CANCIONES QUE HACEN A THE BEATLES UNA BANDA PROTO PROG

Republicamos hoy un post de hace algún tiempo, con consideraciones que entendemos mantienen su vigencia en el presente. Esperamos poder compartirlo con más amigos y lectores.
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La historia de The Beatles muestra varias etapas en su evolución. Un período inicial que oscila entre el Rock y el Pop, un punto de inflexión entre 1965 y 1966 en que se percibe un viraje hacia rumbos más complejos y mejor elaborados, un período psicodélico en consonancia con la tónica cultural, de la cual supieron convertirse en referentes, una etapa de supergrupo y un final en el que prevalecen las individualidades que buscan sus propios caminos y los inician.

Dentro de todo este proceso se puede ver cómo el aspecto de la complejidad en la elaboración y realización de sus planteos va siendo creciente, de tal suerte que los Beatles que finalmente atraviesan la cebra de su propia historia para aventurarse cada quien por su cuenta, son sumamente distintos de los que iniciaron esa misma historia.

El punto de quiebre se encuentra entre Rubber Soul y Revolver, sobre los que alguna vez se dijo que podrían haber sido los discos 1 y 2 de un mismo álbum. Es singular que muchos estudios sobre The Beatles se centren especialmente en Revolver, un álbum que ha cobrado relieve con el correr de los años, ya que cada vez que se recurre a él, se hallan los gérmenes de la evolución posterior y aparece como banco de pruebas o laboratorio de ideas que tendrán después efectos duraderos sobre la música y la cultura rock posterior. Libros como Abracadabra! The Complete Story Of The Beatles' Revolver, de Ray Newman, o el segundo tomo de Walter Everett, The Beatles As Musicians, por citar dos, ponen el énfasis en lo importante que este álbum fue en la revolución músico-cultural producida por The Beatles.

La música de The Beatles eclosionó e impactó en todas direcciones. No debe haber zona de la música que no haya resultado afectada por tamaña explosión. Los impactos que nos interesa destacar en este post son aquellos que van en dirección del Rock Progresivo, los que han dejado marcas en tantas bandas que se constituyeron luego en los pilares del desarrollo progresivo de la música.

Queremos traer a colación canciones que, a nuestro juicio, convierten a The Beatles en un antecedente neto y claro de la idea de progresivo/a. Pero previamente, revisaremos en términos generales los elementos que emparentan a The Beatles con lo Prog, muchos de los cuales son implementados por ellos mismos por primera vez. [En un post anterior ya tratamos bastante de este asunto].

Cierto es que muchas de estas cosas son compartidas con otras bandas, pero dentro del mundo cultural underground, en el Swinging London, en el panorama más mundial de la psicodelia y la cultura rock, The Beatles supieron catalizar todo y trasmitirlo de modo de marcar tendencia permanentemente y ser así una referencia ineludible de esa misma cultura rock.

1. ALEJAMIENTO DEL FACILISMO, ACEPTACIÓN DEL DESAFÍO DE LA COMPLEJIDAD.

Si bien la música temprana de la banda no es para nada facilista ya que se encuentra llena de sutilezas musicales y de preciosismos armónicos, se basa en una idea más simple que su producción posterior. Lo que sí resultaba facilista era el ámbito del cual provenía aquella música, lleno de bandas pasajeras que deseaban pegar un éxito y se apegaban a las canciones de tres acordes básicos, pegadizas y pasatistas.

The Beatles aceptaron ir subiendo la apuesta y hacer de su música algo cada vez más complejo e investigativo, tanto en la estructura musical como en el perfeccionamiento lírico.

2. LA INCORPORACIÓN DEL ESTUDIO COMO UN INSTRUMENTO MÁS.  

Es sabida la historia de por qué dejaron de hacer giras y de actuar en público. Prefirieron poder hacer música antes que ser objeto de adoración en el altar del espectáculo por parte de jovencitas gritonas. Sin poder oir lo que estaban tocando y presentir que estaban sonando muy mal, no podía ocurrirles otra cosa que estancarse y eso es precisamente lo que nunca se permitieron. En cada paso que dieron siempre buscaron incorporar algo distinto. Pues bien, salidos de los escenarios, su lugar fue el estudio de grabación y allí aprendieron a sacarle todo el provecho posible. Lo convirtieron en un instrumento más y lo pusieron al servicio de su creatividad. Aunque rudimentaria, la tecnología implícita del estudio impresionó la música que de allí en adelante saldría de sus sesiones y pasaría a ser indispensable para lograr los resultados. Todos los artilugios técnicos que comenzaron a dominar resultaban - en aquel entonces - imposibles de llevar a la escena. Con esto le dieron un gran espaldarazo a los Ingenieros de Sonido, que llegan a participar del proceso creativo mismo, cuando no los músicos se van convirtiendo también en Ingenieros.

3. CAMBIOS EN LA ESTRUCTURA DE TEMAS Y ÁLBUMES 

Los temas del Pop y el Rock, del R&B, del Folk y del Country tenían una estructura muy predeterminada y repetitiva. En la búsqueda del éxito comercial, era muy atrevido afectar la fórmula, alterar los componentes del éxito, dentro de los cuales estaba, sin duda, la estructura de los temas. Estrofa, estribillo y puente eran aspectos compositivos muy poco alterables, garantizaban la buena factura de una canción, a lo que debía unirse una sólida concepción lírica. The Beatles experimentaron con la fórmula, nunca se adscribieron incondicionalmente, sino que exploraron las posibilidades que brindaba. Eso los hizo excelentes creadores de canciones. Pero luego se atrevieron a transgredir la fórmula y explorar la forma. Es decir, buscaron más allá de los límites y expusieron sus hallazgos. Eso los hizo excelentes músicos. En estas búsquedas debemos mencionar que tampoco se pusieron límites en cuanto a los géneros. Transitaron por todos cuantos más pudieron y en la medida de lo posible, los transgredieron. Pero además introdujeron la lógica de la suite que tantos grupos progresivos emplearían, al interrelacionar fragmentos que no habían tenido aún su dearrollo como canción y de esa fusión, sale toda una composición nueva que es más que la suma de las partes.

4. LA LÓGICA DEL SUPERGRUPO

En determinado momento, al término de la breve etapa psicodélica, The Beatles se presentan como renaciendo. Como en todo renacimiento, la vida posterior es distinta a la precedente. Un supergrupo es un ensemble en el cual sus componentes tienen ya una trayectoria hecha y se unen para un nuevo proyecto conjunto, proviniendo cada uno de diversos orígenes. En el caso de The Beatles, la salida del sueño psicodélico y su pasaje por la India, provocaron evoluciones diferentes en cada uno de tal suerte que la banda que se manifiesta en el White Album parece otra respecto a la anterior. Aquí funciona la lógica del supergrupo: cuatro evoluciones propias que confluyen para un proyecto nuevo [el blanco total del inicio, del emerger a una nueva realidad], solo que en este caso los cuatro integrantes provienen de la misma banda anterior. Pero a diferencia de otros casos en los que la banda tiene un viraje pero se mantiene unitaria, en el caso de The Beatles, el proceso lleva a la acentuación progresiva de las individualidades y al rol de acompañamiento de los otros integrantes.

5. LA INCORPORACIÓN DE INSTRUMENTOS, RITMOS Y TRADICIONES CULTURALES EXÓGENAS A SU CULTURA Y GÉNERO MUSICAL

Por una serie de causas que no es del caso tratar aquí, una de las innovaciones musicales estribó en salirse de la estructura férrea del grupo de Pop o de Rock tradicionales. Cinco miembros: Guitarra [o guitarras], batería, bajo, teclado [opcional] y voz. The Beatles respetaron el número en un comienzo, pero la parte más formativa y fundamental de su trayectoria la hicieron en base a cuatro integrantes únicamente. Quizás por eso se habla siempre de un 5º Beatle [como productor y arreglador, como manager o como músico invitado]. Pero desde el principio mostraron versatilidad en cuanto a insturmentos se refiere, especialmente John y Paul, alternando entre las cuerdas y los teclados, o incorporando la armónica o luego el melotrón. George demoró un poco más, pero desde que tomó interés el la cultura oriental, introdujo ritmos y aires musicales que requerían del uso de un instrumento nuevo para ellos, el sitar. Los horizontes culturales se ampliaron y ya no fueron solo una banda para Occidente. Habría también que mencionar el rol de George Martin como arreglador y director de los distintos cuerpos orquestales que acompañan a The Beatles en no pocos temas y a Geoff Emerick en el trabajo de interpretar las intenciones de la banda en cuanto a qué sonido pretendían lograr, en lo cual el Ingeniero de Sonido tuvo un papel relevante.

6. LA INTERRELACIÓN DE LA MÚSICA ROCK CON ÁREAS DE LA CULTURA CIRCUNDANTE, YA SEA DESDE LA LITERATURA COMO DE OTRAS MANIFESTACIONES ARTÍSTICAS.

También en la medida que avanzaron en su trayecto, se empiezan a hacer sentir las influencias de otras manifestaciones artísticas u otros géneros. La alusión a estructuras clásicas de la música son reiteradas. Pero también la influencia de la literatura en muchos textos de las canciones. Asimismo, la inmersión en un ambiente cultural que eclosionaba en los '60, con una generación joven que quiso producir su propio entorno cultural [Swinging London, Psicodelia, Hippies, Flower Power, Underground, Generación Beat, etc] para no parecerse a sus padres sino a sí mismos, pero que no desdeñaron la cultura precedente, sino que la adoptaron selectivamente y sin preconceptos académicos. A ese mundo aluden en pasajes, ya de modo directo por mención, ya demodo indirecto por el clima que desarrollan los temas.

7. LA APROXIMACIÓN A LA VANGUARDIA
Aproximación a varias vanguardias, las de principios de siglo, las de la segunda posguerra y las que vendrían [en cuya corriente se embarcaron], lo que equivale a decir aproximación al concepto mismo de vanguardia. Esto significa orientar su creación siempre hacia un lugar más allá de aquel en que se hallan. Esta idea de 'progresiva' y será George Harrison el primero en utilizar este término, seguramente sin saber qué destino correría luego. Previo a la realización del icónico Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, Harrison dijo: 'cualquier cosa que hagamos tiene que ser real y progresiva'. Lo cierto es que The Beatles, habiendo ocupado un lugar de preeminencia desde su despegue imparable de 1963, no se quedaron en la cumbre del éxito a esperar que se les pasara, repitiendo la fórmula, sino que saltaron hacia otros lugares que no siempre garantizarían alcanzar otra cumbre, pero que sí garantizaban moverse, no sumirse en la estática y el inmovilismo de la fórmula exitosa. Así construyeron para sí un lugar de vanguardia desde el que guiaron, casi sin proponérselo, el proceso posterior. Todas las banda progresivas de los '70, de los '90 y del nuevo milenio reconocen que algún tributo pagan a aquella Revolución [la número 1 y la 9 también].

Tras este preámbulo, que quizás pueda haber pecado de extenso, pasemos a nuestra propuesta de temas de The Beatles que anuncian, prefiguran, anticipan o participan de 'lo progresivo'.

Enumeración no exhaustiva que los amigos de ABBEY ROAD pueden completar y enriquecer con sus aportes, sus puntos de vista y sus argumentaciones, todo lo que será muy bienvenido.

1966. El año clave.

De esa maravilla de álbum que es Revolver, nos referiremos a 4 temas:

1. Eleanor Rigby. Complejidad instrumental nunca vista antes en un tema de la banda, superponiendo capas de los instrumentos y las voces. 4 violines, 2 violas, 2 violoncellos con arreglos de George Martin. La importancia del estudio en tanto la grabación se ralentizó un poco para que pasada a velocidad normal sonara algo más aguda. El carácter narrativo de la letra, un historia condensada en tres simples versos que construye dos personajes bien definidos, literarios, asimilables a la cultura literaria.
2. Love You To. Primer tema de la banda con sonoridades exóticas, intercambio de matrices culturales incorporando a una banda de rock instrumentos como el sitar y la tabla.
3. She Said, She Said. La creación de atmósferas, tan cara posteriormente al space rock, en este caso por medio de la inclusión del órgano. Otra vez la tecnología doblando y acelerando ligeramente la voz. Complejidad desde el punto de vista lírico, elevándose poéticamente, con ambiente onírico y hermético.
4. Tomorrow Never Knows. El tema más claramente progresivo del álbum. Es el trabajo fundamental de estudio de este álbum, por el uso de loops, sonidos de risas, vasos, sitar, guitarras, ralentizados, acelerados o en backwards. El uso de una instrumentación al servicio de lo atmosférico del tema agregando tambura y órgano. La estructura del tema que se basa en un misma nota con reiteración rítmica y con arreglos superpuestos. La base de la lírica en una obra preexistente [en parte textual, como el comienzo Turn off your mind, relax and float downstream, tomado de la versión de Timothy Leary de El Libro Tibetano de los Muertos], que vincula doblemente con la tradición de los Lamas y con la Psicodelia. Las voces que también aparecen procesadas técnicamente responden a al propósito de Lennon de que sonaran especialmente, según pidió, como el Dalai Lama desde los Himalaya.

1967. Las bases del Prog en estado químicamente puro. El Estudio como Laboratorio.  

 
Seis meses de trabajo en estudio conducen a la que ha sido considerada la obra total, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. De ella elegimos:

1. Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. El comienzo de la ficción que plantea el disco, el concierto de la banda alter ego. El tema sienta los rudimentos del Heavy Rock con sus guitarras ácidas. Jimi Hendrix captó inmediatamente esa esencia y versionó el tema un par de días después de salido el álbum. El estudio se manifiesta en el collage de pistas que se interrelaciona con el tema principal. La instrumentación se potencia orquestalmente con órgano y 4 trompas.
2. Lucy In The Sky With Diamonds. Siguiendo la huella de Tomorrow Never Knows, Lennon se descuelga con una película musical de imágenes surreales y atmósfera psicodélica. El estudio juega su rol en el procesamiento de la voz. La instrumentación se hace densa y por capas, incluyendo órgano Hammond con un registro especial semejante a la celesta y con sitar.
3. Being For The Benefit Of Mr. Kite. Nuevamente Lennon tomando texto literalmente, en este caso del cartel de publicidad de un espectáculo circense del siglo XIX. Un gesto bien Pop el de extractar un fragmento de pasado y apropiárselo para resignificarlo artísticamente. Un uso muy neto del objet trouvé, una suerte de ready made, en vínculo con la vanguardia conceptual del arte. El aire circense es bien referido, pero queda claro que este es un circo surreal. A esta atmósfera cooperan los recursos de estudio como los órganos en loops tocados a diferentes velocidades y duplicados y los órganos Hammond y Würlitzer y las armónicas que generan capas sonoras.
4. Good Morning, Good Morning. Más guitarras ácidas, más instrumentación orquestal [3 saxos, 2 trombones y 1 corno francés] y gran protagonismo del estudio con muchos overdubs de sonidos de animales huyendo ordenados por capacidad de asustar al animal siguiente, todo lo cual da una organización importante dentro de lo caótico que aparenta el conjunto. ¿Anticipo para el Math Rock? Y también un importante juego con el cambio de tempo.
5. A Day In The Life. Otra pieza arquetípica del mosaico Proto Prog de The Beatles. Para comenzar, la estructura de suite, quizás no buscada inicialmente, pero producto de haber casado dos piezas inconclusas, una de Lennon [I read de news today, oh boy ...]  y otra de McCartney [Woke up, got out of bed ...] por medio de una sección orquestal de 24 compases marcados por Mal Evans en el piano por medio de una nota repetitiva y una cuenta regresiva. La orquestación, ideada por McCartney, quien también dirigió a la orquesta de 40 músicos [que aparece doblada en estudio], plantea una secuencia sonora no convencional, signada por la aleatoriedad pero también por una consigna: un crescendo no armónico, a un tempo dispar, en el que cada instrumento debía ascender desde el registro más grave hasta el más agudo. Todos los instrumentos desdempeñan un rol sinfónico y se destaca muy particularmente el trabajo de percusión que pasa de ser una base rítmica a una especie de melodía propia, un fraseo musical de enrome protagonismo. El final sinfónico junta la orquesta en un nuevo crescendo, un armonio y el sonido conjunto de tres pianos de concierto.

Del mismo año fue el single que está considerado como el mejor de la historia, cuyos temas son tan equiparables que ambos son cara A, aunque fue el primer single que no logró alcanzar el número 1 de los charts [el primer lugar lo ocupó el tema Release Me por Engelbert Humperdinck]. Sin embargo, Strawberry Fields Forever y Penny Lane perduran en la cultura general de la gente y el tema de Humperdinck, sin haber caído en el olvido, no gravita nada actualmente. En realidad ambos temas forman parte del mismo proyecto que Sgt. Pepper, pero debieron salir anticipadamente en forma de single por exigencia del mercado y las discográficas.

1. Strawberry Fields Forever. Otro tema de densa instrumentación, sinfónico con uso de mellotron, 2 violoncellos, 2 trompas y trompeta contralto. El estudio se manifiesta en los overdubs, en las distorsiones , el uso de disonancias y en el prodigio de haber unido dos tomas que estaban en tonos y tempos diferentes, logrando una transición innovadora pero no discordante. El sinfonismo queda manifiesto también en el segundo final, arrollador y muy delirante. Es muy interesante compara el resultado final con la maqueta del tema que Lennon trajo al estudio, la que había sido compuesta en Almería, durante la filmación de How I Won The War.
2. Penny Lane. El aporte de McCartney en una línea muy clásica a la vez que innovadora. La parte lírica de este tema, al parecer, estuvo inspirada no solo por los recuerdos liverpoolianos de McCartney sino también por el poema Fern Hill, de Dylan Thomas. El tema se sinfoniza con orquestación de vientos y con contrabajo de arco y flautas [tocados por McCartney, además del bajo] y el solo de trompeta píccolo, un prodigio para el instrumento, tocado por el músico de la London Symphonic, David Mason, a quien McCartney había descubierto viéndolo tocar un Concierto Brandenburgués de Johann Sebastian Bach por TV.

De otro single de 1967 es otro tema importante para este post:

1. All You Need Is Love. Otro aporte de Lennon, esta vez para la primera trasmisión intercontinental, con The Beatles representando a Gran Bretaña. La orquestación es aquí la clave: 2 trompetas, 2 trombones, 2 saxos, 4 violines, 2 violoncellos y acordeón, además de la banda, hacen de este tema un anticipo de las experiencias con orquestas sinfónicas que vendrían enseguida [Moody Blues, Deep Purple]. El sentido orquestal y sinfónico se desenlaza al finalcon un clímax en que los intrumentos superponen múltiples líneas melódicas.

De 1967 también es Magical Mystery Tour, otro proyecto psicodélico que contiene uno de los temas más progresivos der la banda:

1. I Am The Walrus. También posee una estructura sinfónica y de suite. Sinfónica por la instrumentación sumamente densa [mellotron, 8 violines, 4 cellos, 3 trompas, además de los instrumentos propios de la banda] y de suite porque también alterna partes donde se operan cambios de tempo. El texto es surreal y de inspiración varia [Lewis Carroll, por la inspiración fundamental en la Historia de la Morsa y el Carpintero; William Shakespeare por el recitado final de El Rey Lear y Edgar Allan Poe por la mención expresa en la letra]. Pero asimismo es de un permanente juego por aliteraciones permanentes [I am he as you are he as you are me; Corporation T-Shirt, stupid bloody tuesday; Mister city policeman sittin pretty little policemen; Crabalocker fishwife, pornographic priestess; Expert texpert chocking smokers don't you see the joker's laughs at you, entre otras] lo que confiere musicalidad al texto en sí aunque se lo diga sin música. A esto sumemos los overdubs, los loops, el procesamiento de las voces y los coros de la sección final, 6 voces masculinas haciendo el oompa, oompa y 6 voces femeninas haciendo el everybody's got one! para completar el panorama de una compleja trama que anuncia tiempos nuevos en la música.

1968. El desdoblamiento en múltiples direcciones del White Album.

El White Album podría llevar el título del cuento de Cortázar El Jardín de los Senderos que se Bifurcan. No solamente los temas difieren estilísticamente sino que se abren múltiples líneas personales. De aquí seleccionamos:

1. Dear Prudence. Un tema que parece sencillo pero que es un ejemplo de progresión en compejidad. Lo que era un tema para animar  y levantar el espíritu de la hermana de Mia Farrow, Prudence en el Ashram del Maharishi en Rishikesh, India, se convirtió en una pieza de estructura con superposición de capas instrumentales. El comienzo solamente contempla guitarras, luego aparece la voz doblada, se incorpora el bajo de a un nota, le sigue la batería con el bajo ahora con un fraseo, aparecen los coros, se suman guitarras, aparece un contrapunto entre el bajo y las guitarras, la percusión se complejiza, se incorporan teclados y se desarrolla un contrapunto entre la voz y las guitarras. Todo el tema es un progresivo crescendo que alcasnza un clímax que se resuelve con un rápido anti clímax.
2. Glass Onion. En este tema hay que destacar el rol sinfónico de los instrumentos, la superposición de capas sonoras y la orquestación. En el aspecto lírico, es un muestrario autorreferencial, ya que mira hacia atrás en la obra Beatle, y realiza permanentes autocitas [Strawberry Fields, the walrus, Lady Madonna, the fool on the hill, fixing a hole], nuevo uso de objets trouvés como ready mades y resignificación.
3. Hapiness Is A Warm Gun. Otro tema con estructura de suite que conjunta tres temas diferentes [She's not a girl who misses much ...; I need a fix 'cause I'm going down ... y Hapiness is a warm gun ...] y que presenta, por lo tanto, cambios de tempo y ritmo. También está la crreación de atmósferas con el uso de guitarras ácidas y asimismo el irónico uso de la parodia de formas musicales como el doo woop [los coros haciendo shoop shoop doo woop]
4. Piggies. Aires clásicos mozartianos, instrumentación en base a clavicordio y cuerdas, pero también overdubs, loops yvoz procesada.
5. Helter Skelter. El primer tema de Heavy Rock en su totalidad con guitarras ácidas y sinfónicas e instrumentación compleja. Un tema que en su primera versión duraba entre 24 y 27 minutos y que fue acortado por obvias razones. Según McCartney se propuso hacer el rock más fuerte, desagradable y sucio que pudiera. Icónico.
6. Cry Baby Cry. Aquí señalamos la instrumentación compleja, agregando armonio, piano y órgano, además de overdubs. El tema teien un crescendo en intensidad, desde la casi desnuda voz de Lennon al principio a la textura sonora del final. La percusión no solamente acompaña sino que genera micro temas rítmicos.

1969. El desenlace. The Beatles se disuelven pero nace el Prog Rock.  

En este año se grabaron dos discos y se compuso del material de otro que se postergó para el año siguiente.

Yellow Submarine incluye un par de temas que podemos considerar aquí:

1. Only A Northern Song. La clave está en los arreglos y overdubs y en el uso de instrumentos discordantes, es decir, no afinados entre sí, usando medidas disonancias.
2. It's All Too Much. Un tema de estructura sinfónica con capas superpuestas e instrumentación compleja.

Sin duda que el álbum de 1969 es Abbey Road y en él encontramos algunas buenas partes ya rayanas en el naciente Progresivo ese mismo año.

1. In Want You [She's So Heavy] Muy buen ejemplo por la progresividad der su evolución como tema, con una atmósfera densa, un clima oscuro, un cierto aire heavy, con superposición de capas y overdubs. En este tema ya emplean un instrumento que venía ganando terreno y que será una de las estrellas del Prog, el sintetizador. Pero las novedades técnicas no paran allí, sino que también incluyeron un generador de ruido blanco [ruido aleatorio que posee la misma densidad espectral de potencia a lo largo de toda la banda de frecuencias]. El tema también tiene estructura de mini suite [I want you, I want you so bad ...; She's so ... heavy!]
2. Medley final de Abbey Road [desde You Never Give Me Your Money hasta The End]. Estructura totalmente deliberada de suite, uniendo una serie de fragmentos de temas inconclusos en una suerte de collage o cadáver exquisito musical. La instrumentación varía de un fragmento a otro, cambian los tempos y ritmos, hay orquestaciones y ciertos tonos épicos, en un crescendo global que asciende hasta el clímax de And in the end ... para dar paso a un rápido descenso al anti clímax por medio del ...the love you take is equal to the love you make ... Detalle que por conocido no es menos significativo. En el corte final del álbum intervino el azar. En la secuencia original el micro tema Her Majesty venía inmediatamente después de Mean Mr. Mustard y antes de Polythene Pam. Se dicidió cortarlo y descartarlo. A tales fines [ya que en EMI no se tiraba nada] se pegó el snipett al final de la cinta con la indicación de que no iba. Cuando se hizo el master, por alguna razón se obvió la indicación y Her Majesty quedó incluida al final del disco con un espacio de silencio algo mayor al común, algo así como un antecedente de las hidden tracks. El acorde que se oye al principio de Her Majesty no pertenece al tema, sino que es una ínfima parte del final de Mean Mr. Mustard. Pero escuchado como está en el disco parece un magnífico comienzo. En la edición original de Abbey Road Her Majesty ni siquiera quedó acreditada en el setlist, hecho que fue reparado en ediciones posteriores. El azar incluyó lo que la necesidad había descartado.

De 1969 proceden los temas que conforman el álbum Let It Be, cuando todavía era el proyecto Get Back [enero de 1969]. Todo ese material durmió un año largo hasta que fue editado en mayo de 1970 como el canto de cisne de la banda. De Let It Be señalemos:

1. I've Got A Feeling. También es un tema con formato de mini suite, al yuxtaponerse y luego entremezclarse dos temas diferentes en potencia sonora, en estilo de voz y en intensidad emocional. Un tema es el de McCartney [I've got a feeling, a feeling deep inside ...] de gran fuerza y sonido rockero, duro y potente guitarra. Otro es el de Lennon [Everybody's had a hard year ...] melódico, más armónico, más sosegado. Curiosa contraposición que denota cuán distintos era a esa altura los integrantes  de la dupla compositora más famosa. Pero también el hecho de que entrelazaran los dos temas muestra como seguían siendo capaces de crear juntos, aunque fuera por última vez.

Seguramente los amigos de ABBEY ROAD podrán aportar muchos más ejemplos ya que, afortunadamente, lo que uno no ve [u oye en este caso] otro es capaz de hacerlo.

De cualquier forma, queremos terminar este post realzando un aspecto que el tiempo ha puesto de relieve: en todos estos temas hay un magnífico trabajo de percusión que demuestra la gran calidad de baterista de Ringo Starr, quien no necesitó de hacer intrincados solos de batería para demostrar su fundamental rol en la banda más famosa del mundo, la banda que lo cambió todo. Baste citar Tomorrow Never Knows, A Day In The Life, I Am The Walrus o Good Morning Good Morning, por nombrar alguno, para tomar cabal noción de su estatura artística.

Les dejo un video que sirivió de introducción a la ceremonia en la cual Ringo Starr fue inducido al Rock'n'Roll Hall of Fame hace muy poquito, salvando así una injusticia histórica. Ahora The Beatles como banda y Lennon, McCartney, Harrison y Starr individualmente, están debidamente consagrados. En el video varios bateristas se refieren a las virtudes de Ringo y a cómo los ha influido como ejecutantes del instrumento. En 3  minutos aparecen dando testimonio y rindiéndole homenaje, bateristas como Max Weinberg [E Street Band], Ahmir Thompson [The Roots], Dave Grohl [Nirvana, Foo Fighters], Jim Keltner [Traveling Wilburys, John Lennon, George Harrison, Ringo Starr y un sinfín más], Stewart Copeland [The Police, Curved Air], Tré Cool [Green Day], Chas Smith [Red Hot Chili Peppers], Taylor Hawkins [Foo Fighters] y Abe Laboriel Jr. [Paul McCartney]. Si el video está desactivado, puede verse en YouTube, siguiendo el link https://www.youtube.com/watch?v=cqeBt5ZO4mU

Bien, amigos de ABBEY ROAD, llegamos al final del post. Esperamos los comentarios y aportes.

Seguimos en contacto.

UN PEQUEÑO GIGANTE EN EL CENTENARIO DE MONTEVIDEO: Phil Collins y su primera actuación en Uruguay 17/03/2018

Unas 20.000 personas colmaron la Tribuna Olímpica del Estadio Centenario de Montevideo para presenciar la primera visita a Uruguay de un grande del Rock, el Pop, el Jazz Fusión y más, Phil Collins, en el marco del Tour Not Dead Yet, que en su etapa latinoamericana fue presentado como The Legendary Phil Collins.

Previo al show, actuaron los teloneros locales Reversa y los teloneros internacionales - más que teloneros, otro show de excelencia - The Pretenders. Cuando tocaron estos últimos, la Tribuna ya estaba prácticamente llena y supo responder calurosamente a esta banda también histórica, orientada en su momento hacia la new wave y el Rock Alternativo. Algo curioso, porque en sus orígenes en 1978, The Pretenders reaccionaron contra la complejidad del Rock Progresivo de entonces, dentro del cual Genesis - la banda de Collins - era paradigmática. Pero ayer, y a lo largo de toda esta gira, comparten escena.

Puntualmente subió al escenario la estrella de la noche junto a una docena larga de músicos y cantantes, para desarrollar un setlist que recorrió los mayores éxitos de Phil Collins en su trayectoria solista. Un par de temas de Genesis - de su etapa más pop - y algunos covers que fueron puntos fuertes de la etapa solista, se unieron a temas incombustibles que van desde las baladas hasta el funk tipo motown.

Los temas de la noche fueron:

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Sin sobresaltos, la banda llevó a escena el mismo setlist que en los conciertos anteriores de este tour latinoamericano, que había comenzado el 22 de febrero en Brasil [Río de Janeiro, San Pablo, Porto Alegre], y continuado por México [Monterrey, Guadalajara, Ciudad de México], Perú [Lima], Chile [Santiago] y que recaló ayer en Montevideo, Uruguay. La gira continúa los próximos días por Argentina [Córdoba y Buenos Aires] y Puerto Rico [San Juan]

Un Phil Collins visiblemente afectado por la dolencia vertebral que lo aqueja, dirigió el show sentado en el centro del escenario y si bien ello hizo sentir la ausencia del despliegue escénico que el músico solía hacer, con un dominio absoluto del escenario, esta carencia - obligada - fue eficazmente suplida por el movimiento de los músicos y cantantes, sumado al espectáculo visual de las enormes pantallas allí instaladas. Pero por sobre todo, lo que le dio la excelencia que todos esperábamos, fue la super profesional performance de los músicos, con un Nicholas Collins de 16 años blandiendo las baquetas en la batería, tomando el lugar de su padre, impecables coros, una impresionante sección de metales y la inquebrantable solidez de músicos que acompañan a Collins hace una vida, entre los que hay que mencionar, como es obvio, a Daryl Stuermer, la verdadera última guitarra de Genesis. Y sobre esa firme base, desde su involuntario trono, la voz de Collins, intacta, sin una pizca de pérdida en timbre, color, calidez, potencia y expresividad. 

El line up de anoche fue:

• Phil Collins – voz principal
• Nicholas Collins – batería, piano
• Leland Sklar – bajo
• Daryl Stuermer – guitarra
• Ronnie Caryl – guitarra rítmica
• Brad Cole – teckados
• Arnold McCuller – coros
• Amy Keys – coros
• Bridgette Bryant – coros
• Lamont van Hook – coros
• Luis Conte – percusión
• Harry Kim – trompeta
• Dan Fornero – trompeta
• George Shelby – saxofón
• Luis Bonilla – trombón

Un tema aparte fue el estado del tiempo en la noche de Montevideo. Si bien estaban pronosticadas tormentas para la noche, la mañana y la tarde estuvieron despejadas y soleadas. Un poco de nubosidad se hizo presente al anochecer y se fue incrementando al acercarse la hora de comienzo del show de Collins. Hasta la mitad del concierto se veía nubosidad alfrededor del estadio, pero sobre el mismo, el cielo presentaba aún claros despejados. Desde allí, se vieron relámpagos y se hicieron nítidos algunos rayos, pero todavía lejanos. Llegando a los dos tercios del espectáculo, se hicieron presentes las primeras gotas. Justo cuando Collins cantaba "I can feel it coming in the air tonight", comenzó a arreciar la lluvia y hasta el final del espectáculo siguió presente con mayor o menor intensidad. Esto no arredró al público, y allí permanecimos protegiéndonos como fuera posible, como tampoco amilanó a los músicos, que también probaron el agua de los cielos uruguayos. Será un detalle folklórico, pero habla acerca de la profesionalidad de los músicos y del apoyo y entusiasmo del público [además de no querer desperdiciar ni un solo peso del valor de las entradas]. Cada uno de los temas, del primero al último, fueron celebrados con ovaciones que dejaron bien visible el prestigio y la aceptación que Phil Collins ha tenido y mantiene por estas latitudes.

De los shows internacionales de relieve que, afortunadamente, están recalando en el Río de la Plata y en particular en esta pequeña Montevideo, este ha sido uno de los más relevantes, por la producción, por la realización y por la milimétrica justeza de lo entregado al público. Cien por cien profesional, efectivo, redondo por donde se lo mire, indudablemente, para no perdérselo.  

Esta racha de espectáculos continuará este 2018 con el show confirmado para noviembre de Roger Waters y, por lo que se ha dicho, la posible tercera visita de Paul McCartney en setiembre. Ya veremos.

Hasta la próxima 

RINGO OTRA VEZ: "GIVE MORE LOVE", 19º ÁLBUM, APARECE EN SETIEMBRE

Ringo Starr anduvo de nuevo por los estudios, para su más reciente álbum, "Give More Love". A dos años de su último opus, el excelente Postcards From Paradise, Ringo vuelve con su fórmula y notables acompañantes. Algunos de ellos, de distintas formaciones de la All Starr Band, como Steve Lukater, Richard Marx, Joe Walsh, Peter Frampton, Jeff Lynne, Edgar Winter, Greg Bissonette, entre otros. Pero sin duda, el invitado más célebre y aclamado de los que intervienen en alguno de los 10 temas nuevos y los 4 bonus tracks, es su viejo amigo Paul McCartney.

Precisamente, como adelanto del disco que saldrá al público el 15 de setiembre,  se dio a conocer un tema en el que interviene McCartney en bajo y voces, We're On The Road Again [sugestivo título]. Integran el personal también Steve Lukater [ex Toto] en gutarra, teclados y voces, Joe Walsh [ex Eagles] en coros, Jim Cox [músico independiente, sesionista] en teclados, y Edgar Winter [ex Edgar Winter Group, solista] en coros. Y obviamente, Ringo en voz principal y batería.

Este es el tema, un rock clásico, compacto, sin fisuras, sólido, que abre el setlist del álbum

McCartney, por otra parte, también interviene en el tercer tema, Show Me The Way, en el bajo.

Todos los temas son de autoría de Ringo, algunos en exclusiva, otros en coautoría con Steve Lukater, Peter Frampton, Richard Marx, Gary Burr, Glen Ballard, Dave Stewart o Gary Nicholson.

Queda poco para poder conocer en su totalidad el álbum. Esperemos que sea de los mismos quilates que su predecesor.  

Hasta pronto, que lo disfruten.

GRANDES NOVEDADES: STEVE HACKETT, BIG BIG TRAIN, THE TANGENT, STEVEN WILSON

Los grandes siguen produciendo y creando y nosotros estamos agradecidos por ello. Durante 2017 ya han aparecido novedades verdaderamente impactantes.

Vayamos por partes:

Steve Hackett - The Night Siren

Aparecido a fines de marzo, continúa la línea que venía de Wolflight [2015], tanto que parecen dos volúmenes de un mismo álbum.

Editado por InsideOut, para Sony, presenta al siempre prolífico Steve Hackett en guitarras y voces con un impresionante elenco de músicos acompañantes, tales como:  
Roger King en teclados y programación, 
Nad Sylvan en voces, 
Rob Townsend en todo tipo de instrumentos de viento, 
Amanda Lehmann en voces, 
Gary O'Toole en percusión, 
Benedict Fenner en teclados y programación, 
Kobi y Mira en voces, 
Nick D'Virgilio en percusión, 
Malik Mansurov en tar [laúd persa], 
Gulli Breim en percusión, 
Christine Townsend en violín y viola, 
Dick Driver en doble bajo, 
Troy Donockley en gaita celta y 
Leslie Bennett en teclados.

Se lo puede conocer acá. 

Cosechó 3.77 en Progarchives, casi igual que su antecesor Wolflight. 

Big Big Train - Grimspound / The Second Brightest Star

Grimspound

The Second Brightest Star

Esta extraordinaria banda británica se ha despachado por partida doble este año, manteniendo la línea iniciada en Folklore, de 2016.

La alineación de estos álbumes es semejante a la de Folklore:

David Longdon en voz principal, flauta, melódica, guitarras, banjo, piano, celesta, sintetizador, mandolina, laúd y percusión;
Dave Gregory en guitarras eléctrica y de 12 cuerdas;
Andy Poole en guitarra acústica, teclados y coros
Rikard Sjöblom en guitarra, teclados y coros
Danny Manners en teclados y doble bajo
Rachel Hall en violín, viola, cello, coros y arreglos de cuerdas
Greg Spawton en bajo y coros
Nick D'Virgilio en percusión y coros.

Se puede conocer en Grimspound y The Second Brightest Star

Obtuvieron en Progarchives 4.25 y 3.93 respectivamente.

The Tangent - The Slow Rust Of Forgotten Machinery

Andy Tillison y su banda por la vuelta. Su anterior álbum había sido editado en 2015.

La alineación de este álbum trae viejos conocidos:

Andy Tillison en voces, teclados y percusión
Luke Machin en guitarra, voces y producción
Marie-Eve de Gaultier en teclados y voces
Theo Travis en saxo y flauta
Jonas Reingold en bajo y doble bajo

Lo encontrás aquí.

Progarchives lo tiene con 4.03


Steven Wilson - To The Bone

La más reciente aparición. Salido esta semana, muy esperado tras el extraordinario  Hand.Cannot.Erase de 2015, Wilson nos trae una obra atractiva y con novedades respecto a su línea anterior, al menos en algunos temas.

Como siempre se encarga de la guitarra y la voz principal y se acompaña de un selecto número de músicos:

Ninet Tayeb en voces [cantante israelí de tremenda voz]
Sophie Hunger en voces  [cantante y música suiza de jazz pop]
David Kollar en guitarras
Mark Feltham en armónica
Nick Beggs en bajo y chapman stick
Adam Holzman en teclados
Craig Blundell en percusión
Jeremy Stacey en percusión

Lo podés conocer acá.

Recién salido, tiene 3.35 en Progarchives.

Hay material suficiente para disfrutar descubriendo nuevos sonidos en álbumes de calidad que garantizan todos ser muy interesantes, aunque quizás alguno no sea mejor que los anteriores de estos artistas. No obstante, podemos esperar un cierto nivel de calidad que no decepcionará, seguramente.

Volveremos cuando haya más novedades.

TOMORROW NEVER KNOWS: LAS INSOSPECHADAS CONSECUENCIAS DE UNA OBRA MAESTRA. [Y de paso festejamos 1.000.000 de visitas a ABBEY ROAD!!!]

Hoy, 1º de junio, se cumplen exactamente 50 años de la aparición de una obra musical, hasta cierto punto de la música popular, que ha resultado capital en la definición cultural de lo contemporáneo. Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band no solamente se ha ganado el reconocimiento de ser el mejor álbum de la historia [debido a la revista Rolling Stone], sino que deja su huella por todas partes, aún hoy, medio siglo después.

Por eso, frente a tan destacado aniversario, queremos volver a compartir un post que publicáramos hace ya cinco años, con motivo del 45º aniversario. Casi no ha sido necesario cambiar ni una coma ni un punto. A nuestro juicio, lo dicho entonces vale hoy también y sospechamos que seguirá valiendo mañana.

Visto desde hoy, reafirmamos que, como concluíamos antes, su principal mérito ha sido pensar la obra total, y su principal efecto, haber desencadenado una serie de consecuencias que ni los mismos Beatles fueron capaces de sospechar. Por ello, nunca mejor el título de este post, que habla de la incertidumbre acerca de lo que hacemos y cómo puede ser decodificado; que remite a que una obra no solamente funciona en la concepción de su autor sino que también se define en la recepción, en la "mala lectura creativa" que hace el receptor, según Harold Bloom, o en el "acto de congenialidad con el autor" que realiza el público, según Umberto Eco.

Los invitamos a repasar aquello que hizo y hace tan singular a esta joya de la creación humana, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band.

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Más allá de que los mismos Beatles hayan producido este álbum en medio de un viraje drástico de su carrera y de que hayan pretendido que los meses de reclusión en el estudio dieran a luz una obra mayor, no pudieron ser conscientes, sin embargo, de las múltiples consecuencias que la perspectiva del tiempo permite sí observar desde el presente. No es que pronostiquemos los resultados del domingo con el diario del lunes, sino que la propia realidad actual nos sigue mostrando cómo emerge, por detrás de ciertos fenómenos, la silueta del Sgt. Pepper, aún 50 años después.

The Beatles del Sgt. Pepper

Pasemos, pues, revista a las que llamamos insospechadas consecuencias del Sgt. Pepper. Aclaremos, no obstante, que lo de insospechadas no nos lleva a plantear esas consecuencias como descubrimiento u observación nuestras, sino que resultaron insospechadas para los músicos y la cultura del momento y fue la historia y la evolución posteriores las que se encargaron de evidenciarlas. 

La concepción global de la obra (¿Concept Album?)

Los propios Beatles se encargaron de aventar la idea de que Sgt. Pepper es el primer concept album. Es conocida la anécdota de que se iba a dar al álbum una estructura en la cual todo estuviera conectado por la actuación de la Lonely Hearts Club Band. Según cuentan los propios protagonistas, eso se mantuvo hasta el segundo tema, With A Little Help From My Friends, cantada por Ringo como el ficticio Billy Shears. So let me introduce to you, the one and only Billy Shears ..., decía el final del tema apertura, en el que se presentaba a la banda y se iniciaba el concierto. El propio Lennon, tiempo después, ya separada la banda, insistió mucho en que sus temas no tenían nada que ver con la idea de la banda ficticia. Sin embargo, como introducción al tema de cierre, con la imponencia que corresponde al final de un concierto, se repite el estribillo del tema inicial al cual se engancha el majestuoso A Day In The Life. De modo que, aunque no hubiera sido la intención, esa estructura induce a tomar todo lo que está en el medio como parte de un todo que comienza y termina casi de la misma manera. Los propios Beatles han dicho que luego del segundo tema dijeron de hacer pistas como era habitual y abandonar la idea del concepto. De todos modos, los espacios entre cada tema son más breves que en cualquier disco de entonces, en los que las canciones se aislaban unas de otras con espacios de 4 o 5 segundos, remarcando la separación. Sgt. Pepper permite una audición más conexa entre los temas, que no se aislan lo suficiente y esa especie de atracción que unos ejercen sobre otros, también ayudan a percibir la obra como un todo.

The Beatles y sus alter ego

Pues bien, sin embargo, si los propios autores niegan la idea del concepto, ¿quiénes somos nosotros para desmentirlos? Pero a menudo de los equívocos igualmente surgen consecuencias y si bien Sgt. Pepper no es el primer concept album, este proceso y sus alternativas generaron la idea del concept album. Y esta es una consecuencia bien importante. Sin duda que la idea no es exclusiva de The Beatles, seguramente estaba en el aire, especialmente en una Inglaterra que estaba operando como usina de novedades, como generadora de una nueva cultura joven. Pero este equívoco con el Sgt. Pepper [podríamos decir esta ambigüedad, porque de todos modos no se modificó la idea del concierto de una banda de pueblo] permitió con facilidad que, cuando en agosto y noviembre del mismo año de 1967 vieran la luz The Piper At The Gates Of Dawn, de Pink Floyd y Days Of  Future Passed, de The Moody Blues, éstos fueran asimilados a la idea del concept album. El primero por el concepto dominante en todos los temas, la exploración psicodélica, sin cambios estilísticos, como sí era común en los discos que ofrecían canciones agrupadas; el segundo ya con un concepto argumental que habla del trayecto por las diferentes horas del día [The Day Begins, Dawn: Dawn Is A feeling, Morning: Another Morning, Lunch Break: Peak Hour, Tuesday Afternoon (Forever Afternoon), Evening: The Sun Set: Twilight Time, Night: Nights In White Satin, Late Lament] todo ello unido por la presencia de una orquesta, The London Festival Orchestra, que le da estructura sinfónica a la obra.

The Piper At The Gates Of Dawn, grabado en el estudio de al lado en Abbey Road

Days Of Future Passed, apareció en noviembre.

Poco tiempo después, The Who incursionarán en el concept album, a través de Tommy, bajo la forma particular de la ópera rock.  Y una banda nueva y revolucionaria como King Crimson, irrumpiría en la escena musical con dos grandes álbumes conceptuales: In The Court Of The Crimson King y In The Wake Of Poseidon. Luego serían moneda corriente los álbumes conceptuales como Close To The Edge o Tales From Topographic Oceans, de Yes, The Lamb Lies Down On Broadway, de Genesis, Brain Salad Surgery o Pictures At An Exhibition, de Emerson, Lake & Palmer, o Thick As A Brick o A Passion Play, de Jethro Tull.

Sgt. Pepper sería así, el modelo no declarado, quizás no voluntario, del concept album. No resulta casual, de todos modos, que sus temas tengan un orden y una lógica interna que los deja interconectados. Si no, hagan la prueba de escuchar Sgt. Pepper usando la función random del reproductor de CD o del MP3 que utilicen.

La programación de la obra, trabajo de estudio

The Beatles no sería la única banda en sacar provecho del estudio y los recursos que crecientemente éste iba proporcionando a los músicos. Desde el desarrollo del stereo en adelante, con la multiplicación de las pistas grabables que pudieron superponerse grabándolas por separado, las mejorías en las ecualizaciones, la mayor fidelidad que se podía lograr, el trabajo de estudio se volvió una parte importante en la creación, la ejecución y el registro de obras musicales. Ya no era lo mismo pensar una obra que cuando se grabara iba a suponer la ejecución conjunta de todo el grupo o el compartir el mismo micrófono para las voces o los coros, a concebirla pensando en múltiples líneas de grabación que permitirían refinar los distintos aspectos. La grabación ya no debió ser el registro de la ejecución total de la pista a grabar, sino que se sacó partido a los overdubs posibles. Así, los arreglos instrumentales, vocales, sonoros en general, los efectos complementarios con otros tipos de sonidos, la inclusión de múltiples instrumentos de todo tipo, hasta orquestas enteras hicieron necesaria la programación de la obra para su grabación en diversas instancias y partes, no necesariamente en orden cronológico.

Beatles en el estudio

En Sgt. Pepper es palpable ese trabajo, no solamente porque se sabe que pasaron varios meses en el estudio, sino porque el resultado es una trama de tal densidad sonora que presupone un proceso de construcción en el que la técnica del estudio es el principal aliado. Por todos lados surgen instrumentaciones no convencionales para la banda de rock y pop que eran The Beatles. Efectos sonoros múltiples, desde los murmullos, aplausos y risas del público, los sonidos de animales en Good Morning, Good Morning, los diversos efectos en A Day In The Life, hasta el galimatías del final audible solo para tocadiscos no automáticos [en aquel entonces]. La presencia de una orquesta que da mayor espesor musical a A Day In The Life, o de arreglos orquestales para She's Leaving Home, introducen otros actores dentro de una obra que excede largamente lo que una banda - cualquiera de ellas, incluídos The Beatles - podía hacer per se o había hecho. 

Horas de estudio, el laboratorio de la obra total

Ciertamente, con posterioridad no fue para nada extraño que se incluyeran instrumentaciones no autóctonas del rock, arreglos orquestales, visos sinfónicos, incorporaciones de sonidos provenientes de fuentes no musicales, etc. La técnica del estudio fue, progresivamente, haciendo más posible la obra programada sobre otra estructura, más allá de la grabación en directo de la banda haciendo un tema de una vez y de cabo a rabo. Sgt. Pepper insumió varios meses de grabación, desde fines de 1966 hasta ya bastante entrado 1967 y su lanzamiento se hizo el 1º de junio de 1967. Please, Please Me, su primer álbum, llevó 13 horas y media de grabación ...

El trabajo en el estudio se volvió una parte más del proceso creativo de las bandas que pretendieron realizar obras con alto grado de elaboración. Recuérdese, por ejemplo, Ummagumma o The Dark Side Of The Moon, de Pink Floyd, plenas de efectos sonoros, instrumentaciones insólitas [hasta motores de avión] y experimentación,  mucha experimentación, por citar dos entre muchos.

Ummagumma

The Dark Side Of The Moon

La obra como puesta en escena, producto de artistas que están por detrás de los que aparecen como visibles.

Si bien The Beatles canjearon las actuaciones en vivo por el trabajo de estudio y no volvieron a un escenario hasta pasada la ruptura definitiva de la banda [haciendo abstracción, desde luego, del concierto en la azotea], el disco simula una presentación en vivo. La idea de que la gira se hiciera dentro del disco mismo muestra que de algún modo se quiso aportar un sucedáneo al contacto directo de los artistas con el público. En realidad, la operación fue algo más compleja, ya que supuso que unos músicos, integrantes de la Lonely Hearts Club Band dirigida por el Sgt. Pepper, interpretara música de The Beatles en ese ficticio concierto. Así, The Beatles reales cedían su puesto a una banda alter ego. El disco es, en definitiva, una serie de covers que los propios Beatles, transformados en otros músicos, hacen sobre sus propias canciones.

Por cierto que nunca se llegó a la escenificación del disco, nunca se presentó en vivo por los mismos Beatles, pero el disco en sí, como objeto, le da al espectador - oyente la imagen bien definida de la puesta escénica: los invitados, los asistentes, los músicos con sus vestimentas, la escenografía, las palabras que se dicen/cantan, presentando las letras como guión, como el libreto en una ópera, todo ello, acompañando la audición de la música. Y como es música para oir, nos disponemos cómodamente a escucharla, tal como si estuviéramos en ese concierto que nunca tuvo lugar real, pero al que todos los que escuchamos Sgt. Pepper, hemos acudido una y mil veces, cada vez que oimos la obra.

La banda alter ego en una toma alternativa de la sesión con Michael Cooper

Vale la pena pensar en experiencias de alter egos posteriores, que han seguido esta línea. David Bowie con su Ziggy Stardust And The Spiders Of Mars, es un ejemplo. Rick Wakeman y el English Rock Ensemble caracterizados como Merlín y los Caballeros artúricos, es otro. El desdoblamiento de Ian Anderson en el alter ego ficticio de Gerald Bostock, el niño prodigio y freak autor de la letra de Thick As A Brick. [Sobre posteriores alter egos de Ian Anderson, remitimos a esto otro post]. Y escenificaciones, teatralizaciones, como el ballet sobre hielo para The Myths And Legends Of King Arthur And The Round Table Knights, de Rick Wakeman, o las reiteradas puestas en escena que llevaba a cabo Genesis en la era Gabriel, o los números con visos de grand guignol en varios casos como los de Emerson, Lake & Palmer [la lucha cuerpo a cuerpo de Emerson con su teclado, que termina apuñalado en Rondó], Frank Zappa & The Mothers, Captain Beefheart, Alice Cooper, etc. Bien visto, Sgt. Pepper traza una maqueta de lo que podría derivarse, deja pronto un plan de acción.

David Bowie / Ziggy Stardust

Rick Wakeman / Merlin

Peter Gabriel en dos caracterizaciones

Complejización de la obra 

Será una consecuencia natural de todo lo planteado anteriormente el hecho de tener una obra que se va haciendo mucho más intrincada en su estructura, donde entrarán en juego otros factores compositivos y que irán alejando definitivamente a la banda y sus creaciones de los patrones standard. Como dijimos en otro post, se produce el pasaje de la aplicación de la fórmula a la búsqueda de la forma.

Necesariamente la estructura será más compleja, el todo constará de más elementos componentes y las relaciones entre esas partes entre sí y con el todo, abandonarán la base de sencillez de las composiciones más standard.

No solamente lo antes dicho, en especial acerca de la instrumentación, sino también en cuanto a no apegarse a un género en particular. Son una banda de Rock y de Pop, pero pueden hacer piezas con orquestación [A Day In The Life], con conjuntos de cámara [She's Leaving Home], pasar de la música india [Within You, Without You] a un número de music hall [When I'm Sixty-Four], utilizar armonías tanto sencillas [With A Little Help From My Friends] como complicadas [Being For The Benefit Of Mr. Kite], pasar de la canción [Lovely Rita] al collage sonoro [Good Morning, Good Morning], desarrollar un climax de sonidos y dejar un acorde vibrando largos segundos [A Day In The Life], crear imágenes a partir del hipnóticos sonidos [Lucy In The Sky With Diamonds], etc.

Y si bien, como obra mayor que pretende ser, desea codearse con la música de alto nivel, no deja de hacer estallar los charts y se coloca, como era habitual, en el Nº 1. Todo lo cual indica que el gran público estaba dispuesto a aceptarlo todo. 

La historia posterior está repleta de artistas y bandas que apostaron a la complejidad como forma musical. The Moody Blues, Pink Floyd, King Crimson, Yes, Genesis, Emerson, Lake & Palmer, Jethro Tull, inician la línea que conduce a dignísimas bandas sucesoras en el presente.

Mensaje lírico 

No será privativo de The Beatles conceder especial importancia al contenido lírico de sus letras, pero haberlas incluido en la contratapa, redimensionó la importancia del mensaje lírico. No solo se escuchan, también se leen, lo cual permite que se pueda reflexionar sobre ellas ya no como contenido verbal de la música, sino como texto en sí mismo, rescatando su origen poético. Por ello, lo que dicen las letras tenderá a ser más importante, trascendente o significativo.

Es cierto que esta línea la trazan The Beatles solo a lo largo de tres álbumes: este Sgt. Pepper, Magical Mystery Tour [en su edición de doble EP en Inglaterra] y en The Beatles [White Album] y que sobre el final volvieron a un formato más adscripto al disco de pistas y excluyeron las letras. Pero que en sí mismos hayan vuelto a hacer un viraje porque para ellos apareció como necesario, no quita que la revalorización del mensaje lírico haya influido poderosamente en tantísimas bandas y artistas posteriores.

Las letras en la contraportada

La aparición de las letras en el propio disco se volvió un elemento componente más de la obra. Imposible mencionar ejemplos, ya que son millares. Pero señalemos algunos que puedan ser singulares. En Thick As A Brick, de Jethro Tull, la letra aparece como parte de lo publicado en un diario simulado por toda la carátula. Se incluye dentro de la noticia de la descalificación de Gerald Little Milton Bostock de un concurso de poesía que había ganado con el poema Thick As A Brick. Otro caso singular lo constituye The Lamb Lies Down On Broadway, de Genesis, en el que la letra de los temas es, a la vez, argumento de una historia, la que se cuenta en el disco.

Thick As A Brick

Dos páginas del librillo interior de The Lamb Lies Down On Broadway

Anuncios del Progresivo 

Como puede apreciarse, muchos de los elementos antes mencionados comparten una fuerte relación con el Rock Progresivo y sus características definitorias. ¿Es Sgt. Pepper un disco progresivo? No lo es. Pero se lo suele citar dentro de las raíces y las influencias del Prog Rock. Claro está, alguien podría decir que si The Beatles transformaron tan profundamente la música en general - lo cual es cierto - el Prog Rock no iba a poder escapar a esa influencia. Sin embargo, aquí hay un matiz que es importante: no es solamente la influencia, sino el haber sembrado la semilla de la actitud progresiva. Más que influir, The Beatles sientan las bases para que otras bandas puedan desarrollar el Progresivo. Esta es otra consecuencia insospechada, más teniendo en cuenta que tan solo dos años después del Sgt. Pepper aparecería el disco al que unánimemente se reconoce como el primer disco decididamente progresivo, In The Court Of The Crimson King, de King Crimson.  

¿The Beatles intentaron la generación de algo parecido al Progresivo? Seguramente no. Pero queriéndolo o no, aún a pesar de sus propios propósitos, hay consecuencias que escapan de las manos ya que los efectos que producen los hechos muchas veces pasan por las decisiones de aquellos sobre los cuales influyen los hechos y no por la voluntad de quienes generan esos hechos. De modo que en las bandas jóvenes que comenzaron a despuntar en los últimos años de los '60, la influencia beatle se procesó de tal modo que abonó las nuevas propuestas y la huella beatle fue descifrada por esas bandas jóvenes en respaldo de sus propósitos. De tal suerte, quien atienda a la música Prog, encontrará de modo más tenue o más nítida, esa huella beatle, aún en las bandas más cercanas de estas dos últimas décadas. Es más, en casos puede advertirse una actitud manifiesta de tributo a la música beatle como raíz del Prog. Citemos los casos de Rick Wakeman con su álbum Tribute o de la banda Yellow Matter Custard, formada por insignes músicos Prog como Neal Morse, Paul Gilbert o Mike Portnoy.  

Rick Wakeman / Tribute

Yellow Matter Custard

Referencias culturales 

Otro aspecto que The Beatles estimularon con su Sgt. Pepper. En primer lugar, su asimilación a la cultura pop emergente de los '60. El hecho de que artistas pop británicos reconocidos como Peter Blake o Richard Hamilton estén vinculados a dos álbumes icónicos como Sgt. Pepper o The Beatles, indica una inserción en los fenómenos culturales vigentes. Pero además, la multiplicidad de referencias culturales que van implícitas en los personajes de la tapa de Sgt. Pepper, nos eximiría de mayores comentarios, habida cuenta de ya haber publicado un post sobre esto.

Pero aún a riesgo de reiteración, consideremos que la heteróclita reunión de personajes de la tapa contiene indicadores de matrices culturales muy diversas, tanto como que va de los gurúes indios al ocultismo, desde la literatura de Poe hasta la generación beat, desde el star system hasta la música de vanguardia. Asimismo, la variedad de épocas abarcadas, que muestran la posibilidad de establecer vínculos y puentes entre la cultura tradicional y la cultura generada por los jóvenes.

Esa misma actitud podemos encontrar en músicos posteriores, especialmente los progresivos en sus intentos de vincular diversas tradiciones literarias con el presente, o referencias musicales, especialmente de música académica de diversas épocas - de Bach, Brahms o Prokofiev a Ginastera, Satie o Copland - con la matriz roquera. Esta actitud comunicante permitió la experimentación y la fusión, la transgresión de límites impuestos desde ambos lados - la música académica y la música popular - para poder tender vías de recíproca influencia. Algunos de los músicos de Rock terminarían incursionando también en el ámbito de la música orquestal, como en los casos de Keith Emerson, con su Concierto Nº 1 para Piano y Orquesta, Jon Lord con sus Concierto para grupo (de Rock) y orquesta y la Gemini Suite, o el propio Paul McCartney con una producción orquestal más extensa, que ya comentáramos oportunamente.

Obras orquestales de Jon Lord

 

La obra total. Lo literario poético, lo musical, lo visual.

Finalmente, podemos señalar cómo este álbum singular y seminal dejó también un legado en cuanto a la integración y equilibrio de distintos aspectos componentes de la obra musical. Como señaláramos en los párrafos anteriores, la síntesis de todos ellos pasan por una concepción integral y totalizadora de la obra, contemplando la composición, su complejidad y el proceso de construcción y grabación de la misma, al mismo tiempo que los aspectos lírico - poético - literarios y el entorno visual de la presentación.

Si en algunos momentos primó la obra grabada por encima de todo lo demás, como cuando los discos venían en álbumes de 10 o 12 ejemplares con una miscelánea que muchas veces no contemplaba una unidad ni temática, ni de género ni estilística, con posterioridad comenzaron a tener importancia también los aspectos líricos y visuales. Pero no fue sino hasta el Sgt. Pepper en que todo ello se volvió una unidad, en la que cada parte no se explica únicamente por sí misma, aunque tenga cierta autonomía, sino en una relación con todas las otras partes que dan forma a un todo como antes no se había visto, pero como no sería ya raro ver en la música que vendría. La obra total. 

Un lugar bien ganado: la obra total

No queríamos dejar pasar junio sin expresar estas apreciaciones sobre este hito de la música mundial que desafió el tiempo y lo trascendió, que se propuso ser una obra mayor y cambió la música, que pudo haberse relegado a un rol de entretenimiento juvenil y, de puro porfiado, ocupa un lugar indiscutible en la formación de la cultura contemporánea. No exagero, pregunten por ahí.

Hasta la próxima. 

UN MOMENTO MEMORABLE: YES INGRESA AL HALL OF FAME [¡FINALMENTE!]

Y realizan una performance excepcional, con una formación esperada.

Jon Anderson, Rick Wakeman y Trevor Rabin se encuentran actualmente en un proyecto de música de Yes, del cual los tres fueron miembros, aunque en etapas distintas, al menos para Wakeman y Rabin [Anderson convivió con los dos en diversas etapas]. La única oportunidad en que los tres habían coincidido fue para la gira Union, tan efímera como artificial. Pero ahora ellos tres están llevando adelante lo que primero se llamó Anderson Rabin Wakeman [ARW] y ahora se rebautizó como Yes Featuring Jon Anderson, Trevor Rabin, Rick Wakeman, a diferencia de la actual formación de Yes tras la muerte de Chris Squire: Steve Howe, Alan White, Geoff Downes, Jon Davison y Billy Sherwood.  

Hay una considerable cantidad de músicos que pasaron por las filas de Yes, pero los casos de Anderson y Wakeman marcan las ausenciasmás notables de la actual line up de la banda. Para la ocasión de la inducción al Hall of Fame 2017, se produjo una nueva reunión de viejos y nuevos miembros y miembros de siempre.

Lo que traemos aquí es la versión de Roundabout que realizaron con la siguiente formación: Jon Anderson, voces; Steve Howe, guitarra; Trevor Rabin, guitarra; Alan White, batería; Rick Wakeman, teclados y en el bajo, invitado especialmente, el canadiensa Geddy Lee, de Rush.

Para disfrutar

Hasta pronto, amigos de ABBEY ROAD