y acordeón, además de la banda, hacen de este tema un anticipo de las experiencias con orquestas sinfónicas que vendrían enseguida [Moody Blues, Deep Purple]. El sentido orquestal y sinfónico se desenlaza al finalcon un clímax en que los intrumentos superponen múltiples líneas melódicas.

De 1967 también es Magical Mystery Tour, otro proyecto psicodélico que contiene uno de los temas más progresivos der la banda:

1. I Am The Walrus. También posee una estructura sinfónica y de suite. Sinfónica por la instrumentación sumamente densa [mellotron, 8 violines, 4 cellos, 3 trompas, además de los instrumentos propios de la banda] y de suite porque también alterna partes donde se operan cambios de tempo. El texto es surreal y de inspiración varia [Lewis Carroll, por la inspiración fundamental en la Historia de la Morsa y el Carpintero; William Shakespeare por el recitado final de El Rey Lear y Edgar Allan Poe por la mención expresa en la letra]. Pero asimismo es de un permanente juego por aliteraciones permanentes [I am he as you are he as you are me; Corporation T-Shirt, stupid bloody tuesday; Mister city policeman sittin pretty little policemen; Crabalocker fishwife, pornographic priestess; Expert texpert chocking smokers don't you see the joker's laughs at you, entre otras] lo que confiere musicalidad al texto en sí aunque se lo diga sin música. A esto sumemos los overdubs, los loops, el procesamiento de las voces y los coros de la sección final, 6 voces masculinas haciendo el oompa, oompa y 6 voces femeninas haciendo el everybody's got one! para completar el panorama de una compleja trama que anuncia tiempos nuevos en la música.

1968. El desdoblamiento en múltiples direcciones del White Album.

El White Album podría llevar el título del cuento de Cortázar El Jardín de los Senderos que se Bifurcan. No solamente los temas difieren estilísticamente sino que se abren múltiples líneas personales. De aquí seleccionamos:

1. Dear Prudence. Un tema que parece sencillo pero que es un ejemplo de progresión en compejidad. Lo que era un tema para animar  y levantar el espíritu de la hermana de Mia Farrow, Prudence en el Ashram del Maharishi en Rishikesh, India, se convirtió en una pieza de estructura con superposición de capas instrumentales. El comienzo solamente contempla guitarras, luego aparece la voz doblada, se incorpora el bajo de a un nota, le sigue la batería con el bajo ahora con un fraseo, aparecen los coros, se suman guitarras, aparece un contrapunto entre el bajo y las guitarras, la percusión se complejiza, se incorporan teclados y se desarrolla un contrapunto entre la voz y las guitarras. Todo el tema es un progresivo crescendo que alcasnza un clímax que se resuelve con un rápido anti clímax.
2. Glass Onion. En este tema hay que destacar el rol sinfónico de los instrumentos, la superposición de capas sonoras y la orquestación. En el aspecto lírico, es un muestrario autorreferencial, ya que mira hacia atrás en la obra Beatle, y realiza permanentes autocitas [Strawberry Fields, the walrus, Lady Madonna, the fool on the hill, fixing a hole], nuevo uso de objets trouvés como ready mades y resignificación.
3. Hapiness Is A Warm Gun. Otro tema con estructura de suite que conjunta tres temas diferentes [She's not a girl who misses much ...; I need a fix 'cause I'm going down ... y Hapiness is a warm gun ...] y que presenta, por lo tanto, cambios de tempo y ritmo. También está la crreación de atmósferas con el uso de guitarras ácidas y asimismo el irónico uso de la parodia de formas musicales como el doo woop [los coros haciendo shoop shoop doo woop]
4. Piggies. Aires clásicos mozartianos, instrumentación en base a clavicordio y cuerdas, pero también overdubs, loops yvoz procesada.
5. Helter Skelter. El primer tema de Heavy Rock en su totalidad con guitarras ácidas y sinfónicas e instrumentación compleja. Un tema que en su primera versión duraba entre 24 y 27 minutos y que fue acortado por obvias razones. Según McCartney se propuso hacer el rock más fuerte, desagradable y sucio que pudiera. Icónico.
6. Cry Baby Cry. Aquí señalamos la instrumentación compleja, agregando armonio, piano y órgano, además de overdubs. El tema teien un crescendo en intensidad, desde la casi desnuda voz de Lennon al principio a la textura sonora del final. La percusión no solamente acompaña sino que genera micro temas rítmicos.

1969. El desenlace. The Beatles se disuelven pero nace el Prog Rock.  

En este año se grabaron dos discos y se compuso del material de otro que se postergó para el año siguiente.

Yellow Submarine incluye un par de temas que podemos considerar aquí:

1. Only A Northern Song. La clave está en los arreglos y overdubs y en el uso de instrumentos discordantes, es decir, no afinados entre sí, usando medidas disonancias.
2. It's All Too Much. Un tema de estructura sinfónica con capas superpuestas e instrumentación compleja.

Sin duda que el álbum de 1969 es Abbey Road y en él encontramos algunas buenas partes ya rayanas en el naciente Progresivo ese mismo año.

1. In Want You [She's So Heavy] Muy buen ejemplo por la progresividad der su evolución como tema, con una atmósfera densa, un clima oscuro, un cierto aire heavy, con superposición de capas y overdubs. En este tema ya emplean un instrumento que venía ganando terreno y que será una de las estrellas del Prog, el sintetizador. Pero las novedades técnicas no paran allí, sino que también incluyeron un generador de ruido blanco [ruido aleatorio que posee la misma densidad espectral de potencia a lo largo de toda la banda de frecuencias]. El tema también tiene estructura de mini suite [I want you, I want you so bad ...; She's so ... heavy!]
2. Medley final de Abbey Road [desde You Never Give Me Your Money hasta The End]. Estructura totalmente deliberada de suite, uniendo una serie de fragmentos de temas inconclusos en una suerte de collage o cadáver exquisito musical. La instrumentación varía de un fragmento a otro, cambian los tempos y ritmos, hay orquestaciones y ciertos tonos épicos, en un crescendo global que asciende hasta el clímax de And in the end ... para dar paso a un rápido descenso al anti clímax por medio del ...the love you take is equal to the love you make ... Detalle que por conocido no es menos significativo. En el corte final del álbum intervino el azar. En la secuencia original el micro tema Her Majesty venía inmediatamente después de Mean Mr. Mustard y antes de Polythene Pam. Se dicidió cortarlo y descartarlo. A tales fines [ya que en EMI no se tiraba nada] se pegó el snipett al final de la cinta con la indicación de que no iba. Cuando se hizo el master, por alguna razón se obvió la indicación y Her Majesty quedó incluida al final del disco con un espacio de silencio algo mayor al común, algo así como un antecedente de las hidden tracks. El acorde que se oye al principio de Her Majesty no pertenece al tema, sino que es una ínfima parte del final de Mean Mr. Mustard. Pero escuchado como está en el disco parece un magnífico comienzo. En la edición original de Abbey Road Her Majesty ni siquiera quedó acreditada en el setlist, hecho que fue reparado en ediciones posteriores. El azar incluyó lo que la necesidad había descartado.

De 1969 proceden los temas que conforman el álbum Let It Be, cuando todavía era el proyecto Get Back [enero de 1969]. Todo ese material durmió un año largo hasta que fue editado en mayo de 1970 como el canto de cisne de la banda. De Let It Be señalemos:

1. I've Got A Feeling. También es un tema con formato de mini suite, al yuxtaponerse y luego entremezclarse dos temas diferentes en potencia sonora, en estilo de voz y en intensidad emocional. Un tema es el de McCartney [I've got a feeling, a feeling deep inside ...] de gran fuerza y sonido rockero, duro y potente guitarra. Otro es el de Lennon [Everybody's had a hard year ...] melódico, más armónico, más sosegado. Curiosa contraposición que denota cuán distintos era a esa altura los integrantes  de la dupla compositora más famosa. Pero también el hecho de que entrelazaran los dos temas muestra como seguían siendo capaces de crear juntos, aunque fuera por última vez.

Seguramente los amigos de ABBEY ROAD podrán aportar muchos más ejemplos ya que, afortunadamente, lo que uno no ve [u oye en este caso] otro es capaz de hacerlo.

De cualquier forma, queremos terminar este post realzando un aspecto que el tiempo ha puesto de relieve: en todos estos temas hay un magnífico trabajo de percusión que demuestra la gran calidad de baterista de Ringo Starr, quien no necesitó de hacer intrincados solos de batería para demostrar su fundamental rol en la banda más famosa del mundo, la banda que lo cambió todo. Baste citar Tomorrow Never Knows, A Day In The Life, I Am The Walrus o Good Morning Good Morning, por nombrar alguno, para tomar cabal noción de su estatura artística.

Les dejo un video que sirivió de introducción a la ceremonia en la cual Ringo Starr fue inducido al Rock'n'Roll Hall of Fame hace muy poquito, salvando así una injusticia histórica. Ahora The Beatles como banda y Lennon, McCartney, Harrison y Starr individualmente, están debidamente consagrados. En el video varios bateristas se refieren a las virtudes de Ringo y a cómo los ha influido como ejecutantes del instrumento. En 3  minutos aparecen dando testimonio y rindiéndole homenaje, bateristas como Max Weinberg [E Street Band], Ahmir Thompson [The Roots], Dave Grohl [Nirvana, Foo Fighters], Jim Keltner [Traveling Wilburys, John Lennon, George Harrison, Ringo Starr y un sinfín más], Stewart Copeland [The Police, Curved Air], Tré Cool [Green Day], Chas Smith [Red Hot Chili Peppers], Taylor Hawkins [Foo Fighters] y Abe Laboriel Jr. [Paul McCartney]. Si el video está desactivado, puede verse en YouTube, siguiendo el link https://www.youtube.com/watch?v=cqeBt5ZO4mU

Bien, amigos de ABBEY ROAD, llegamos al final del post. Esperamos los comentarios y aportes.

Seguimos en contacto.

LOS DISCOS DE: THE BEATLES [MI RANKING PERSONAL]

Hoy sí nos dedicaremos a la banda que lo transformó todo en menos de una década. En esos apenas 7 años produjeron 13 álbumes de estudio, a un ritmo de casi 2 por año. Al principio fue así por contrato y quizás su producción se resiente por la presión de estar obligados a hacerlo. Por ello también en esos álbumes hay una fuerte presencia de temas que no son de su autoría, amén del hecho de que eran una banda reciente, aunque en franco ascenso. Posteriormente, la veta creativa propia eclosiona y cada álbum será un muestrario del despliegue de ideas que eran capaces de hacer.

La trayectoria de The Beatles puede resumirse en tres grandes épocas: la beatlemanía [1963 - 1965], la psicodelia [1965 - 1967] y la banda como supergrupo [1968 - 1970].

La era de la Beatlemanía

La beatlemanía fue un fenómeno que ni ellos ni sus managers pudieron planificar mejor de lo que ocurrió. En verdad fue el público el que desató ese fenómeno incontenible. Y si bien las discográficas, las emisoras radiales, los productores, los managers, la industria cinematográfica y los Beatles mismos debieron haber estado sumamente contentos con el rumbo económico que la cosa llevaba, ninguno de ellos pudo haber previsto que las cosas fueran a ocurrir de ese modo ni que el éxito fuera a ser tan desbordante. Por ello, finalmente, a pesar de los enormes dividendos, nadie pudo tomar control sobre el fenómeno, que se esparció por todos los confines del planeta. En realidad fue un fenómeno sociológico que superó a cualquier operación programada que pudiera haberse imaginado.

El final de la beatlemanía deviene  en función de que los músicos - ellos mismos, a contrapelo de la opinión de sus productores y managers -  van asumiendo el control de su propio proceso y deciden abandonar la locura que rodeaba su existencia en los tres años anteriores. El alejamiento de los escenarios, el rechazo a lo abrumador de las grandes multitudes histéricas, el desmedro que las actuaciones en vivo provocaba en su calidad artística y de ejecutantes, fueron elementos que llevaron a que el ámbito natural de su trabajo pasara a ser el estudio. Ya hemos referido lo importante de este cambio: en el estudio afloró un universo nuevo, con posibilidades exploradas al límite y más allá aún, limitados únicamente por su propia capacidad de delirio, por las habilidades de sus ingenieros de sonido y los recursos de su arreglador y director artístico, el quinto beatle George Martin.

Beatles psicodélicos

Como resultado de esa transición se produjo una búsqueda de dirección, una exploración que recorrió todos los caminos posibles, alimentada por la naciente psicodelia del ambiente. Los músicos supieron interpretar ese signo y lo tradujeron a su lenguaje musical. La experimentación psicotrópica con sustancias contribuyó al ambiente y a la actitud, pero de ninguna manera fue la causa de la calidad artística de los productos que allí nacieron. La psicodelia enterró a la beatlemanía. 

Pero pasada la cresta de la ola psicodélica, la banda pasó a la lógica del supergrupo. ¿Qué es un supergrupo? Es aquel en el cual sus miembros son músicos consagrados que provienen de otras bandas, de las cuales se desprenden para afrontar un proyecto nuevo en conjunto. ¿Qué fueron The Beatles, después de la psicodelia? Músicos consagrados que pasaron a ser vistos en su valor individual y que, provenientes todos de una misma banda en la que se habían destacado [The Beatles], pasaron a formar parte de otra banda en la que las individualidades comenzaron a pesar más y en la que las creaciones pasaron a ser las de cada uno acompañado por los otros tres, y que también llevó el nombre The Beatles. Por eso los vemos, en esa etapa, como un supergrupo. 

Cuatro individuos, un supergrupo

Dentro de esas etapas y a lo largo de esos años, The Beatles produjeron los álbumes que ahora presentamos en nuestro ranking personal. Como ya es sabido, tomamos solamente la producción de estudio.

Lugar Nº 13: Beatles For Sale [1964]

El disco del momento en que la beatlemanía llegaba a su cenit, pero que representa mejor la esclavitud que ello conllevaba, en tanto que estaban obligados por contrato a un ritmo de realización extenuante ya que se debía alternar con el creciente número de giras y actuaciones en vivo. El disco resulta flojo en general y es sino el que más, uno de los que más temas ajenos presenta. De todos modos, la beatlemanía no termina en este disco, todavía tendrá un rato más de existencia.

TEMA DEL DISCO: EIGHT DAYS A WEEK



Lugar Nº 12: Yellow Submarine [1969]

Como disco nuevo de The Beatles, en 1969, Yellow Submarine decepcionó a los fans, al público en general y a la crítica. ¿Es malo? No, de ningún modo. Contiene muy buenos temas en general, pero en realidad nadie quería un disco híbrio entre seis canciones de The Beatles, de las cuales cuatro era nuevas y luego la orquestación de la música que ambienta muchas escenas del film de George Dunning, con dibujos animados de Heinz Edelman, que se dio a conocer simultáneamente. En realidad, este disco es la Banda Sonora de la película, al cual se hace pasar por un nuevo disco de la banda. El proyecto en general estuvo muy distante del interés de los músicos, que solamente aparecen en unos cameos al final de la película y en una sesión de fotos. Es más, inserto este álbum en la etapa final de la banda, aparece como un rebrote trasnochado de la psicodelia que ya habían abandonado. Muy lejos se hallaban ya de la Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band que, sin embargo, protagonizaba el film. De cualquier modo, alguno de los temas es memorable.

TEMA DEL DISCO: ALL YOU NEED IS LOVE
[El himno de toda una generación]


Lugar Nº 11: With The Beatles [1963]

Momento de ascenso irrefrenable de la banda, van en este disco por la confirmación del éxito de su primer álbum. La fórmula es la misma de todos los discos de esa etapa de beatlemanía. Una colección de temas, algunos propios, otros tantos ajenos, la búsqueda de que tengan punch en el público. También la búsqueda de una imagen que contenga los elementos de la modernidad de entonces y hasta un toque de vanguardia. Ya se veía que estos muchachos peludos eran en algo parecidos a la pléyade de bandas que pululaban por entonces pero en mucho diferentes a todo ese resto, muy especialmente en actitud.

TEMA DEL DISCO: ALL MY LOVING


Lugar Nº 10: Please Please Me [1963]

El álbum debut que, no obstante, había sido precedido por singles de éxito muy marcado. El álbum fue un lanzamiento muy esperado, aunque las autoridades de EMI nunca sospecharon el impacto que realmente llegaría a ser. Si lo consideramos solo como álbum debut, estaría entre los mejores lanzamientos, comparativamente con muchas otras bandas, pero tratándose de The Beatles, con ser un estreno muy destacado, no alcanza a estar a la altura de los mejores discos de su carrera. Jóvenes, desenfadados, carismáticos, atrevidos, atrayentes, eso sí. Pero aún faltaba para su mejor desempeño.

TEMA DEL DISCO: TWIST AND SHOUT

[Concordante con lo anterior, el tema más significativo del disco no es de autoría de ellos, aunque ellos consagran su versión como la definitiva y, en parte, se apropian del tema].

Lugar Nº 9: A Hard Day's Night [1964]

La experiencia cinematográfica de la banda se corresponde con cinco álbumes que se lanzan paralelamente al estreno de los filmes. Hay casos, como el de A Hard Day's Night, que se editan en dos formatos distintos: el disco de canciones que aparecen en la película, con el mismo nombre de la misma, por un lado, y por otro, la Banda Sonora. En este caso, valoramos el disco de canciones, que fue como apareció originalmente por primera vez. La idea es presentar unos músicos multifacéticos, que pueden desarrollar un repertorio versátil y variado con un buen nivel de calidad. Por ser el primer disco con composiciones exclusivamente suyas, marca también un hito en la discografía. Y aunque después hayan incluido alguna canción ajena en otros discos, la tónica de la composición propia se mantendrá firme hasta el último disco. Pero con ser ya un disco que marca un escalón en la calidad, lo mejor aún estaría por venir.

TEMA DEL DISCO: A HARD DAY'S NIGHT



Lugar Nº 8: Help! [1965]

Este disco posee aspectos muy similares al de A Hard Day's Night. También se editó en dos versiones [disco de canciones en Inglaterra, Banda Sonora - aproximada - en Estados Unidos], en este hay un predominio casi total - a excepción de un par de temas - de la autoría propia, el estilo de los temas es bastante semejante. Pero Help! muestra un grado mayor de seguridad y solvencia y puede perfilarse algo de lo que vendría luego, a partir de Rubber Soul. De hecho es el último disco totalmente perteneciente a la beatlemanía, en la parte superior del ascenso de la banda, aún como ídolos jóvenes del pop.

TEMA DEL DISCO: YESTERDAY

[Este tema podría estar en cualquier álbum ya que es intemporal y por ello es inútil que nadie se tome la molestia de versionarlo, porque la versión definitiva es la de McCartney solo, con su guitarra y su voz. Los demás pueden ser esfuerzos loables que, sin embargo, no lograrán otra cosa que la satisfacción personal de quien lo cante por haberlo intentado].

Lugar Nº 7: Rubber Soul [1965]

El despegue de los otros Beatles. El punto de inflexión que lleva de aquellos ídolos jóvenes para jóvenes a estos músicos en creciente desarrollo y crecimiento para todos los públicos. Este disco es el primer salto sin red, concomitante con el agotamiento de las giras y con el aumento de la importancia del estudio en las creaciones. También el comienzo de la influencia de la exploración por medios psicotrópicos y la afirmación del repertorio propio en la integridad del disco. Un disco en el que The Beatles es un sello indiscutido y una imagen bien definida y respetada. Una obra en que comienzan a hablar acerca de otras cosas y, aunque sigan hablando del amor, ya no lo hacen desde la perspectiva del chico que quiere enamorar a la chica o del despecho amoroso adolescente, sino que comienzan a desarrollar una filosofía del amor que eclosionará en toda su producción de aquí en adelante.

TEMA DEL DISCO: IN MY LIFE

[Podría haber sido algún otro, pero es coincidente con la maduración de la temática, especialmente en el tema del amor y de los afectos. Una pieza perfecta y una muestra de la implacable poesía de Lennon, así como una exhibición sincera del alma].

Lugar Nº 6: Magical Mystery Tour [1967]

Lo que en su momento fue considerado como el primer fracaso de la banda, tras haberse decidido a gestionarse a sí mismos a la muerte de Brian Epstein, es decir, la película para TV Magical Mystery Tour, con su consiguiente disco de canciones y la banda sonora, es visto hoy desde una perspectiva muy distinta. El aire vanguardista y el manejo estético del absurdo conspiraron en su momento contra la aceptación general. Para un público televisivo navideño como sería el destinatario de este opus, la psicodelia desenfrenada, por más que fuera acompañada de música de The Beatles, resultó incomprensible. Y para peor, la BBC trasmitió este especial en blanco y negro y no en color como era el original. De resultas de esto, el público odió Magical Mystery Tour. Sin embargo, es un disco que tiene de todo, en sus dos versiones: la del doble EP con seis temas [Inglaterra] y la del LP con doce [Estados Unidos]. El único tema instrumental que dio a conocer la banda, la inclusión en álbum [antes que en Yellow Submarine] de All You Need Is Love, la inclusión también en álbum [para la edición USA] del single que había anticipado la edición de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, que presentaba nada menos que Strawberry Fields Forever y Penny Lane, composiciones más densas de Harrison [Blue Jay Way] o de Lennon [I Am The Walrus], temas vibrantes y arrolladores como el que le da título al álbum y otros más melódicos y melancólicos como The Fool On The Hill, y muchas otras razones, hacen de este álbum algo a lo que prestar mucha atención. Y eso ha ocurrido con el tiempo: ha sido revalorizado y, tanto el álbum como el film, representan hoy en día un punto importante de interés dentro de la discografía beatle y desde el punto de vista de los aportes artístico - musicales que contiene.

TEMA DEL DISCO: I AM THE WALRUS
[Psicodelia y surrealismo a lo Lennon]




Lugar Nº 5: Let It Be [1970]

Quizás sea uno de los discos más tristes de la banda en cuanto a su proceso creativo y al momento en que se produjo. Si bien apareció al final y como bajada de telón, se lo promocionó como un nuevo lanzamiento que, obviamente, no fue tal. También acompañado por la música de la película del mismo nombre, Let It Be presenta un conjunto de temas de altísimo nivel que, no obstante, quedan un poco empalidecidas por desempeños mayores. Sin embargo, hay exquisitos momentos logrados en el álbum, como Across The Universe, I Me Mine, Let It Be, I've Got A Feeling, The Long And Winding Road o Get Back, entre otros. Escuchado en perspectiva, queda decantado el momento amargo en que se realizó y sobrevive la sólida calidad musical de los temas.

TEMA DEL DISCO: LET IT BE


Lugar Nº 4: Revolver [1966]

A veces calificado como la segunda parte de Rubber Soul, este disco profundiza en las líneas de búsqueda comenzadas en aquél. Es el disco preciso para observar el proceso de cambio desde la beatlemanía hacia la psicodelia. Es el disco que permite captar cómo el estudio fue creciendo y cómo empezaban a animarse cada vez a más, desarrollando una osadía que no habían podido tener otras bandas exitosas. Precisamente, la magnitud del éxito que tenían podía ser un factor de esclavización al mismio y sin embargo, exhibieron el coraje de desafiarse a sí mismos, a la banda más famosa del planeta. No fue un mero capricho de pop star, sino el emprendimiento de un camino de reformulación vital de la banda y de crecimiento, desarrollo y enriquecimiento musical, artístico, espiritual y personal de cada uno de ellos. Por eso Revolver merece ubicarse muy cerca de los momentos cumbres de la banda.

TEMA DEL DISCO: TAXMAN

[Es cierto que puede haber otros, pero es el primer tema de Harrison con verdadero punch y que puede competir con los de Lennon - McCartney]

Lugar Nº 3: The Beatles [aKa White Album][1968]

Un muestrario inagotable del talento beatle. Rock en estado puro y visceral como en Back In The USSR, Why Don't We Do It In The Road?, Birthday o Everybody's Got Something To Hide Except For Me And My Monkey; temas de blues y blues rock como While My Guitar Gently Weeps, I'm So Tired o Yer Blues o Revolution I; temas de pop rock como Glass Onion, Sexy Sadie o Savoy Truffle; canciones ingenuas, de vodevil o music hall como The Continuing Story Of Bungallow Bill, Piggies, Martha, My Dear o Honey Pie; canciones con toques reggae como Ob-La-Di, Ob-La-Da, baladas como Dear Prudence, Blackbird, I Will, Mother Nature's Son, Cry, Baby Cry o Long, Long, Long; canciones intimistas como Julia o Good Night; temas proto metálicos como Helter Skelter; canciones folk / country como Rocky Raccoon o Don't Pass Me By; búsquedas experimentales como Happiness Is A Warm Gun o Revolution 9 y hasta humoradas como Wild Honey Pie, son argumentos más que suficientes para poner este disco como el abanico del espectro beatle, en un momento en que podían darse el lujo de presentarse en formato doble, quizás con más información de la que cualquier fan fuera capaz de absorber por aquel entonces. Es también, el inicio de la modalidad de supergrupo, exhibiendo ya las líneas personales que se perfilarían más nítidamente un par de años después.   

TEMA DEL DISCO: BLACKBIRD
[Otra vez optamos por McCartney solo con su guitarra y su voz]

  Lugar Nº 2: Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band [1967]

Celebración de la cultura pop y psicodélica, el mejor álbum de todos los tiempos, entierro psicodélico de la beatlemanía, punto de consolidación de la madurez artística de la banda, producto del laboratorio experimental del estudio de grabación, son algunas de las cosas que han pretendido calificar a este álbum asombroso que, estimulado por Pet Sounds de The Beach Boys, logró superarlo en calidad, que inspiró la respuesta psicodélica de The Rolling Stones con Their Satanic Majesties Request y que tuvo su primer cover en el escenario a pocos días de aparecer, a manos de Jimi Hendrix en Londres.

Es el pináculo de la psicodelia beatle, el punto de confluencia de su primera maduración. Si Rubber Soul y Revolver habían sido el banco de pruebas para un salto cualitativo, Sgt. Pepper es el salto en sí, pero de una proporción nunca vista antes. Los meses en el estudio, las agotadoras jornadas de búsquedas sonoras, armónicas, vocales, instrumentales, etc., la inmersión dentro de un universo que hacía eclosión, la noción de apuntar a una obra mayor, la correlación entre lo musical, lo lírico y lo plástico, las múltiples referencias y guiñadas a los más diversos ámbitos de la cultura tanto popular como académica que aparecen no solo en la carátula sino también en las letras, hicieron que este disco fácilmente se fusionara con el mundo y la realidad y se emparentara con las vanguardias artísticas de entonces. Todo un hito en la historia de la música en general. Resulta la expresión eufórica de cuando la línea va en ascenso y llega a alturas nunca antes alcanzadas.

¿Por qué no lo ponemos en el Nº 1? Enseguida lo aclaramos.

TEMA DEL DISCO: A DAY IN THE LIFE

[Toda una demostración del universo Beatle, que hubiera tenido serias competidoras en canciones como Strawberry Fields Forever y Penny Lane si estas no hubieran sido excluidas del álbum para editarse como el single de mayor excelencia editado, ya que posee dos caras A] 

Lugar Nº 1: Abbey Road [1969]

Aunque fue conocido antes que Let It Be, fue grabado con posterioridad. Los tiempos de Sgt. Pepper parecían ya muy lejanos y la banda ya sabía que este sería su último trabajo como tal. En tales circunstancias hubiera sido muy fácil despachar el disco por compromiso, terminar de una vez con las reyertas internas y cada cual por su lado. Sin embargo, no hay un solo indicio de liviandad ni de ligereza en cómo está terminado este disco. Por el contrario, todos y cada uno de los temas emergen con una limpidez que los convierte a cada uno en una pieza finamente terminada y de incalculable valor artístico. Sin exagerar, todo lo que aparece en Abbey Road, es la muestra de la decantación final de lo que fue la banda. Hay una vuelta a la sencillez, pero es la sencillez de los sabios, la sencillez de aquellos que atravesaron todas las complejidades y lograron dejar destilado aquello que resulta esencial. Este disco es música químicamente pura, sin facilismos ni efectismos, sin oropeles ni sofisticaciones [en su sentido etimológico de falsificación]. 

Por ello también resulta ser el disco más honesto, el de una banda que sabe que es la más grande del mundo pero que hace lo que realmente siente y no lo que se espera de ella. Estos son The Beatles, esto es lo que son capaces de hacer. Y también es honesto porque reconoce los perfiles diferentes de cada integrante y los temas así lo proclaman, mostrando las líneas por las que cada uno transitaría poco tiempo después. Un Lennon cada vez más profundo, hermético y simbólico en temas como Come Together, I Want You [She's So heavy], Mean Mr. Mustard o Polythene Pam. Un Harrison que incorpora temas cada vez más importantes, como Something o Here Comes The Sun. Y un McCartney exultante de creatividad que aporta enormes temas como Oh Darling!, You Never Give Me Your Money, She Came In Through The Bathroom Window, Golden Slumbers, Carry That Weight o The End y alguno pequeño como Maxwell's Silver Hammer que tiene un toque paródico y una humorada sobre la patafísica. Y hasta Ringo que por ese entonces no componía asiduamente dejó su marca con Octopus's Garden.

Parece también decir: hasta aquí llegamos como grupo, desde estas marcas, iniciamos caminos propios, cada uno siguiendo los propios pasos que aquí deja marcados. Solo falta cruzar la calle hacia el otro lado y allá vamos.

TEMA DEL DISCO: HERE COMES THE SUN

[Otra elección discutible. Podría haber sido Something, Come Together, Oh Darling, o toda la suite de la segunda cara del disco, pero tomamos esta canción de Harrison porque es la que más plenamente da idea de liberación y de comienzo, la salida de un nuevo sol].

And In The End ...

Hasta aquí hemos llegado en nuestro ranking personal de The Beatles. Nos resulta difícil ser objetivos, pero cada vez que volvemos sobre la trascendencia e importancia que la banda tuvo y tiene sobre la música y el arte de los últimos 50 años, sobre la cultura rock que ha sobrevenido [y que en lo personal nos acompaña toda la vida], vislumbramos alguna hebra nueva de ese gran hilo conductor de los tiempos contemporáneos. Algún dia quizás estemos en condiciones de hacer un inventario más detallado de esas hebras que se entretejen y que se prolongan a través de las generaciones.

Hasta pronto.